EN :

This paper examines bpNichol’s entanglement of corporeality and textuality through his experimental intervention in the genre of autobiography, titled Organ Music: Parts of an Autobiography. By studying how his autobiography encounters morphologies organizing bodies around the penetration, entry, appropriation and mastery of female bodies, I argue that Nichol's text provides new models for writing the self, embodiment, and sexual difference. The body inscribed in the pages of the text is decentered and abstracted as it comes into contact with and contests the logics of sameness and corporeal impermeability. My work proposes that his text makes legible and resists what Luce Irigaray and Elizabeth Grosz respectively identify as heteropatriarchal “morphologies”—the meanings, vocabularies, and grammars that shape and constitute bodies.

FR :

Cet article examine l’enchevêtrement de la corporalité et de la textualité chez bpNichol à travers son intervention expérimentale dans le genre de l’autobiographie dans Organ Music: Parts of an Autobiography. En étudiant cette dernière comme un exercice littéraire qui remet en question des grammaires et formes d’écriture qui font la promotion de la pénétration, de l’entrée, et de l’appropriation et la maîtrise des corps féminins, je soutiens que le texte de Nichol recadre notre relation avec le genre autobiographique. Le corps inscrit dans les pages du texte se recentre ainsi autour du refus de ces dynamiques. Mon travail propose que son texte rende lisible et résiste ce que Luce Irigaray et Elizabeth Grosz identifient respectivement comme des « morphologies » hétéropatriarcales, c’est-à-dire les significations, les vocabulaires et les grammaires attribués aux formes et aux espaces qui constituent les corps.

FR :

Par le biais d’une analyse de l’artiste virtuelle Hatsune Miku, cet article s’intéresse à définir le processus par lequel une personne tente de pourvoir un être d’une capacité d’agir susceptible de faciliter les échanges bidirectionnels. À l’aide de théories tirées des considérations néo-animistes et d’analyses linguistiques portant sur le principe d’animéité en langue japonaise, il avance que nous sommes motivés par la justification d’un échange communicationnel avec la machine et ses personnifications à travers leur « mise en corps » et une technicisation de notre rapport aux autres « existants ».

EN :

Through an analysis of the virtual artist Hatsune Miku, this article focuses on defining a process in which a person attempts to grant a being a capacity to act likely to facilitate two-way exchanges. Using theories drawn from neo-animist considerations and linguistic analyzes relating to the principle of animacy in the Japanese language, he proposes that we are motivated to justify a communicative exchange with the machine and its personifications through their “bodification” (mise-en-corps) and a technicalisation of our relationship to other “existant beings.”

EN :

This text collects some considerations of the work of the German puppet company “Die Klappe. Das Kabarett an Fäden” in the postwar period. From the study of a puppet, its morphology and its stage performance, the medial processes set in motion and promoted by its material constitution are explored, including the energetic flows that incite the act of embodiment framed by the register of the cinematographic camera. I consider the above as a reflection of the media incorporation promoted by the neo-avant-garde in the puppet theater.

FR :

Ce texte rassemble quelques considérations sur le travail de la compagnie allemande de marionnettes « Die Klappe. Das Kabarett an Fäden » dans l’après-guerre. À partir de l’étude d’une marionnette, de sa morphologie et de sa performance scénique, les processus médiaux promus par sa constitution matérielle et ceux qu’elle déclenche sont étudiés, tels que les flux énergétiques qui incitent à l’acte d’incarnation encadré par le registre de la caméra cinématographique. Ce qui précède est un reflet de l’incorporation des médias promue par la néo-avant-garde dans le théâtre de marionnettes.

EN :

As an exercise in immersive theatre, autoteatro, as developed by Ant Hampton (in collaboration with Silvia Mercuriali and Tim Etchells), is a type of theatre that relies on the participation of the spectator in dialogue with scripted materials. The concept also serves as a way of reconsidering the excesses of a ubiquitous interactive theatre that aims to blur the distinction between presence and absence, inside and outside, reality and imagination, art and the everyday. This “experience machine” puts all its gears in motion to create an automated and interpassive mechanism that transforms the body of the spectator into a sensorial and haptic space, a space of listening in which a kind of “delegated” pleasure allows for experience to be, in a sense, externalized, given over to an outside agency.

FR :

En tant qu’exercice de théâtre immersif, l’autoteatro, tel que développé par Ant Hampton (en collaboration avec Silvia Mercuriali et Tim Etchells), est un type de théâtre qui repose sur la participation du spectateur à un dialogue avec des matériaux scénarisés. Le concept sert également à reconsidérer les excès d’un théâtre interactif omniprésent qui vise à brouiller la distinction entre présence et absence, intérieur et extérieur, réalité et imaginaire, art et quotidien. Cette « machine à expérience » met tous ses rouages en mouvement pour créer un mécanisme automatisé et interpassif qui transforme le corps du spectateur en un espace sensoriel et haptique, un espace d’écoute dans lequel une sorte de plaisir « délégué » permet à l’expérience d’être, en un sens, externalisé, confié à une agence extérieure.

EN :

This article sets out to investigate intermediality in experimental cinema. It explores the intermedial crossings of dance, music, and cinema and how such crossovers recondition the medium of cinema and its impact on the spectator. According to Pethö, exploring intermediality through an affective lens means looking into the “folding together of sensory experiences of different arts” (2023). Thus, the spectator is led through an enhanced experience and is gradually affected at a sensory level. This article analyzes intermedial crossovers in a short film entitled Ghosts ((LA) HORDE, 2022). The film features instances of stillness and motion and offers a diversified experience to the spectator—one which resembles a music video or dance performance one moment and a theatrical performance the next.

FR :

Cet article se propose d’étudier l’intermédialité dans le cinéma expérimental. Il explore les croisements intermédiaux entre la danse, la musique et le cinéma, et comment les influences d’autres arts reconditionnent le cinéma et ont un impact sur le spectateur. En explorant l’intermédialité à travers une lentille affective, selon Pethö, il s’agit d’examiner le « regroupement d’expériences sensorielles de différents arts » (2023); le spectateur est ainsi amené à vivre une expérience enrichie et est progressivement affecté à un niveau sensoriel. Cet article explore les croisements intermédiaux dans un court métrage intitulé Ghosts ((LA)HORDE, 2022). Le film présente des instances d’immobilité et de mouvement, et offre une expérience diversifiée au spectateur — qui ressemble à un vidéoclip ou à une performance de danse à un moment et à une pièce de théâtre à un autre.

FR :

Les films de Lucrecia Martel offrent à voir des corps ambulants, amputés par le cadrage, qui s’intègrent difficilement à leur environnement. Les traumas qui frappent les protagonistes au début de chaque film de la trilogie de Salta les impactent tout au long du récit. Ces corps, en marge de l’image et du groupe social dans lequel ils s’inscrivent, oscillent constamment entre inclusion et exclusion audiovisuelle. Nous nous proposons de réaliser une étude esthétique de l’incorporation des corps et leurs affects en nous inscrivant dans une approche intermédiale, esthétique et affective, qui portera sur l’analyse des composantes visuelles et sonores dans les films suivants : La ciénaga (2001), La niña santa (2003), La mujer sin cabeza (2008) et Zama (2017).

EN :

Lucrecia Martel’s films feature walking bodies, amputated by framing, that are difficult to integrate into their environment. The traumas that strike the protagonists at the start of each film in the Salta trilogy impact them throughout the narrative. These bodies, on the fringes of the image and the social group they belong to, constantly oscillate between inclusion and audiovisual exclusion. We propose to carry out an aesthetic study of the incorporation of bodies and their affects, using an intermedial, aesthetic, and affective approach that will focus on the analysis of visual and sound components in the following films: La ciénaga (2001), La niña santa (2003), La mujer sin cabeza (2008), and Zama (2017).

FR :

Cet article interroge les incarnations d’oeuvres d’art consacrées, à partir de l’étude d’un ensemble de sculptures de l’artiste d’origine bahamienne Tavares Strachan utilisant la pietà, dont le Christ et la Madone ont les traits de Malcolm X, de Steve Biko, d’Amadou Diallo et de leur mère respective. Il analyse les modalités d’imitation et de transgression des modèles par le choix des corps et des gestes, et défend que l’artiste se réapproprie les représentations du passé pour proposer des statues mémorielles dans le contexte du mouvement Black Lives Matter et des monuments publics déboulonnés.

EN :

This article examines the incarnations of landmark works of art, based on the study of a group of sculptures by Bahamian-born artist Tavares Strachan using the pietà, whose Christ and Madonna have the features of Malcolm X, Steve Biko, Amadou Diallo and their respective mothers. I analyse the modalities of imitation and transgression of models through the choice of bodies and gestures. I argue that Strachan reappropriates representations of the past to propose memorial statues in the context of the Black Lives Matter movement and debunked public monuments in the United States.

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Dans cet article, nous abordons la proposition de la poétesse Celerina Sánchez et du musicien Víctor Gally, le duo Natsiká (ñuu savi [mixtèque] poésie et blues). Par le biais de diverses ressources intermédiales, ce duo se concentre sur le son pour tenter de rendre la langue tu’un savi [mixtèque] reconnaissable. Nous montrons la remédiation de deux poèmes « Nika’ín ɨɨn » et « Yo’ó ingáyu », issus du livre-disque Káku ta’án (2019), ainsi que la traduction intersémiotique entre les supports du livre imprimé (écriture bilingue tu’un savi et espagnol), le Soundcloud avec la musicalisation de l’harmonica et l’enregistrement de leur performance vidéo.

EN :

This article analyses the collaboration of poet Celerina Sánchez and musician Víctor Gally, the duo Natsiká (Ñuu savi [Mixtec] poetry and blues). Using a variety of intermedial resources, this duo focuses on sound in an attempt to make tu’un savi [mixtec] a recognizable language. We explore the remediation of two poems, “Nika’ín ɨɨn” and “Yo’ó ingáyu,” from the book-disc Káku ta’án (2019), as well as the intersemiotic translation between the media of the printed book (bilingual tu’un savi and Spanish writing), the Soundcloud with harmonica musicalization, and the video recording of their performance.

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In this article, I study two tropes with a long-standing tradition in Latin American fiction: museums and machines. Specifically, I analyze Galo Ghigliotto’s 2019 novel El museo de la bruma from a two-fold perspective. First, as an example of a larger corpus of contemporary fiction that has taken to material culture as a refuge for storytelling in a world where the digital increasingly mediates the human experience. Second, in relation to a reference made in the book to Adolfo Bioy Casares’s 1940 fictional character Morel as the main architect of the museum. Some of the questions I explore in this article are: how does the relationship between ekphrasis and collective memory work? How does the body regulate the framing of memories regarding the catalog depicted in the novel? If, in Bioy Casares’s novel, the machine is the trope that destabilizes reality by duplicating a body, what happens with the incorporation of this fiction eighty years later in Ghigliotto’s novel when the digital realm has become (or threatens to become) reality? How is contemporary fiction responding to this change?

FR :

Dans cet article, j’étudie deux tropes qui font partie d’une longue tradition de fiction latino-américaine : les musées et les machines. Plus précisément, j’analyse le roman de Galo Ghigliotto, El museo de la bruma (2019), dans une double perspective. D’abord, en tant qu’exemple d’un corpus plus vaste de fiction contemporaine qui a fait de la culture matérielle un refuge pour raconter des histoires dans un monde où le numérique médiatise de plus en plus l’expérience humaine. Ensuite, en relation avec une référence faite dans le livre au personnage fictif de 1940 d’Adolfo Bioy Casares, Morel, comme principal architecte du musée. Voici certaines questions que j’explore dans cet article : comment fonctionne la relation entre l’ekphrasis et la mémoire collective ? Comment le corps régule-t-il le cadrage des souvenirs par rapport au catalogue décrit dans le roman ? Si, dans le roman de Bioy Casares, la machine est le trope qui déstabilise la réalité en dupliquant un corps, que se passe-t-il avec l’incorporation de cette fiction quatre-vingts ans plus tard dans le roman de Ghigliotto, lorsque le monde numérique est devenu (ou menace de devenir) la réalité ? Comment la fiction contemporaine répond-elle à ce changement ?

EN :

Throughout the twentieth and twenty-first centuries, the Mexican poetic tradition has changed its shape with its incorporation of avant-garde aesthetics and anti-traditional practices, producing a genealogy of texts that circle upon corporeality. This paper presents a diachronic analysis of a selection of works by three Mexican poets who, at different times, have explored this uncertain territory by transposing poetry to alternate media outputs with reflections on these themes: Octavio Paz, Ulises Carrión, and Rocío Cerón.

FR :

Tout au long des 20^e et 21^e siècles, la tradition poétique mexicaine a changé de forme avec l’incorporation d’une esthétique d’avant-garde et de pratiques anti-traditionnelles, produisant une généalogie de textes qui tournent autour de la corporalité. Cet article présente une analyse diachronique d’une sélection d’oeuvres de trois poètes mexicains qui, à différentes époques, ont exploré ce territoire incertain en transposant la poésie sur des supports alternatifs, avec des réflexions sur ces thèmes : Octavio Paz, Ulises Carrión et Rocío Cerón.

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“Interoception,” a term that has attracted a significant amount of attention over the past few years, refers broadly to the ability to sense what goes on inside the body: the rhythm of circulation, pangs of hunger, breathing patterns, fluctuations in mood, the movements of a child in the womb, and countless other processes with different levels of accessibility to the conscious mind.

This article claims that attention to the inside of the body is a vital part of the experience of poetry in early modern times and that poetic language can be a key part of the cultural training that shapes the perception of visceral landscapes. The discussion follows the lead of several shared traits between poetry and interoception, including rhythmic patterning, intermittence, strong experiential potential, predictive processing, and cumulative effects. For this purpose, it draws from recent work in the field of cognitive science, and also from lyric theory, work on poetic form, and a range of texts on early modern poetry, history, and culture.

The argument for a “poetry of interoception” is tied to the idea that a number of cultural factors align in the seventeenth century and sharpen the interest in the inside of the body as changing medical paradigms meet the old vehicle for attention to subjectivity that is the lyric mode. These factors operate across Europe and Colonial America, and thus the poems that are used as examples belong to different languages and national traditions.

FR :

L’intéroception, un terme qui a suscité un vif intérêt ces dernières années, englobe la capacité générale à ressentir ce qui se déroule à l’intérieur du corps : le rythme de la circulation, les affres de la faim, les schémas respiratoires, les fluctuations de l’humeur, les mouvements d’un enfant dans le ventre de sa mère, et de nombreux autres processus plus ou moins accessibles à la conscience.

Cet article avance que l’attention portée à l’intérieur du corps est un élément essentiel de l’expérience de la poésie de la première modernité, et que le langage poétique peut être un élément clé de la formation culturelle qui façonne la perception des paysages viscéraux. La discussion s’inspire de caractéristiques communes à la poésie et à l’intéroception, telles que les schémas rythmiques, l’intermittence, le fort potentiel expérimental, le traitement prédictif et les effets cumulatifs. Pour ce faire, l’article s’appuie sur des travaux récents en sciences cognitives, la théorie lyrique, les études sur la forme poétique, ainsi que sur une série de textes portant sur la poésie, l’histoire et la culture du début de l’époque moderne.

L’argument en faveur d’une « poésie de l’intéroception » repose sur l’idée qu’au 18^e siècle, divers facteurs culturels convergent, suscitant un intérêt accru pour l’intérieur du corps, alors que les paradigmes médicaux en mutation se rencontrent avec l’ancien vecteur d’attention à la subjectivité qu’est le mode lyrique. Ces influences culturelles s’étendent à travers l’Europe et l’Amérique coloniale, et les poèmes choisis comme exemples appartiennent ainsi à différentes langues et traditions nationales.

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In this article, I explore the rupture between the regime of the body as a performative device and the regime of the body defined by what I call an intermediate act of incorporation: an expression to designate acts in which a medium updates its material presence, with its own rules, by transfer with another medium in a way that enables the real capacities of communication and cognition. This process tells us about an ontological and epistemological dimension of intermediality.

FR :

La rupture entre le régime du corps comme dispositif performatif et le régime du corps défini par ce que j’appelle acte intermédiaire d’incorporation est explorée : une expression pour désigner des actes dans lesquels un médium actualise, avec ses propres règles et par transfert, la présence matérielle, provenant d’un autre support; permettre d’une manière qui rend possibles les capacités réelles de communication et de cognition, nous renseignant ainsi sur une dimension ontologique et épistémologique de l’intermédialité.

EN :

In the realm of collaborative improvisation, adept performers undergo a profound state of embodied coordination, affective openness, and shared spatiotemporal awareness, engendering a palpable sense of “togetherness.” This phenomenon unfolds through an intensified bodily focus, particularly evident during the transitions from an individual, first-person perspective to a collective one, thereby disrupting the conventional boundaries between self and others. The TACo Collective delves into this intricate aspect of the performing arts, challenging conventional aesthetic and intra-cerebral approaches in favor of a more embodied, sense-based exploration. Our perspective advocates for a heightened emphasis on cultivated bodily awareness, encompassing elements of proprioceptive-kinesthetic understanding, expressive experiences, and affective resonance. This, coupled with dynamic processes such as the deliberate location and transmission of bodily energy, significantly contributes to the cultivation of shared attention and the facilitation of creative reflection. Our ongoing work proposes that the phenomenon of intercorporeal togetherness in the live arts serves as a promising frontier for the intersection of relational and enactive cognitive science. In doing so, it unveils novel insights into nonverbal communication and interbodily intersubjectivity within artistic contexts.

FR :

Dans le domaine de l’improvisation collaborative, les interprètes compétents se trouvent dans un état profond de coordination corporelle, d’ouverture affective et de conscience spatio-temporelle partagée, ce qui engendre un sentiment palpable d’« ensemble ». Ce phénomène se déploie à travers une concentration corporelle intensifiée, particulièrement évidente lors des transitions d’une perspective individuelle, à la première personne, à une perspective collective, perturbant ainsi les frontières conventionnelles entre soi et les autres. Le collectif TACo se penche sur cet aspect complexe des arts de la scène, en remettant en question les approches esthétiques et intracérébrales conventionnelles au profit d’une exploration plus incarnée et sensible. Notre perspective préconise de mettre l’accent sur une conscience corporelle cultivée, englobant des éléments de compréhension proprioceptive-kinesthésique et de résonance affective. Associée à des processus dynamiques tels que la localisation et la transmission délibérées de l’énergie corporelle, elle contribue de manière significative à la culture de l’attention partagée et à la facilitation de la réflexion créative. Notre travail en cours propose que le phénomène d’union inter-corps dans les arts du spectacle constitue une frontière prometteuse pour l’intersection des sciences cognitives relationnelles et énactives. Ce faisant, ils dévoilent de nouvelles perspectives sur la communication non verbale et l’intersubjectivité inter-corps dans les contextes artistiques.