FR :

Après avoir souligné la difficulté de définir ce qui est audacieusement contemporain, l’auteure, dans un premier temps, identifie quels sont les acteurs dirigeant le marché de l’art contemporain et, dans un deuxième temps, analyse l’incidence du réseau culturel international sur ce marché. Elle termine en notant que la position des acteurs dans ce marché est déterminée par le degré d’information dont ils disposent.

EN :

Having pointed out how difficult it is to define what is daringly contemporary, the author first identifies the major players in the contemporary art market and then analyzes how this market is affected and influenced by the international cultural.

FR :

D’entrée de jeu, l’auteur pose la question « Pourquoi parler de l’artiste et évoquer son statut? ». Il répond en affirmant qu’il n’est pas de sujet plus décisif que celui des symboles et de la réalité. Pourtant, précise-t-il, les sociétés ont tragiquement tendance à nier l’artiste. Cela se fait entre autres à travers le développement des industries culturelles qui revêtent le travail des créateurs d’un label autorisant son exploitation. Dans ce contexte, bien que leur contribution à l’évolution socio-économique et culturelle soit fondamentale, les artistes connaissent des conditions de vie et de travail très précaires. En fait, ils stagnent dans une situation juridique aussi indécente que l’est l’indigence de leurs moyens socio-économiques, ce qui n’est pas sans danger pour la création elle-même. Ces constats amènent l’auteur à s’interroger sur le statut de l’artiste en tenant compte de l’incidence qu’ont sur la condition d’artiste : le contrat pour les prestations artistiques, la rémunération, la fiscalité, les conventions collectives, la circulation des oeuvres et la formation professionnelle.

EN :

The author begins by confronting us with the question "Why, indeed, should we discuss artists and their status?" He answers by ascertaining that there is no subject more decisive than that of symbols and reality. Yet, he remarks that societies have made a habit of tragically ignoring artists. The main cause for this occurrence is the development of cultural industries which promptly label the work of the creators, thus authorizing it's exploitation. Consequently, in spite of the fact that the contribution of these industries to the socio-economic and cultural evolution is indubitably fundamental, the life style and working conditions of artists tend to be very precarious. Indeed, artists are stagnating in a judicial situation which is just as indecent as that of their socio-economic means, hence endangering creation itself. These observations bring the author to question the status of the artist in light of the incidence the following factors have on the artist's condition: the contract stipulating artistic obligations, remuneration, revenues, collective agreements, the circulation of the art works and professional training.

FR :

L’auteure se propose d’identifier les conditions et les contextes qui permettent de parler de carrière artistique. Au départ, elle précise que la notion de carrière renvoie à une standardisation des trajectoires biographiques et des formes de la réussite, ce qui les dépersonnalise et les dé-singularise. Par la suite, elle précise que, contrairement à la réussite professionnelle courante, la réussite artistique moderne exige à la fois une certaine personnalisation des moyens et une certaine dépersonnalisation des fins. Ainsi, la réussite moderne en matière artistique implique non seulement la valeur monétaire et symbolique des oeuvres, mais aussi leur multiplication, ce qui constitue une désacralisation brutale des oeuvres qui répond symétriquement à une sacralisation des créateurs. Aujourd’hui, une carrière artistique réussie passe donc par l’imposition d’un modèle où la personne de l’artiste joue un rôle aussi important que l’oeuvre. L’auteure termine son analyse en montrant à l’aide de trois cas de figure, Duchamp, Dali et Picasso, comment l’anormalité se fait norme dans les cas de réussite. Elle conclut en faisant remarquer que ces trois artistes ont fait exploser la notion de carrière en art parce que leur réussite a ouvert des voies à la fois incontournables et impraticables par d’autres compte tenu du fait que les modèles qu’elles constituent sont inimitables.

EN :

The author attempts to identify the conditions and contexts which make it possible to designate "artistic careers" as such. She begins by observing that the notion of "career" presupposes the standardization of biographical trajectories and forms of success which as a consequence, renders them impersonal and banal. She goes on to specify that, contrary to professional success in other fields, modern artistic success calls for an unusual combination of personal means and impersonal ends: success in the contemporary art world implies not only the monetary and symbolic value of the works but also their multiplication, and this brutal desecration of works of art is in direct correlation to the consecration of their creators. A successful artistic career in today's world requires the production of an image in which the artist's role is as important as that of his work. In concluding her analysis, the author points out that success transforms the abnormal into the norm. Citing Duchamp, Dali and Picasso as inimitable models who blazed trails that others cannot avoid yet cannot follow, she argues that the success of these three artists confutes the very notion of an artistic career.

FR :

Au départ l’auteure souligne que les travaux de la sculpteure qu’elle étudie font partie du courant figuratif ayant contesté, au cours des années soixante, le formalisme en arts visuels. En commentant des oeuvres présentées à l’exposition « People in the Park » l’auteure montre que Claire Hogenkamp a pratiqué une satire marquée, mais indulgente (non culpabilisante) de la féminité et de la masculinité construites essentiellement sur des rapports de séduction hypercodés suggérés par l’imagerie publicitaire et la photographie commerciale. Elle précise que le contenu de ces oeuvres, par leur effet de distanciation du réel, montre l’évidence du règne du faux, particulièrement dans le cas de la féminité construite par les médias commerciaux. Finalement, l’auteure démontre que cette recherche d’Hogenkamp constitue une critique sociale forte des comportements homme-femme stéréotypés, ce qui du coup révèle la fonction idéologique de l’art, c’est-à-dire sa nécessaire portée critique.

EN :

The author begins by situating Claire Hogenkamp's sculptures within the 1969s figurative current which took a stand against formalism in the visual arts. Commenting certain works presented in the exhibition "People in the Park", the author shows how Hogenkamp's work can be defined in terms of a marked, but indulgent — void of any guilt-induced elements — satire of the notions of femininity and masculinity, based essentially on the hypercoded rapports of seduction suggested by both advertising imagery and commercial photography. The author argues that the content of these sculptures — with their effect of distanciation from what is real — bears testimony to the reign of simulacrum, particularly in the case of commercial media-constructed femininity. Finally, the author demonstrates how Hogenkamp's research constitutes a strong social critique of stereotypical male/female behaviour patterns, which in turn, points to the ideological function of art, more precisely to its necessary critical discourse.

FR :

Pour contribuer à l’analyse de la valeur artistique dans le langage de l’interaction, de la convention et de l’information, l’auteur explore les dimensions temporelles de l’évaluation artistique et le mouvement qui va de l’incertitude initiale sur la valeur des oeuvres jusqu’à la stabilisation intertemporelle des estimations. La relation entre la taille d’un marché artistique, la vitesse d’évaluation des créations et l’obsolescence des innovations rythmant le cours de la production est au centre de l’analyse, qui prend appui sur l’exemple de la création musicale savante, et de son opposition avec la création populaire, et montre notamment comment l’institution d’un patrimoine d’oeuvres classiques agit sur l’appréciation des modernes.

EN :

The author approaches the analysis of artistic value through the language of social interaction, conventions and information. He explores the temporal dimensions of artistic evaluation and its progressive changes from initial uncertainty as to a work's value through to the stabilization of estimates. Central to his analysis is the relationship between the size of an art market and the rapidity with which creations are evaluated and the obsolescence of innovations, thus stimulating the production cycle. Using the contrast between erudite musical creations and popular music as an example, the author illustrates how a body of classical works can affect our appreciation of modern creations.

FR :

Au cours des années soixante, la sculpture cinétique a fait porter la réflexion sur les relations entre l’art et la technologie. Dans ce sens la réception immédiate des objets d’art de Serge Cournoyer et du groupe Fusion des Arts, par la critique d’art, est exemplaire du débat ayant animé le milieu artistique montréalais durant cette période. Elle a rendu perceptible l’inadéquation entre l’univers sémantique de ces oeuvres et les critères de définition de l’art de certains critiques d’art adhérant à l’expressionisme ou au formalisme. La reconstitution du contexte de ce débat nous apprend que la remise en question de certaines normes propres au modernisme est le principal effet social de ces oeuvres. En reconsidérant les modes dominants de penser l’art et la culture, elles ont contribué à la réflexion critique du champ culturel concernant les effets du récent développement de la culture de masse sur la vie artistique et intellectuelle.

EN :

During the 1960s, kinetic sculpture prompted reflection on the relationship between art and technology. The immediate reception by art critics of the art objects of Serge Cournoyer and the group called Fusion des Arts provides an example of the debates concerning this issue in the Montreal art world. The critical reception reveals the incommensurability between semantic universe of the works and the criteria for defining art used by some art critics working in the aesthetic tradition of expressionism or formalism. A reconstruction of the context of the debate shows that the principal social effect of these kinetic sculptures was to call into question certain norms etablished by modernism. By provoking a reconsideration of the dominant modes for thinking about art and culture the works contributed to critical reflection in the field of culture concerning the effect of recent developments in mass and popular culture on artistic and intellectual life.

FR :

La réalité à laquelle sont confrontés les artistes fait partie de ces controverses du milieu des arts qui bravent les limites de sa propre sphère pour déborder sur la société en général en captant l’attention du public. Bien qu’ils jouent un rôle central dans le processus de la création artistique, les artistes sont loin d’occuper une position de force dans la mise en scène de cette production. Au contraire, ils sont de simples pions dans le jeu des grandes institutions, des marchands, des critiques et des autres joueurs du milieu des arts auxquels ils sont confrontés. Aux États-Unis en particulier, la plupart des artistes, à l’exception des rares « vedettes », sont à la merci de pouvoirs sur lesquels ils n’ont à peu près pas de contrôle. À la lumière d’une réflexion sur les relations entre les musées américains et les artistes vivants — tant dans l’histoire qu’à l’heure actuelle — l’auteure tente de démontrer que les artistes et les musées, y compris ceux qui se spécialisent en art contemporain, communiquent rarement directement. De façon générale, leurs rapports s’établissent à travers la médiation de collectionneurs et de critiques. Les rapports qu’entretiennent les musées avec les communautés d’artistes sont habituellement tendus. Ces tensions peuvent être décelées à travers les positions que prennent les musées envers les artistes contemporains et leurs oeuvres. Elles permettent de comprendre pourquoi les artistes ne forment que rarement des communautés qui durent et elles soulèvent des questions concernant la possibilité d’un art autonome. Finalement, l’émergence de certains types de communautés d’artistes pourrait conduire à la remise en question des paradigmes actuels de l’art.

EN :

Lost in the art world controversies that reach public attention, is the reality that artists themselves face. Instead of occupying a position of dominance because of their central role in artistic creation, they are pawns in the power plays of institutions, dealers, critics, and other denizens of the art worlds that they face. In the United Stales in particular, except for the rare "stars", most artists are at the mercy of forces over which they have little control. By considering the relationships between art museums and living artists in the United States historically and today, the author shows that artists and art museums—even those specializing in contemporary art works—rarely engage one another directly, but through the mediation of collectors, critics, and other interested parties. The relationship between art museums and artists tends to be tense. These tensions are revealed in the discourses that dominate the diverse postures of art museums toward contemporary artists and their works. They help to explain why artists rarely form communities of any durability, and raise questions as to the possibilities for the autonomy of art. Finally, the emergence of certain kinds of artists' communities may challenge the existing paradigms of art.

FR :

Après avoir rappelé que l’idéologie est un système d’idées qui sert à expliquer la situation de tout groupe social, l’auteur précise que l’idéologie d’artiste s’organise autour d’un noyau dur qui fonctionne comme une équation où les termes [Artiste <=> Génie (talent) <=> Liberté/Autonomie <=> Chef-d’oeuvre <=> Art] s’équivalent et s’impliquent mutuellement. Toutefois, bien qu’elle soit nécessaire à la pratique artistique, cette idéologie aliène l’artiste si elle ne correspond pas à la situation concrète du groupe social constitué par l’ensemble des artistes. C’est aussi elle qui attire les individus vers la pratique des arts et qui articule le processus d’identification et de reconnaissance des sujets à travers lequel l’artiste est produit par les institutions de formation spécialisées en art. Ces précisions concernant l’idéologie d’artiste étant faites, l’auteur montre — à l’aide de données tirées d’une enquête effectuée auprès des responsables des programmes d’enseignement en art d’interprétation — comment cette idéologie oriente la quête du talent. Il conclut que cette idéologie anime, en fait, tout le processus de production de la rareté des "êtres artistes".

EN :

Having restated that an ideology is a system of ideas which justifies the situation of a given social group, the author specifies that the artist's ideology is constructed around a tight core which functions as an equation: the terms [Artist <=> Genius (talent) <=> Liberty/Autonomy <=> Masterpiece <=> Art] mutually imply each other, ergo become equals. However, as essential as this ideology may be to artistic practice, it can at times alienate the artist in a case where it does not correspond to the concrete situation of artists as a social group. It is also this ideology which tends to draw individuals towards artistic practice and which articulates the subject identification and recognition process through which artists are formed while attending institutions specialized in art. Subsequently, aided by data collected from a survey of performing arts teaching programmes, the author shows how this ideology directs and orients talent searching. The author concludes by stating that this ideology is indeed responsible for much, if not all, of the production process of artists as rarities.