EN :

The article studies miniatures in Kaija Saariaho's Lichtbogen for nine musicians and live electronics (1985-86). The research material consists of records, the score and composer's interviews and articles. Methodologically, the article is based on Gaston Bachelard 's phenomenology (The Poetics of Space) and Denis Smalley's "Spectromorphology." Miniatures are subtle spatio-temporal constellations, which require a non-global listening strategy, or an "aural magnification glass" in order to be perceived. In Saariaho's case, these miniatures are often imbued with musical tension, which reverberates across the material borders of music and texts. By working on the borderline between music and language, they challenge the notion that a hard separation exists between the purely musical and the extra-musical.

FR :

Cet article étudie les miniatures dans le Lichtbogen de Kaija Saariaho, pour neuf musiciens et électronique en direct (1985-86). Le matériel utilisé pour la recherche est composé d’enregistrements, de la partition, d’entretiens avec la compositeure et différents articles portant sur l’oeuvre et sa périphérie. Du point de vue méthodologique, cette recherche s’articule autour de la phénoménologie de Bachelard (La Poétique de l’espace) et de la « spectromorphologie » de Denis Smalley. Les miniatures sont de subtiles constellations spatio-temporelles qui exigent une stratégie d’écoute non globale ou une « loupe auditive » afin de bien les percevoir. Dans le cas de Saariaho, ces miniatures sont souvent imprégnées d’une tension musicale qui se reflète dans l’ensemble des matériaux musicaux et textuels. En évoluant à la frontière de la musique et du langage, elles remettent en question la notion de séparation stricte entre le musical « pur » et l’extra musical.

EN :

This article examines a significant shift in musical style and compositional technique that occurred in Finland during the 1920s, a time during which the music of Jean Sibelius exerted a strong influence. Specifically, I discuss how the octatonic collection, a prominent feature in the music of the two early twentieth-century Russian modernists Igor Stravinsky and Alexander Scriabin, is incorporated as a fundamental harmonic resource in three celebrated orchestral works: Uuno Klami's 1935 "The Creation of the Earth" (movement one from his five-movement Kalevala Suite), movement one from Aarre Merikanto's 1924 Ten Pieces for Orchestra, and Väinö Raitio's 1921 tone poem Fantasia estatica.

FR :

Cet article met en évidence une évolution importante du style musical et des techniques de composition apparus en Finlande au cours des années 1920, période pendant laquelle la musique de Jean Sibelius avait une grande influence. Plus précisément, mon propos porte sur les collections de type octatonique — particulièrement présentes chez les deux modernistes russes du début du XX^e siècle, Igor Stravinsky et Alexandre Scriabine — et leur intégration à titre de ressource harmonique fondamentale dans trois œuvres pour orchestre reconnues: « la Création de la Terre », premier mouvement des cinq composant la Suite Kalevala de Uuno Klami (1935), le premier mouvement des 10 Pièces pour Orchestre de Aarre Merikanto (1924) et le poème orchestral Fantasia estatica de Väinö Raitio (1921).

EN :

This article discusses the role played by the concept of "North" in Glenn Gould's musical thought. In Gould's writings and interviews, the meaning of the "North" is twofold:

( 1) The concept refers to musical phenomena and qualities (counterpoint, non-virtuosity, sonic austerity) which were important for Gould's value judgments of music; (2) Gould used the concept as a metaphor, enabling him to bring together the ideas of isolation, the use of technology to creatively "opt-out," and the notion of non-competition into a coherent aesthetic and ethical perspective. Through a study of Gould's written documents, the concept of "North" will be examined to establish a hermeneutic framework within which to better appreciate and evaluate Gould's musicianship.

FR :

Cet article examine le rôle joué par le concept de « Nord » dans la pensée musicale de Glenn Gould. Dans les écrits et entretiens de Gould, la signification du « Nord » est double :

(1) Le concept renvoie au phénomène musical et aux qualités (contrepoint, non virtuosité, austérité acoustique) qui étaient importantes pour Gould dans ses jugements de valeur sur la musique ; (2) Gould utilise le concept comme métaphore, lui permettant de réunir les idées d’isolement, d’utilisation de la technologie afin de « s’évader » créativement et celle de non-compétitivité au sein d’une esthétique cohérente et d’une perspective éthique. À travers l’étude d’écrits de Gould, le concept du « Nord » sera étudié afin d’établir un cadre herméneutique permettant de mieux apprécier et juger du sens musical de Gould.

EN :

This paper will examine the notion that music can create a sense of place and identity. The object of study is Glenn Gould's Idea of North, which is made up primarily of texts extracted from interviews. Gould manipulated this material using techniques and concepts to produce what he would later call contrapuntal radio. It was through this technical manipulation, as much as through the content of the texts themselves, that Gould was able to express his 'idea of north'. A critical examination of these musical techniques provides an interesting example of how music is able to produce a sense of place and identity.

FR :

Cet article étudie la notion que la musique peut créer un sentiment de localisation et d’identité. Son objet d’étude est Idea of North de Glenn Gould, qui est essentiellement rédigé à partir de textes provenant d’entretiens. Gould manipule ce matériel avec des techniques et concepts permettant la réalisation de ce qu’il appellera par la suite « contrapuntal radio » [radio contrapuntique]. C’est grâce à cette manipulation technique, tout autant qu’en se servant du contenu des textes, que Gould sera en mesure d’exprimer son « idée du Nord ». Un examen critique de ces techniques musicales présentent ainsi un exemple intéressant de la manière dont la musique parvient à produire un sentiment de localisation et d’identité.

EN :

Contemporary Finnish folk music, unlike internationally successful contemporary Finnish rock (HIM, Nightwish, The Rasmus), transmits Finnish and Finno-Ugric tradition in a reinterpreted form to international audiences. This article explores this transmission through a case analysis of Äijö, a song by Värttinä, "the brand name" of Finnish World Music. Critical Discourse Analysis (CDA) provides a unified framework, which allows for tan examination of how different folk music traditions and the practices of Western popular music have been used in Äijö. The data with which this research was undertaken consists of publicly available media texts representing different stages of the production, distribution and consumption of Äijö.

FR :

Contrairement au très populaire rock finnois (HIM, Nightwish, The Rasmus), la musique folklorique contemporaine finnoise transmet la tradition finnoise et finno-ougrienne — sous une forme réinterprétée —, à des publics internationaux. Cet article explore cette transmission par une analyse de cas, en l’occurrence celui de Äijö, une chanson de Värttinä, la « marque par excellence » de la world music finnoise. L’analyse critique du discours offre un cadre unificateur permettant d’examiner l’apport des différentes traditions folkloriques musicales et des pratiques de la musique populaire occidentale dans l’élaboration de Äijö. Les données utilisées pour cette recherche sont essentiellement constituées de textes médiatiques publics représentant différentes étapes de la production, de la distribution et de la consommation de Äijö.

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The Lieder of Finnish composer Yrjö Kilpinen (1892-1959) provide an interesting opportunity to study the interaction of national identity and musical aesthetics in National Socialist Germany. His German-language songs, above all to texts by Christian Morgenstern, enjoyed considerable success in Germany of the 1930s. Kilpinen's own political sympathies made him a model for Nazi ideologists, even as a non-German composing in the quintessentially German musical genre of the Lied. Reviews of his Lieder in the German-language press expound on the "Nordic" qualities of the work of this "Aryan" composer. Closer examination of the Lieder urn den Tod reveals a stark, at times heavy-handed compositional technique, which well suited the political ideology of the Third Reich.

FR :

Les lieder du compositeur finnois Yrjö Kilpinen (1892-1959) offrent une intéressante occasion d’étudier l’interaction entre l’identité nationale et les esthétiques musicales présentes dans l’Allemagne nationale-socialiste. Ses chants en allemand, surtout ceux composés sur les textes de Christian Morgenstern, ont connu une grande popularité dans l’Allemagne des années 1930. Ses affinités politiques ont transformé Kilpinen en modèle des idéologues nazis, ce malgré le fait qu’il n’était pas Allemand et composait dans le genre allemand par quintessence qu’est le lied. Les critiques de ses lieder parues dans la presse allemande expliquaient dans le détail les qualités « nordiques » de l’œuvre de ce compositeur « aryen ». Une étude plus approfondie des Lieder um den Tod révèle une technique compositionnelle rigide, parfois même maladroite, qui s’adaptait bien à l’idéologie politique du Troisième Reich.

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Using the texts from concert programme notes, this paper describes the growing Canadian identity of Toronto Jewish Folk Choir during and after World War II. During this period the choir used rhetoric similar to what we would today call multiculturalism to argue for their place in Canadian culture. The choir's claims to Canadian identity are juxtaposed with colonialist and assimilationist attitudes toward culture at the time, demonstrating that through musical performance and discourse, the choir members were able to construct a positive Canadian identity for themselves despite their position as an ethnic minority outside the political mainstream.

FR :

À partir des notes de programme, cet article décrit l’évolution et la croissance de l’identité canadienne dans la chorale Toronto Jewish Folk Choir, pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Durant cette période, la chorale a fait usage d’une rhétorique semblable à celle qu’on qualifierait aujourd’hui de multiculturalisme, afin de justifier leur place dans la culture canadienne. Les prétentions de la chorale à une identité canadienne sont comparées aux attitudes colonialistes et assimilatrices de l’époque envers le domaine culturel. L’exercice démontre, à travers les concerts et les discours, que les membres du chœur étaient en mesure de se construire une identité canadienne positive malgré leur situation de minorité ethnique étrangère au courant politique officiel.

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The idea of the dream as a longed-for alternative to reality imbues many of Schubert's finest sonata forms with what Charles Rosen has isolated as the tragedy of Romantic memory, the yearning for "that which never was." Here the unusual methods Schubert uses to modulate in his transitions create a sense of something alluring, yet insubstantial, in the subordinate key/theme, an effect that is maintained across the movement, whose progress thus ultimately suggests the tragic pursuit of an illusion.

FR :

L’idée du rêve comme besoin alternatif à la réalité imprègne plusieurs des sonates de Schubert. Ce « désir de ce qui n’a jamais été » constitue ce que Charles Rosen a identifié comme le tragique de la mémoire romantique. D’où les méthodes particulières de modulation utilisées par Schubert dans ses transitions, qui créent une impression séduisante, quoique évanescente dans le rapport tonalité/thème, un effet maintenu tout au long du mouvement, dont la progression suggère, en dernière analyse, la poursuite tragique d’une illusion.