EN :

This essay charts the evolution of the translation concepts developed by the Brazilian poet Haroldo de Campos from his early concrete phase in the 1950s to what could be termed a postcolonial turn in the 1980s. I argue that the early concept of “transcreation” emerged from the practice of concrete poetry with its isomorphic mirroring of form and content. Stemming from the difficulty of translating concrete poetry and similar isomorphic texts, de Campos suggests a form of translation where a correspondence between the form and content of the original is also sought in the target text. Moving away from primarily formal concerns, in later developments, de Campos lays emphasis on a translation concept that puts forth a critical view of the original through the metaphor of the cannibal, who both reveres and devours the enemy, literally incorporating its energies into his body. This later concept of translation as cannibalism can be read within the larger arena of postcolonial translation. Although De Campos’s concepts were mainly developed independently from the mainstream currents of translation theory, they may be understood in relation to more recent discussions by Lefevere, Bassnett, and Trivedi, among others.

FR :

Cet article retrace l’évolution des concepts traductologiques développés par le poète brésilien Haroldo de Campos, depuis sa phase concrète au début des années 1950 à ce que l’on pourrait appeler son tournant postcolonial dans les années 1980. Je soutiens que le concept de « transcréation » a d’abord émergé de la pratique de la poésie concrète qui se caractérise par un isomorphisme entre la forme et le contenu. Partant de la difficulté de traduire la poésie concrète et les textes isomorphes semblables, de Campos propose une forme de traduction qui s’attache à produire une correspondance analogue entre la forme et le contenu de l’original dans le texte cible. Laissant de côté les aspects principalement formels, qu’il développera ultérieurement, de Campos met l’accent sur une conception de la traduction qui repose sur une vision critique de l’original à travers la métaphore du cannibale, qui à la fois révère et dévore l’ennemi, incorporant, littéralement, dans son organisme l’énergie de l’ennemi. Ce concept de cannibalisme trouve une pertinence dans le champ de la traduction postcoloniale. Bien que les concepts de Campos aient été principalement forgés en marge des courants dominants de la théorie de la traduction, ils peuvent être compris à la lumière d’élaborations traductologiques plus récentes comme celles de Lefevere, de Bassnett et de Trivedi.

FR :

Ap. J.-C., avant-dernier roman de l’écrivain grec francophone Vassilis Alexakis, est un livre exemplaire sur la problématique de l’autotraduction. À la différence des écrivains francophones issus de la colonisation auxquels le français a été imposé, rien ne prédisposait Alexakis à écrire dans cette langue. Quelles sont les raisons qui l’ont poussé à utiliser une langue autre que sa langue maternelle pour faire carrière? Pourquoi écrit-il dans deux langues? Aborder l’oeuvre d’Alexakis sous l’angle de ce que l’on appelle l’autotraduction ne constitue pas en soi une nouveauté. Mais il semble que l’on assiste en ce moment à un retour vers le grec, puisque Ap. J.-C. a lui aussi fait l’objet d’une écriture en grec et d’une autotraduction vers le français. Quels sont les choix opérationnels effectués par l’auteur pour camper un contexte aussi éloigné que le mont Athos, autrement dit la Sainte Montagne, dans Ap. J. -C., dans le but d’atteindre des imaginaires si différents? Après un survol des personnages et de la thématique de l’oeuvre, nous tenterons, dans un premier temps, de répondre à cette question par l’analyse thématique de son ouvrage et de soulever, dans un second temps, les problèmes socio-linguistiques et culturels qui résultent du passage d’une langue à l’autre, plus précisément de l’autotraduction.

EN :

Ap. J.-C., the second most recent novel by the Greek Francophone writer Vassilis Alexakis, is an important example of the issue of self-translation. Unlike Francophone writers for whom the French language was imposed during colonization, Alexakis was not predisposed to write in French. What led him to use a language other than his mother tongue in his career? Why does he write in two languages? This is not the first time that Alexakis’ work has been analyzed through the lens of what is known as self-translation. However, we are currently witnessing Alexakis’ return to Greek, as the novel Ap. J-C. was also written in Greek and self-translated into French. What are the operational choices made by the author in such a remote context as Mount Athos, also known as the Holy Mountain, in Ap. J-C., in order to create such different imaginaries? After an overview of the novel’s characters and theme, we will first try to answer this question through a thematic analysis of his work. Secondly, we will address socio-linguistic and cultural issues that arise from passing from one language to another, specifically through self-translation.

EN :

This article studies the activity undertaken by Javier Marías involving translation. The presence of translator protagonists in his novels is studied, together with his theoretical position on translation and his facet as a translator himself. In all three fields the following of a fully coherent poetics in his aesthetic convictions regarding translation is observed, for Marías rejects traditional stances that make of translation a secondary activity when compared with original composition, thus identifying writing with re-writing without any type of hierarchical prejudice.

FR :

L’objet de ce travail est l’étude de l’activité développée par Javier Marías par rapport à la traduction. On y tient compte de la présence de personnages traducteurs dans ses romans, de ses points de vue théoriques autour de la traduction et de sa propre activité en tant que traducteur. On relève dans les trois domaines l’adhésion à une poétique pleinement cohérente avec ses convictions esthétiques vis-à-vis de la traduction, puisque Marías rejette les partis pris traditionnels qui font de la traduction une activité secondaire par rapport à la création originale, en identifiant ainsi écriture et réécriture sans aucun préjugé hiérarchique.

EN :

Elfriede Jelinek’s stance towards translation is full of respect: her own experiences as a translator showed her that what she primarily did was “learning by doing.” Jelinek has produced about a dozen translations from English and French into German, mostly drama texts. As an author, she became famous for the innovative and provocative language with which she denounces patriarchal structures, the enduring oppression of women, and the insidious continuation of fascist ideology in Austria and other parts of Europe. Yet her model of literature bluntly opposes her model of translation. She has repeatedly said that as a translator she supports “basically the method of relatively literal translation”—a claim which can be easily proved by looking at her translations.

In my paper I will first give an overview of Jelinek’s translations (some of which are co-productions with other translators) and present her own views on translation, which will show that she is very much aware of the pitfalls of the translation activity. I will then analyze Jelinek’s notion of translation, followed by a short analysis of her translation of Christopher Marlowe’s The Jew of Malta. This will be the basis for my discussion of whether her ideas on translation, as expressed in several interviews and speeches, have been put into practice in her translation. It is, however, my assumption that Jelinek does not follow a strict set of translation strategies; rather, she engages intuitively with every new translation project.

FR :

L’attitude d’Elfriede Jelinek à l’égard de la traduction est empreinte de respect : en effet, ses propres expériences en tant que traductrice consistaient essentiellement en un « apprentissage par la pratique ». Jelinek a produit à peu près une douzaine de traductions de l’anglais et du français vers l’allemand, surtout des textes dramatiques. En tant qu’auteur elle est devenue célèbre pour son langage novateur et provocateur grâce auquel elle dénonce les structures patriarcales, l’oppression persistante des femmes et la présence insidieuse de l’idéologie fasciste en Autriche et dans d’autres pays en Europe. Or, son modèle de littérature s’oppose carrément à son modèle de traduction. Elle a affirmé à plusieurs reprises qu’en tant que traductrice, elle soutenait essentiellement une méthode de traduction relativement littérale – ce dont atteste un examen approfondi de ses traductions.

Dans mon article, je donnerai d’abord un aperçu de ses traductions (dont certaines sont des coproductions avec d’autres traducteurs) et je présenterai ses propres vues sur la traduction qui montrent qu’elle est consciente des pièges de l’activité traductrice. Une brève analyse de sa traduction de The Jew of Malta de Christopher Marlowe me permettra de voir si ses idées sur la traduction, telles qu’elles ont été exprimées dans plusieurs interviews et discours, ont été mises en pratique dans ses traductions. Cependant, je pose l’hypothèse qu’elle ne se conforme pas à un ensemble strict de stratégies de traductions, mais qu’au contraire, elle réagit de manière intuitive face à chaque nouveau projet de traduction.

FR :

La traduction par Mallarmé des poèmes de Poe pose de manière singulière la question du lien entre l’activité de poète et celle de traducteur. S’inscrivant explicitement sur les traces de Baudelaire, cherchant à relever le défi lancé par ce dernier qui s’était limité à une traduction des nouvelles de Poe, n’osant pas en traduire les poèmes, Mallarmé place d’emblée son entreprise dans un rapport singulier à la notion d’auctorialité. En effet, sa référence n’est pas uniquement l’auteur traduit, mais également le traducteur précédent. Proposant une traduction qui, en dépit d’une grande fidélité, s’autorise des libertés étonnantes, il ne se contente pas de proposer sa version des poèmes de Poe, mais élabore une édition originale se fondant sur des initiatives déroutantes. Les frontières se troublent donc entre les rôles de poète, de traducteur, et d’éditeur, qu’endosse Mallarmé, mais cette confusion semble se résoudre dans la notion d’impersonnalité, idéal obsédant de la poétique mallarméenne.

EN :

Mallarmé’s translation of Poe’s poetry questions the relationship between the activities of poet and translator in a remarkable way. Following in the footsteps of Baudelaire, who translated Poe’s short stories but did not dare translate his poetry, Mallarmé took up the challenge and focused his work on the relationship between translation and the singular notion of authorship. In fact, he references not only the author being translated, but the previous translator as well. Proposing a translation that, in spite of its fidelity, takes a surprising amount of liberties, Mallarmé does not only want to offer his own version of Poe’s poetry, but wants to develop an original by taking unusual initiatives. The lines between the roles of poet, translator, and editor, which is taken on by Mallarmé, become blurred, but it is resolved through the notion of depersonalization, the ideal driving Mallarmé’s poetics.

EN :

Lydia Davis’s story “Marie Curie, So Honorable Woman” poses a number of questions related to its status. It is presented as a story, but it is constructed from translations of extracts of Françoise Giroud’s Une femme honorable, which Davis had previously translated as Marie Curie: A Life. This article analyses how the story questions the borders between translation and other forms of intertextual writing. First it analyses how the text was presented in its magazine publication in McSweeney’s Quarterly Concern under the title “Translation Exercise #1: Marie Curie, Honorable Woman.” It then discusses how Davis’s use of abridgement in this story and other stories is similar to translation before analysing the translations in the story, which exaggerate the interference from the source language. Along with the choice of extracts, this translation strategy suggests that the story is a parody. It follows the legal and literary definitions of the parody because it exhibits a critical distance from its source text. But it is parody of a text which is not well known in the target culture and so it is unlikely to be recognised as a parody by readers. As a text, “Marie Curie, So Honorable Woman” questions the relationship between translation and parody, but it also questions ideas about representation through its style and its relation to its source text.

FR :

Le récit de Lydia Davis, « Marie Curie, So Honorable Woman », soulève des questions au sujet de son statut. Bien qu’on le présente comme un récit, il se compose en fait de traductions d’extraits du livre Une femme honorable de Françoise Giroud, que Davis avait traduit antérieurement en anglais sous le titre Marie Curie: A Life. Cet article analyse comment le récit met en cause les limites entre la traduction et les autres formes d’écriture intertextuelle. Dans un premier temps, l’article analyse la présentation du texte dans le magazine McSweeney’s Quarterly Concern, où il apparut sous le titre « Translation Exercise #1: Marie Curie, Honorable Woman ». Dans un second temps, nous voyons comment le processus de résumé utilisé par Davis dans ce récit entre autres est similaire à la traduction. Ensuite, l’article analyse la façon de traduire utilisée dans le récit : elle exagère les traces des structures de la langue d’origine. De même que le choix des extraits, ce mode de traduction suggère que le récit est une parodie. Selon les définitions officielles et littéraires, la parodie doit garder une certaine distance par rapport au texte d’origine, ce que fait le récit de Davis. Mais il parodie un texte qui est mal connu dans la culture cible, donc il est peu probable que les lecteurs anglophones lisent le récit comme une parodie. En soi, le texte « Marie Curie, So Honorable Woman » remet en cause les relations entre la traduction et la parodie, mais de par son style et sa relation avec son texte d’origine, il remet aussi en question l’idée de la représentation.

FR :

La présente contribution propose une analyse critique et comparative portant sur la façon de traduire de deux écrivains-traducteurs roumains, Caragiale et Sadoveanu, qui ont traduit en roumain des contes français et les ont publiés autour de 1910, mais depuis des positions traductives différentes et avec des conséquences variées sur la conversation écriture-traduction.

Nous partons dans cette étude des points communs qui rapprochent les deux auteurs : le premier concerne le choix d’un genre bref, le conte, en l’occurrence, le conte merveilleux de Perrault pour Caragiale et le conte de chasse et le conte fantastique de Maupassant pour Sadoveanu. Un autre point commun est un intérêt marqué pour la traduction très libre, sorte d’adaptation « à sa façon », de quelques contes de Perrault, Poe, Twain, dans le cas de Caragiale, renommé dramaturge roumain, mais également conteur vers la fin de sa carrière; pour la traduction littéraire de grands auteurs et de grandes oeuvres, – Maupassant, Tourgueniev, les Psaumes – dans le cas de Sadoveanu, remarquable prosateur et inégalable conteur. L’analyse comparative du texte traduit et de l’original montre que l’écrivain Caragiale, déjà célèbre à l’époque où il traduit Perrault, élabore une poétique de l’imitation qui lui permet un jeu très libre avec le conte-source auquel il imprime son style, allant jusqu’à l’acclimatation, tandis que Sadoveanu, traduisant en début de carrière, est plus proche de l’original, sans réprimer pour autant quelques marques de son écriture en cours de cristallisation.

Dans le cas des deux écrivains, il s’agit de degrés différents de conversation entre l’écriture et la traduction : entre l’écrivain et le traducteur, où l’écrivain domine, si l’on pense à Caragiale; où l’écrivain se trouve toujours en compétition avec le traducteur, si l’on pense à Sadoveanu.

EN :

The present paper attempts to analyse (from both a critical and comparative point of view) the styles that two Romanian writer-translators (Caragiale and Sadoveanu) employed in translating French tales into Romanian around 1910, but with different translation strategies that have a range of consequences on the discussion about writing-translating.

Our analysis starts from what the two writers had in common: the first being the choice of genre, fairy tales. Caragiale chose Perrault’s fairy-tale, and Sadoveanu translated Maupassant’s hunting and fantasy tales. A second common point is a strong interest in translating freely, or creating personal adaptations. Caragiale, a renowned Romanian playwright and storyteller at the end of his career, chose a number of tales by Perrault, Poe, and Twain. Comparatively, Sadoveanu, a remarkable writer of prose and storyteller, preferred the literary translation of great writers and works—Maupassant, Turgenev and the Psalms. Having compared the source texts with the originals, we have noticed that Caragiale, already famous when translating Perrault, employed a poetics of imitation, playing freely with the source text that he imbues with his own unmistakable style, going so far as to domesticate the text. Sadoveanu, on the other hand, a translator then barely at the start of his career stays closer to the original without stifling his own flourishing hallmark.

In the case of both writers, there are various degrees in the conversation between writing and translating: between writer and translator, but in Caragiale’s case, the writer clearly dominates, while in Sadoveanu’s, the translator and writer are inconstant competition.

EN :

Megan Backus’s English translation of Kitchen is notable for being both a critical and commercial success. Critics have praised its readability but noted that its translation strategy is foreignizing. Although its cover designs have not been discussed in relation to domestication and foreignization, the strategies are worthy of mention, because they have huge implications for the symbolic representation of marginalized cultures and dominant counterparts.

The American publisher Grove Press uses a foreignizing strategy which succeeds in producing an intelligible image of the Oriental novel which at the same time appeals to readers, and the design accelerated the popularity of this novella in the US. In contrast, the first UK edition uses a photograph of a weeping geisha, even though the main character is a young Americanized Japanese woman. Most importantly, there are no geishas anywhere in this story. The cover may seem foreignizing at first glance, but is in fact, obviously domesticating. This design fits the stereotyped mould of what Westerners regard as “a typical Japanese image,” completely unrelated to the content. This paper investigates how Kitchen has been represented in Western countries, with a focus on the cover designs of the translations.

FR :

La traduction en anglais du roman Kitchen par Megan Backus est remarquable tant pour son succès critique que commercial. Les critiques ont fait l’éloge de sa lisibilité mais ils ont aussi remarqué qu’il s’agissait s’une traduction de nature  sourcière. Bien que le design de la couverture n’ait pas été discuté par rapport à la cible et à la source les stratégies sont à noter, parce qu’elles ont des implications énormes pour la représentation symbolique des cultures marginalisées et leurs contre-parties dominantes.

L’éditeur américain Grove Press emploie une stratégie de nature sourcière qui réussit à reproduire une image intelligible du roman asiatique tout en plaisant aux lecteurs; le design a aussi contribué à la popularité de cette nouvelle aux États-Unis. Par contre, la première édition britannique emploie une photographie d’une geisha pleurant, malgré que la protagoniste du roman soit une jeune Japonaise américanisée. Qui plus est, aucune geisha ne fait même partie de cette histoire. Au premier regard, la couverture peut sembler relever d’une stratégie de nature sourcière au premier regard, mais, en fait, elle relève de toute évidence d’une stratégie cibliste, puisque ce design correspond à ce que les Occidentaux considèrent comme « une image typiquement japonaise », qui n’a rien à voir avec le contenu du roman. Cet article examine comment Kitchen a été représenté dans les pays occidentaux, tout en mettant l’accent sur les designs des couvertures des traductions.

FR :

Jusqu’à 2011, aucun des nombreux essais d’Henri Meschonnic n’avait été traduit en anglais. Pourquoi? Pour répondre à cette question, il faut chercher à comprendre l’intérêt qu’il y avait à traduire les travaux de ses contemporains, en l’occurrence Antoine Berman et Jacques Derrida. Il apparaît que les incitatifs à l’importation de produits intellectuels tiennent à l’intérêt de consolider une discipline et à l’intérêt que présente le potentiel d’interprétation de ceux-ci.

EN :

Up until 2011, none of Henri Meschonnic’s many book-length essayshad been translated into English. Why? To find an answer, we must firstunderstand the interest of translators in two of Meschonnic’scontemporaries, namely Antoine Berman and Jacques Derrida. It appearsthat there are incentives to import intellectual goods when they canstrengthen a discipline and if there is interest in their potential forinterpretation.