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Quatrième volet des aventures de Bouli Miro, Bouli année zéro (2010) de Fabrice Melquiot raconte la vie prénatale du personnage. Dans ce drame utérin, l’auteur représente Bouli de son état embryonnaire jusqu’à sa naissance, ainsi que les relations instaurées de l’intérieur du ventre maternel avec le monde extérieur. La pièce est le lieu d’échanges loufoques et métaphoriques entre Bouli et sa famille, qui sont autant de détours par la fiction pour dialoguer avec l’infans. Notre article étudie les modes de présence de l’enfant à naître et les formes de dialogues dramatiques instaurés entre les autres personnages et l’embryon, participant d’une haptonomie vocale.

EN :

Fourth chapter of the adventures of Bouli Miro, Bouli année zéro (2010) by Fabrice Melquiot tells us about the character’s prenatal life. In this uterine drama, the author depicts Bouli from his embryonic state to the day of his birth, as well as the relations established with the outside world from the inside of his mother’s womb. The play is full of absurd and metaphorical conversations between Bouli and his family which are fictional circumvolutions to dialogue with the infans. This paper studies the modes of presence of the child to be and the forms of dramatic dialogues between the different characters and the embryo, as part of a vocal haptonomy.

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Inspiré du récit de science-fiction « The Camille Stories » contenu dans Vivre avec le trouble (2020 [2016]) de Donna Haraway, la pièce Earthbound ovvero le storie delle Camille (2021) de la marionnettiste italienne Marta Cuscunà s’interroge sur la durabilité de vies biologiques fondées non plus sur les liens du sang mais sur une forme de parentalité partagée. L’utilisation de marionnettes animatroniques crée sur scène une surface d’imagination où des créatures chimériques en symbiose interrogent l’enracinement du désir humain d’avoir des enfants.

EN :

Inspired by the science fiction story “The Camille Stories” from Donna Haraway’s Staying With the Trouble: Making Kin in the Chthulucene (2016), the show Earthbound ovvero le storie delle Camille (2021) by Italian puppeteer Marta Cuscunà questions the sustainability of biological life based not on blood ties but on a form of shared parenthood. The use of animatronic puppets on stage creates a surface of imagination, where chimerical creatures in symbiosis question the rooting of the human desire to have children.

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Comment incarner les devenirs-mères dans la pluralité et la complexité de ce que cela engage? Quels sont les statuts et états des paroles et des corps qui accompagnent les contingences des devenirs-mères? Quelles en sont les traversées lors de la périnatalité, l’accouchement et la maternité? Autant de questions posées par Valérie Gaudissart, metteure en scène de la compagnie Rêver Tout Haut, dans sa pièce Bercer l’enfant manquant (2021), créée à partir de témoignages de femmes s’exprimant librement sur ce qui est d’ordinaire tu ou nié, comme l’avortement, l’accouchement sous X, la dépression post-partum, la fausse couche, la césarienne, la procréation médicalement assistée ou encore l’adoption, ici traités sous le prisme de l’enfant manquant, idéalisé, non né, incréé, et qu’il s’agit dans cette contribution d’examiner.

EN :

How can we embody the plurality and complexity of motherhood? What are the statuses and states that accompany these contingencies of becoming mothers? What are the experiences of perinatality, childbirth, and motherhood? These are the questions raised by Valérie Gaudissart, director of the company Rêver Tout Haut, in her show Bercer l’enfant manquant (2021), created from testimonies of women expressing themselves freely about issues that are usually hushed up or denied, such as abortion, anonymous childbirth, post-partum depression, miscarriage, cesarean section, medically assisted reproduction and adoption. These topics are addressed here through the prism of the missing child (unborn, uncreated or even idealized).

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Cet article propose une lecture féministe de la pièce Venir au monde (2017) d’Anne-Marie Olivier, qui présente des histoires d’accouchement. Il soutient que la vulnérabilité et l’interdépendance, au fondement de l’éthique du care, sont des caractéristiques des personnages mis en scène. Donner naissance à un enfant se lit comme « une épreuve » (Olivier, citée dans Bouchard, 2017) autour de laquelle se rassemble une communauté à laquelle participent les vivant·es, les mort·es et les mourant·es. Les principes du care éclairent aussi le rôle joué par la poésie comme pratique qui vise à réparer et à adoucir le monde en donnant sens aux expériences douloureuses.

EN :

This article offers a feminist reading of the play Venir au monde (2017) by Anne-Marie Olivier, which presents childbirth stories. It argues that the characters and the relations between them may be understood through vulnerability and interdependence, as principles of the ethics of care. Giving birth is seen as “an ordeal” (“une épreuve”; Olivier, cited in Bouchard, 2017) around which a community of the living and the dead gathers. The principles of care also shed light on the role played by poetry as a practice aimed at healing and softening the world by giving meaning to painful experiences.

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Ce texte prend racine dans le théâtre de marionnettes contemporain d’Ilka Schönbein, qui se construit notamment autour d’accouchements gestuels et dramatiques. Sur les scènes de cette marionnettiste-danseuse formée à la danse eurythmique naissent des marionnettes anthropomorphes ou animales qui, dès les premières présences, se mettent à danser. En initiant des danses dans le ventre par ondulations liminales, ces naissances de la matière marionnettique agissent comme de puissantes modificatrices de la corporéité de l’interprète au plateau. Qu’est-ce que faire naître une marionnette au plateau? Comment les marionnettistes, danseuses, constructrices mettent-elles au monde des présences marionnettiques en scène? Quels types de gestes, essentiellement dansés, émergent alors?

EN :

This paper analyzes the contemporary puppet theatre of Ilka Schönbein and the theme of childbirth from dramatic and dance perspectives. Trained in eurythmic dance, the puppeteer gives birth on stage to anthropomorphic or animal figures that begin to dance from their first steps. By initiating dances in the belly with liminal ripples, these puppet births deeply transform the corporeality of the dancer-puppeteer on stage. What does it mean to give birth to a puppet on stage? How do women puppeteers and dancers bring puppets to life? What kind of dance emerges as a result?

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Depuis les années 1990, les spectacles de Joël Pommerat explorent la dimension sensible du monde contemporain. L’enfant y cristallise l’amour, la haine ou la projection des familles. Les marchands (2006), Au monde (2004), La réunification des deux Corées (2013) et Des suées (1993) révèlent les arcanes de la conception. Cet enfant (2006) montre comment la gestation modèle le parent en devenir. Deux scènes de mise au monde, issues de Cet enfant et de Pinocchio (2008), permettent enfin de mettre en lumière les attentes et les angoisses entourant la découverte d’un être semblable et étranger à son·sa géniteur·trice, en miroir du processus de création artistique.

EN :

Since the 1990s, Joël Pommerat’s works have explored the sensitive dimension of the contemporary world. Children crystallize love, hatred, and projection on the part of families. Les marchands (2006), Au monde (2004), La réunification des deux Corées (2013) and Des suées (1993) reveal the mysteries of conception. Cet enfant (2006) shows how gestation shapes the parent-to-be. Finally, two birth scenes from Cet enfant and Pinocchio (2008) shed light on the expectations and anxieties surrounding the discovery of a being both similar to and foreign to its progenitor, mirroring the process of artistic creation.

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La nuit des taupes (2016) de Philippe Quesne et Go Down, Moses (2014) de Romeo Castellucci montrent la naissance d’un être sur scène en même temps qu’ils traitent la question plus vaste d’une naissance de l’art au Paléolithique. Ces motifs interrogent l’écriture scénique et la place de leur metteur en scène dans la création. Il s’agit dans cette proposition de restituer le cheminement qui passe, sur ces scènes, des images de l’art des grottes ornées aux images de l’enfantement en proposant une pensée du démiurge scénique.

EN :

Philippe Quesne’s La nuit des taupes (2016) and Romeo Castellucci’s Go Down, Moses (2014) both show the birth of a being on stage, while at the same time addressing the broader question of the birth of art in the Paleolithic era. These motifs question stage writing and the place of the director in the creative process. The aim of this proposal is to restore the path that passes, on these stages, from the images of cave art to those of childbirth, by proposing a way of thinking about the scenic demiurge.

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À partir de l’étude de pièces de quatre auteur·trices européen·nes, il s’agira de s’interroger sur un tropisme inattendu du théâtre contemporain : souvent liée à l’eau, la naissance s’y trouve en effet associée au feu. Chez Edward Bond comme chez Marius von Mayenburg, chez Anja Hilling comme chez Julien Gaillard, la mise au monde est en effet mise à mort. Cette coïncidence ne manque pas d’interroger : de quoi ces dramaturgies si diverses sont-elles le nom? L’hypothèse qui sera ici défendue est qu’elles signalent l’avènement d’une pyro-scène (Pyne, 2021) où l’exister n’est plus inconditionnel : il est toujours sous contrainte du feu.

EN :

Based on a study of plays by four European playwrights, we will examine an unexpected tropism in the contemporary theatre: often associated with water, birth is now associated with fire. In both Edward Bond’s and Marius von Mayenburg’s work, in Anja Hilling’s and Julien Gaillard’s, the act of giving birth is, indeed, a death sentence. This coincidence begs the question: what are these very different dramaturgies all about? The hypothesis that will be defended here is that they signal the advent of a pyro-scene (Pyne, 2021) where existence is no longer unconditional: it is always under the constraint of fire.

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Cet article est consacré à un corpus de textes dramatiques d’expression française écrits par des auteurs d’Afrique subsaharienne depuis les années 1990. Ce théâtre postcolonial est fortement marqué par les désillusions vis-à-vis des Indépendances et les échecs des projets de démocratie dans les nations anciennement colonisées. L’article analyse le rapport aux figures féminines et aux motifs de la grossesse et de l’engendrement dans ces dramaturgies qui optent, le plus souvent, pour un détour par la fable mettant au jour une poétique de la mort et de la mémoire. L’article rend compte des modalités diverses selon lesquelles ces questions se déclinent, à la croisée d’enjeux esthétiques et politiques, dans des textes de différentes époques, jusqu’à nos jours.

EN :

This article is devoted to a panel of French-speaking dramatic texts written by authors from sub-Saharan Africa since the 1990s. This postcolonial theatre is strongly marked by disillusionment with Independence and the failures of the projects of democracy in formerly colonized nations. The article analyzes the relationship with female figures and the motifs of pregnancy and engenderment in these dramaturgies which opt, most often, for a detour through the fable, revealing a poetics of death and memory. The article reports on the various ways in which these questions arise, at the crossroads of aesthetic and political issues, in texts from different eras, up to the present day.

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Le mythe de Phèdre et d’Hippolyte était très répandu et mis en scène dès l’Antiquité. En Grèce, on constate un intérêt pour son adaptation depuis les dernières décennies. Deux pièces et un poème présentant une forte dimension théâtrale des XX^e et XXI^e siècles retiennent notre attention : Φαίδρα (Phèdre) (s.d.) d’Aristomenis Proveleggios, « Φαίδρα » (« Phèdre ») (1974-1975; 1978) de Yánnis Rítsos et Φαίδρα ή Άλκηστη Love Stories (Phèdre ou Alceste Love Stories) (2007) d’Elena Penga. Phèdre s’avère en être le personnage principal. Sa relation plutôt inachevée avec Hippolyte donne l’opportunité aux auteur·trices de mettre de l’avant des préoccupations existentielles, psychanalytiques, sexuées et sociales. Les protagonistes essaient de gérer une envie qui leur est interdite ou plutôt l’annulation de leur relation qui les conduit à leur propre mort. Leur rapprochement s’appuie sur le désir sexuel, surtout de la part de Phèdre, mais celle-ci tente également d’y apporter une dimension sentimentale et psychique. L’avènement de la mort ne semble pas douloureux pour Phèdre, tandis qu’Hippolyte se meut entre sa victimisation par l’héroïne et l’acceptation de sa mort tout en gardant un esprit de combat. Ces oeuvres enrichissent la dramaturgie grecque et la perception des mythes grecs antiques dans la mesure où elles soulignent justement la problématique de la relation entre la vie, l’amour et la mort.

EN :

The myth of Phaedra and Hippolytus has been widely spread and staged since antiquity. In Greece, there has been a growing interest in its adaptation in recent decades. We examine two plays and a theatrical poem from the XX^th and XXI^st centuries: Φαίδρα (Phaedra) by Aristomenis Proveleggios, “Φαίδρα” (“Phaedra”) (1974-1975; 1978) by Yánnis Rítsos, and Φαίδρα ή Άλκηστη Love Stories (Phaedra or Alceste Love Stories) (2007) by Elena Penga. Phaedra is the central character in these three texts. Her rather unfinished relationship with Hippolytus provides an opportunity for the authors to highlight existential, psychoanalytical, gendered, and social concerns. The heroes attempt to manage a forbidden desire or rather the termination of their relationship, which leads them to their own demise. Their closeness is based on sexual desire, especially on Phaedra’s part, but she also tries to imbue it with emotional and psychological dimensions. The advent of death does not seem painful for Phaedra, whereas Hippolytus oscillates between being victimized by the heroine and accepting his death while maintaining a fighting spirit. These plays enrich Greek dramaturgy and the perception of ancient Greek myths by highlighting the intricate relationship between life, love, and death.

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Dans cet article, il s’agira d’explorer l’imaginaire médical au sein de la pièce de théâtre Phaedra’s Love (1996) de la dramaturge britannique contemporaine Sarah Kane. Alors qu’il y a parfois mention de la place des médecins dans sa dramaturgie – particulièrement dans Cleansed (1997) et 4.48 Psychosis (2000) –, cette réflexion n’a que trop rarement été envisagée dans le cadre de Phaedra’s Love, où le personnage principal, l’oiseux et misanthrope prince Hippolyte, apparaît dans l’ambivalence, faisant office à la fois de malade, de maladie… et de remède.

EN :

In this article, the medical motif at work in contemporary playwright Sarah Kane’s Phaedra’s Love (1996) will be explored. If the significance of the doctors in the rest of her work has been investigated before – especially in Cleansed (1997) and 4.48 Psychosis (2000) – it has never been linked to Phaedra’s Love, in which the protagonist, the idle and misanthropic prince Hippolytus, feels profoundly ambivalent, appearing as diseased, as a disease… and as a cure.

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L’observation du processus de création de l’un des maîtres de la mise en scène européenne, Krystian Lupa, et de ceux de nombre de jeunes metteurs en scène polonais qui se réclament de sa transmission, comme Krzysztof Warlikowski, Michał Borczuch, Łukasz Twarkowski ou Oskar Sadowski, met au jour un phénomène commun mais néanmoins singulier que l’on pourrait qualifier de « surexposition de l’intime ». Ce phénomène intervient dès le début du processus de création commune, soit lors de la rencontre de l’équipe artistique en salle de répétition, et perdure jusqu’à la scène, marquant l’oeuvre tant dans le fond que dans la forme.

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The observation of the creative process of one of Europe’s master directors, Krystian Lupa, and that of several young Polish directors who draw from his influence, such as Krzysztof Warlikowski, Michał Borczuch, Łukasz Twarkowski, and Oskar Sadowski, reveals a common yet unique phenomenon that could be termed the “overexposure of the intimate.” This phenomenon emerges at the very beginning of the collaborative creation process, during the initial meeting of the artistic team in the rehearsal room, and continues through to the performance, marking the work both in substance and form.