FR :

À l’heure où les artistes visuels autochtones (Premières Nations, Inuits et Métis) se détachent de la « politique de l’identité », les artistes allochtones (d’ascendance européenne) font de plus en plus souvent référence dans leurs oeuvres à des questions en lien avec l’autochtonie. Cet article examine certaines de ces questions en établissant trois dialogues entre le travail d’un artiste autochtone et d’un artiste allochtone vivant au Québec : l’exploitation industrielle des territoires autochtones dans le Nord du Québec, par l’Algonquine Nadia Myre et l’artiste d’origine suisse Thomas Kneubühler ; les nouvelles attitudes et comportements générés par la société d’hyperconsommation, par l’artiste laich-kwil-tach Sonny Assu et le collectif BGL ; les relations entre Autochtones et colons durant le régime colonial français, chez l’artiste innue Sonia Robertson et l’artiste montréalaise Cynthia Girard. Bien que l’autochtonie, à travers ces trois dialogues, apparaisse comme une question partagée par les artistes actuels autochtones et allochtones, à aucun moment il n’est possible d’établir une équivalence entre les uns et les autres. Alors que chez les artistes allochtones l’autochtonie est traitée comme un motif secondaire, passant parfois inaperçue aux yeux des critiques d’art, elle constitue toujours le thème central des artistes autochtones chez qui elle s’ancre dans le destin, souvent tragique, de leur communauté.

EN :

As Aboriginal visual artists (First Nations, Inuit, and Métis) break away from “identity politics”, non-Aboriginal artists (of European ancestry) increasingly make reference to questions of indigeneity in their work. The article examines this issue by establishing three dialogues between the work of Aboriginal and non-Aboriginals artists living in Quebec : Nadia Myre (Algonquin) and Swiss-born artist Thomas Kneubühler, who address the industrial uses of Aboriginal territories in northern Quebec ; Sonny Assu (Laich-kwil-tach) and the BGL artist collective, who explore new attitudes and behaviours generated by rampant consumerism ; and Innu artist Sonia Robertson and Montreal artist Cynthia Girard, who focus on the relationship between Aboriginal peoples and settlers during the French colonial regime. If, through the lens of these three dialogues, indigeneity appears as an issue shared by both Aboriginal and non-Aboriginal artists, it remains impossible to establish equivalence between the two groups. While indigeneity is usually a secondary motif in the work of non-Aboriginal artists, sometimes even going unnoticed by art critics, it remains a central theme for Aboriginal artists, rooted in the often tragic experiences of their communities.

FR :

Ce texte a pour but de saisir les réseaux et les influences qui lient les artistes franco-canadiens en art actuel au milieu artistique québécois et comment est perçue la réussite professionnelle d’artistes franco-canadiens qui exposent au Québec. Nous espérons montrer comment l’institutionnalisation de l’art actuel au Québec a joué un rôle important dans la carrière d’artistes franco-canadiens, mais aussi dans l’ensemble du réseau des arts visuels de la francophonie canadienne. Vu de l’extérieur du Québec, au sein de la francophonie canadienne, l’art actuel au Québec est un pôle important auquel les artistes franco-canadiens peuvent participer tout en cherchant à se démarquer. Notre hypothèse est que la taille restreinte du réseau de l’art actuel dans la francophonie canadienne conditionne la réussite professionnelle de ses artistes, tout en leur permettant, paradoxalement, de se distinguer par leur appartenance linguistique et identitaire à leur communauté francophone respective. Cette distinction fondée sur l’appartenance linguistique et identitaire peut se traduire dans le propos esthétique de leurs oeuvres, mais aussi par la médiatisation qui est faite de leur pratique artistique et de leur carrière au sein de leur communauté, au Québec et ailleurs. Cette médiatisation a un impact sur le renforcement de l’identité collective. Cette identité collective, qui peut être associée, par ailleurs, à une identité nationale dans le cas du Québec ou « nationalitaire » dans le cas de la francophonie canadienne, s’inscrit également dans le discours sur la diversité culturelle au sein des sociétés globalisées. D’après ce discours, le caractère distinctif de l’appartenance francophone représenterait donc un atout lié à sa spécificité culturelle et linguistique, car il peut augmenter l’intérêt de l’individu qui s’en réclame envers sa propre culture et des activités qu’il entreprend au sein de celle-ci.

EN :

This article aims to better understand the influences and networks that link francophone artists from outside Quebec with Quebec’s contemporary art scene, as well as how the professional success of franco-Canadian artists exhibiting in Quebec is perceived. I hope to show how the institutionalization of contemporary art in Quebec has played an important role in the careers of individual franco-Canadian artists, but also in the development of the entire visual arts network in francophone Canada. Seen from outside Quebec by the franco-Canadian community, the contemporary art scene in Quebec is an important context for franco-Canadian artists to participate in as they seek to make their name. I argue that the small size of the contemporary art network for francophones outside Quebec helps artists achieve professional success while, somewhat paradoxically, allowing them to distinguish themselves through their membership in a specific francophone community. This differentiation based on linguistic identity can be reflected in the aesthetics of the artists’ works, but also on the way that the promotion of their artistic practice and of their careers is accomplished within their own community, within Quebec and elsewhere. These promotional efforts tend to strengthen collective identity, which can be associated with either a national identity, in the Quebec context, or a “provincial francophone identity”, in the context of francophone communities outside Quebec. This collective identity can also find a place within discourses on cultural diversity in a context of globalization. According to these discourses, the distinctiveness of francophone identity and its cultural and linguistic specificity represent an advantage, allowing individuals to benefit from interest in their own culture and in the activities they undertake within their own communities.

FR :

Dans la carrière d’un artiste ou d’un écrivain, l’obtention d’une bourse d’un organisme subventionnaire est souvent importante, pour ne pas dire déterminante, car elle fournit une aide financière tout en constituant une reconnaissance (par les pairs). Mais comment procède-t-on pour évaluer les candidats à de telles bourses, et surtout selon quels critères les décisions d’attribuer ou non des bourses à des candidats sont-elles prises ? Ce sont les questions que nous nous sommes posées, tout en nous disant que ces critères sont non seulement esthétiques mais aussi moraux. Les décisions se prennent in situ, au sein de comités qui réunissent des pairs, artistes ou spécialistes de l’art. Sur la base de l’observation in situ des délibérations des jurys et d’entrevues avec les membres et en nous appuyant sur des travaux en sociologie de l’art, dont ceux de Nathalie Heinich, nous montrons, par nos résultats, que diverses formes d’art sont privilégiées, pourvu que cela respecte un certain nombre de critères, à savoir la contemporanéité, la singularité et l’authenticité. Tout se passe donc comme si chaque candidature était l’objet d’une triple évaluation et que chaque candidat devait traverser trois « épreuves » afin de réussir le concours, la plus importante étant celle de l’authenticité, étroitement associée à l’évaluation en rétrospective de la démarche artistique.

EN :

Receiving a grant from a funding agency is an important, if not decisive achievement in the careers of many artists and writers. More than just a form of financial support, these grants also constitute a form of (peer) recognition. But how are applications for funding assessed and what criteria are used to determine whether or not funding will be awarded ? These are the questions we sought to answer, while recognizing that the assessment criteria are moral as well as aesthetic. Juries composed of peers, artists and art experts make their decisions directly in the committee room.

Having observed jury deliberations and interviewed jury members, and by drawing on the work of sociologists of art, including Nathalie Heinich, we conclude that various art forms receive support, as long as they meet certain key criteria. Specifically, work that receives funding is seen as contemporary, unique and authentic. It is as if applications are subject to a triple assessment and applicants face a series of three tests they must pass in order to be successful. The most important criteria remains that of authenticity, which is directly associated with the retrospective assessment of the artistic process.

FR :

L’artiste contemporain et le chercheur en sciences humaines partagent un même objectif : offrir une meilleure compréhension du monde dans lequel nous prenons place. Tous deux veillent à proposer des perspectives capables de donner sens au chaos d’informations, à la réalité qui nous entoure. Aussi n’est-il pas étonnant qu’ils partagent des méthodes communes. L’une d’elles, objet de cet article, consiste à proposer des images étonnantes qui, par leur originalité même, offrent un éclairage singulier sur la réalité. Nous suivrons ainsi la piste de la philosophie de Gilles Deleuze et de Félix Guattari et nous analyserons leur recours à des images botaniques et animalières pour réfléchir sur la pensée occidentale et la question du désir. Nous approcherons la pensée de Giorgio Agamben et tenterons de comprendre son usage d’images fortes, souvent choquantes comme propositions d’analyses historiques et sociales. Ces deux approches philosophiques pourraient nous inciter à croire que cet usage d’images, de métaphores – à donner à ce terme un sens cognitif –, est le propre de disciplines abstraites. Il n’en est rien ; le rôle du corail comme dessin et comme motif chez Charles Darwin, dans sa compréhension de l’évolution des espèces, montre bien que ce dernier n’a pu faire émerger sa nouvelle théorie qu’en prenant un objet, une image singulière comme levier. Dans le champ de l’art, nous recourons à deux exemples. Celui d’abord de l’exposition Intrus, présentée au Musée national des beaux-arts du Québec du 24 avril 2008 au 8 février 2009, qui permit, par la rencontre entre des oeuvres d’art contemporain et des oeuvres du passé, d’éclairer celles-ci d’une lumière nouvelle. Celui ensuite de l’oeuvre Lovers (2004) de David Altmejd, qui, si elle semble visuellement commenter le titre qui l’accompagne, ouvre plus profondément à une relecture de ces amoureux qui s’enlacent, voire des effets de l’amour.

EN :

Contemporary artists and researchers in the social sciences share a common objective: to offer a better understanding of the world we live in. Both groups take care to offer perspectives capable of making sense of the information chaos that surrounds us. It should therefore not be surprising that they also share some common methodologies. One of these, the subject of this article, is the use of strange and amazing images that, by their originality, shed light on our complex reality. Thus, I explore the philosophy of Gilles Deleuze and Felix Guattari’s, analyzing their use of botanical and zoological images as they reflect on Western thought and the question of desire. I also explore thought of Giorgio Agamben while seeking to understand the use of striking and often shocking images as a way conceptualizing social and historical problems. In light of these two philosophical viewpoints, it would be easy to conclude that such use of singular images – in more cognitive terms, the use of metaphors – is restricted to more abstract and philosophical disciplines. That would be wrong. The role of coral, as an image and a motif, in Charles Darwin’s understanding of evolution of clearly shows how Darwin was only able to develop his new theory by using a unique object to structure his ideas. I also identify two similar examples in the field of contemporary art. First, the “Intruders” exhibition, presented at the Musée national des Beaux-Arts du Québec from 24 April 2008 to 8 February 2009, illustrated how a juxtaposition of contemporary and classical art can lead to new ways of reading both. Second, the sculpture “Lovers” (2004), by David Altmejd, not only acts as a visual commentary on its title but also invites a rethinking of the intertwined lovers depicted and even of the effects of love.

FR :

Ce texte propose d’étudier, du point de vue de la philosophie contemporaine, les rapports qu’entretiennent fiction et non-fiction à l’aide de quelques exemples choisis de la cinématographie québécoise des cinquante dernières années. L’examen de ce va-et-vient entre les genres (c’est-à-dire du jeu de brouillage volontairement opéré sur la frontière), qui est une tendance persistante au sein du cinéma québécois, permettra d’identifier et de discuter les problèmes théoriques posés par toute tentative de démarcation. Cela permettra également d’observer ce qui distingue et rapproche la fiction du documentaire dans l’expression d’une réalité sociale singulière, rapport constamment (re)négocié à mesure que les genres se développent et remettent en question leurs frontières habituelles, au gré des tendances artistiques, des modes et des expérimentations. Il s’agira d’abord d’esquisser quelques remarques sur les concepts de fiction et de documentaire à l’aide des récentes propositions des philosophes Gregory Currie et Noel Carroll. Nous fournirons ensuite quelques exemples issus du corpus qui nous intéresse, ce qui nous permettra d’exposer les motifs qui sous-tendent cette tendance marquée aux « jeux de fictions ». Ce regard contemporain sur l’histoire du cinéma québécois permettra enfin d’esquisser quelques remarques générales sur l’ontologie du septième art.

EN :

This article examines the relationship between fiction and non-fiction from the perspective of contemporary philosophy, using selected examples from the last 50 years of Quebec cinema. It notes how moving back and forth between genres (including intentional efforts to blur the boundaries between genres) is a persistent trend in Quebec cinema. This also highlights and raises theoretical problems associated with any attempt at clear demarcation, leading to a discussion of the similarities and differences between fictional cinema and documentary cinema as they both seek to express a unique social reality. In fact, the relationship between the two is continually being (re)negotiated as genres develop and accepted boundaries are challenged in response to artistic trends, new methods and experimentation. I begin by providing some general observations on the concepts of fiction and documentary, drawing on the recent work of philosophers Gregory Currie and Noel Carroll. Next, I explore the motifs underlying the clear trend toward blurring the lines between fiction and documentary, using a certain number of examples from Quebec cinema. Finally, this contemporary perspective on Quebec cinema allows me to make some more general remarks on the ontology of cinema.

FR :

Cet article examine la volonté de certains artistes d’agir à l’intérieur d’un réel à l’état brut, non plus imaginé ou utopique. Les interventions artistiques ayant pris forme dans des contextes urbains, sociaux et politiques ou ayant misé sur des collaborations avec des communautés sont particulièrement marquantes au Québec depuis les dernières décennies. Relevant de la praxis, c’est-à-dire de la possibilité d’agir à partir de, dans et sur sa propre réalité, sa propre culture, de telles démarches artistiques adopteraient la posture de l’ethnologue. Cette analogie permettrait de mieux saisir comment l’art reformule son rapport à la réalité, mais aussi comment il interroge sa propre contemporanéité. Dans un premier temps, cet article fait un retour sur trois textes fondamentaux pour contextualiser cette posture de l’artiste ethnologue et son potentiel d’action sur la réalité : « L’auteur comme producteur » de Walter Benjamin, « The Artist as Anthropologist » de Joseph Kosuth et « Portrait de l’artiste en ethnographe » de Hal Foster. Il introduit également une nouvelle figure, celle de l’artiste archéologue qui cherche à mettre au jour des vestiges matériels non pas tant pour déterrer le passé que pour creuser le présent. Dans un deuxième temps, cette double posture est analysée en relation avec une étude de cas. Depuis ses premières collectes de poussière à la fin des années 1990, Raphaëlle de Groot mène des enquêtes de terrain, utilise les méthodes et les outils de l’ethnologue et de l’archéologue et s’intéresse aux mêmes sujets : elle choisit un lieu, pénètre sa culture et l’étudie, apprend son langage, tisse des liens avec des communautés et sollicite la participation des gens. Une fois les premières étapes de fouille et de cueillette complétées, elle conserve les traces de ses projets, procède à des classifications et présente les résultats sous forme d’archives.

EN :

The article examines the desire of some artists to pursue their work directly within concrete reality, rather than within an imagined or utopian world. In recent decades, there have been particularly striking artistic interventions in Quebec that have taken place in urban, social and political contexts, or that have been based on community collaborations. As a form of praxis – that is to say, as an opportunity to act both within and upon the artist’s own reality and culture – these artistic endeavours seem to adopt an ethnological approach. This analogy helps to better explain how art reformulates its relationship to reality while questioning its own contemporaneity. The article begins by reflecting on three fundamental texts in order to contextualize this idea of the artist as ethnologist and its potential for facilitating action within concrete reality : “The Author as Producer,” by Walter Benjamin ; “The Artist as Anthropologist,” by Joseph Kosuth ; and “The Artist as Ethnographer, ” by Hal Foster. This reflection also introduces the notion of the artist as archaeologist, who seeks to uncover material remains, not so much as a way of unearthing the past than excavating the present. Secondly, the article analyses this dual artistic perspective through a case study. Since the 1990s, when she made her first collections of dust, Raphaëlle de Groot has been using field surveys and other methods and tools of ethnology and archaeology, while showing an interest for these subjects. Thus, she selects a site, penetrates and studies its culture, learns its language, establishes links with its communities and solicits people’s participation. Once the artist completes the initial stages of excavation and collection, she conserves the vestiges of her projects before classifying and presenting the results in archival form.