FR :

Avec Pelléas et Mélisande de Maurice Maeterlinck, Claude Debussy faisait la rencontre d’une pièce de théâtre qui répondait en de nombreux points à ses attentes telles qu’il les exprimait déjà pendant ses études de composition. Mais, au-delà de son unique drame lyrique achevé, trouver ou concevoir un nouveau livret s’est révélé plus difficile que prévu, au point qu’il existe chez Debussy un « théâtre imaginaire », fait de dizaines de drames musicaux rêvés, mais jamais composés ou jamais terminés. Cet article se propose d’interroger les traces du travail de Debussy librettiste, en se penchant en particulier sur les sources du Diable dans le beffroi et de La chute de la maison Usher d’après Edgar Allan Poe. Cette étude de librettologie s’appuie sur les méthodes de la critique génétique afin de comprendre, à travers les transformations successives des livrets, les besoins spécifiques du compositeur pour concevoir une forme embrassant des questions tant littéraires, que dramatiques et musicales.

EN :

With Maurice Maeterlinck’s Pelléas et Mélisande, Claude Debussy encountered a play that, in many respects, aligned with his expectations as expressed during his composition training. However, beyond his only completed opera, it was finding or conceiving of a new libretto that proved more challenging than anticipated. In fact, Debussy’s creative process included an “imaginary theater”, populated by dozens of musical dramas that existed only in his dreams, never to be fully composed or realized. This article aims to explore the remnants of Debussy’s work as a librettist, with a particular focus on the sources of The Devil in the Belfry and The Fall of the House of Usher, based on Edgar Allan Poe’s works. This study draws upon methods of genetic criticism to unravel, through the successive transformations of the librettos, the specific artistic needs that drove Debussy to shape a form that seamlessly integrated literary, dramatic, and musical elements.

FR :

Pensionnaire à la villa Médicis à Rome entre 1901 et 1904, Florent Schmitt découvre le poème d’Edgar Poe, « Le Palais hanté », qui lui inspire une Étude symphonique d’après des sensations diverses (1904) rebaptisée peu après Étude symphonique pour le Palais hanté puis Étude pour le Palais hanté d’Edgar Poe. Si elle apparait dès le deuxième titre, l’association de l’oeuvre avec celle de l’écrivain américain n’en reste pas moins distancée, comme en témoigne l’« avertissement » que Schmitt écrit en 1905 : sa musique « ne s’attache pas à suivre littéralement le poème », mais veut rendre « comme une impression de la vision fantastique et imprécise que suscite la traduction de [Stéphane] Mallarmé ». Cet article propose de retracer la genèse de cette oeuvre puissamment suggestive et de mettre en évidence les points saillants de sa composition et de sa réception, en lien avec le poème qui l’a inspirée.

EN :

As a resident at the Villa Medici in Rome between 1901 and 1904, Florent Schmitt discovered Edgar Poe’s poem “The Haunted Palace,” which inspired him to write Étude symphonique d’après des sensations diverses (1904), soon renamed Étude symphonique pour le Palais hanté and Étude pour le Palais hanté d’Edgar Poe. Schmitt’s association with the American writer appears in the second title, but remains distant, as evidenced by the “warning” he wrote in 1905: his music “does not attempt to follow the poem literally,” but aims to render “an impression of the fantastic and imprecise vision that [Stéphane] Mallarmé’s translation gives rise to.” This article traces the genesis of this powerfully evocative work, highlighting the salient points of its composition and reception, in relation to the poem that inspired it.

FR :

Le présent article questionne la pertinence de la catégorie esthétique du fantastique pour qualifier la musique instrumentale du début du xx^e siècle, en concentrant ces interrogations sur le répertoire pour harpe, en particulier celui composé par André Caplet (1878-1925) et Henriette Renié (1875-1956). Un nouveau répertoire soliste et de chambre pour la harpe apparaît en France au tournant du siècle, au sein duquel l’inspiration littéraire fantastique occupe une place significative. Les titres affichent clairement le substrat littéraire fantastique ou merveilleux sur lequel ces oeuvres prennent appui : Conte fantastique (1923) de Caplet d’après Le Masque de la mort rouge d’Edgar A. Poe, Légende d’après Les Elfes de Leconte de Lisle (1904), Danse des lutins (1911) et Ballade fantastique (1913) d’après la nouvelle Le Coeur révélateur de Poe. L’article fait l’hypothèse que le fantastique est l’élément déclencheur qui pousse les auteurs de ces oeuvres à faire sonner la harpe d’une manière novatrice, renouvelant ainsi et sous un angle singulier l’écriture traditionnelle de l’instrument. L’étude du caractère fantastique des textes qui les ont inspirées, puis de l’écriture instrumentale propre à ces oeuvres permet de poser la question de l’existence d’un style fantastique purement instrumental.

EN :

This article examines the relevance of the aesthetic category of fantasy to instrumental music of the early 20th century, focusing on harp repertoire, especially that composed by André Caplet (1878–1925) and Henriette Renié (1875–1956). A new solo and chamber repertoire for harp appeared in France at the turn of the century, in which fantasy literary inspiration played a significant role. The titles clearly indicate the fantastical or supernatural literary substratum on which these works are based: Caplet’s Conte fantastique (1923) after Edgar A. Poe’s Le Masque de la mort rouge, Légende after Leconte de Lisle’s Les Elfes (1904), Danse des lutins (1911) and Ballade fantastique (1913) after Poe’s short story Le Coeur révélateur. The article hypothesizes that the fantastical is the impetus that prompts the composers of these works to make innovative sounds with the harp, thus renewing the instrument’s traditional style from a unique angle. The study of the fantastical nature of the texts that inspired them, then of the instrumental writing specific to these works, raises the question of the existence of a fantastical style that is purely instrumental.

FR :

Des Images oubliées aux Reflets dans l’eau, une grande majorité de la musique de Claude Debussy est remplie d’images et de tableaux sonores. L’oeuvre debussyste est d’ailleurs amplement citée comme préexistante dans le cinéma, tout genre confondu, et ce depuis le muet, notamment pour les scènes de plein air, jusqu’à la période contemporaine. Debussy est musicien de la nature, du voyage, d’effets de lumière dans l’eau, voire du monde de l’enfance, mais bon nombre de ses oeuvres (« Nuages », Pelléas et Mélisande, Le Martyre de Saint-Sébastien ou son opéra inachevé La Chute de la maison Usher) sont également autant de manifestations de la mort et de la peur. L’ambition de cet article est de montrer en quoi des compositeurs comme Dimitri Tiomkin, Franz Waxman, Bernard Herrmann, Jerry Goldsmith ou encore Alejandro Amenábar sondent le langage debussyste pour enrichir le paratexte de leurs partitions destinées à des films comportant une dimension fantastique sombre, estompant ainsi la frontière qui existe entre eros et thanatos, ou encore entre le monde des morts et celui des vivants.

EN :

From Images oubliées to Reflets dans l’eau, much of Claude Debussy’s music is filled with images and sound paintings. In fact, Debussy’s body of work is widely cited as a pre-existing element in cinema of all genres, especially for outdoor scenes, from the silent era to the contemporary period. Debussy is a musician of nature, of travel, of light effects in water, even of the world of childhood, but many of his works (“Nuages,” Pelléas et Mélisande, Le Martyre de Saint-Sébastien or his unfinished opera La Chute de la maison Usher) are also manifestations of death and fear. The aim of this article is to show how composers such as Dimitri Tiomkin, Franz Waxman, Bernard Herrmann, Jerry Goldsmith, and Alejandro Amenábar probe Debussy’s language to enrich the paratext of their scores for films with a dark fantasy dimension, blurring the boundary between eros and thanatos, or between the world of the dead and that of the living.

FR :

L’enseignement de la musique requiert de nombreuses compétences. Or, plusieurs enseignant·e·s rapportent des lacunes en formation auditive, ce qui affecte la qualité de leurs interventions en classe. L’objectif de cette étude de cas multiples était de mesurer l’effet d’une formation professionnelle Kodály sur le développement des compétences et stratégies utilisées en solfège. À la suite de la formation, les participantes (N = 7) ont eu des gains significatifs lors des tests de solfège mélodico- rythmiques. De plus, trois profils se sont dessinés en relation avec les stratégies utilisées. Selon leur niveau initial de compétence, les personnes ayant une éducation plus avancée avaient recours à des stratégies comme l’analyse harmonique, alors que celles avec une formation moins élaborée utilisaient la mémorisation des intervalles et celle ayant le moins d’apprentissage formel s’appuyait sur le contour mélodique. Les participantes des trois profils ont évolué de façon distincte, intégrant de nouvelles stratégies selon leurs antécédents musicaux.

EN :

Teaching music requires numerous skills. However, many teachers report shortcomings in their musicianship training, which affects the quality of their interventions in class. The objective of this multiple case study was to measure the effect of Kodály professional training on the development of skills and strategies used in solfege. Following training, the participants (N = 7) had significant gains during melodic-rhythmic solfege tests. In addition, three profiles emerged in terms of the strategies used. Depending on their initial level, participants with more advanced education used strategies such as harmonic analysis and those with less elaborate training relied on note naming and interval memorization, while the person with the least formal learning used melodic contour. The participants of all three profiles developed in distinct ways, integrating new strategies according to their musical backgrounds.

EN :

There are many benefits associated with playing music in later life but few studies have looked at biomarkers of stress and immune response among musicians. A pilot study, undertaken to test a research protocol prior to a larger study, was carried out with eight amateur instrumentalists aged 50+ to investigate variations in stress (cortisol and alpha-amylase) and immune response (secretory immunoglobulin A) under two conditions (Music and Rest). In summary, cortisol levels tend to decline following both conditions, but results were more pronounced for the Rest condition. While sIgA increased in the Rest condition, it showed a larger variability in the Music condition. These results are promising and demonstrate that music can influence some biological markers. This study contributes to raising awareness that music can be a creative strategy to promote healthy aging.

FR :

Il existe de nombreux avantages associés à la pratique de la musique plus tard dans la vie, mais peu d’études se sont penchées sur les biomarqueurs du stress et de la réponse immunitaire chez les musicien·ne·s. Une étude pilote, entreprise pour tester un protocole de recherche avant sa mise en place dans contexte plus large, a été réalisée auprès de huit instrumentistes amateur·rice·s âgé·e·s de 50 ans et plus pour étudier les variations du stress (cortisol et alpha-amylase) et de la réponse immunitaire (immunoglobuline-a sécrétoire, ou IgA) sous deux conditions (Musique et Repos). En résumé, les niveaux de cortisol ont eu tendance à diminuer après les deux conditions, mais le changement était plus marqué pour la condition Repos. Pour l’IgA, les niveaux ont augmenté dans la condition Repos et ont montré une plus grande variabilité dans la condition Musique. Ces résultats sont prometteurs et démontrent que la musique peut exercer une influence sur certains marqueurs biologiques.

EN :

Research suggests that more than 80% of professional musicians will encounter performance-related health conditions that negatively affect their ability to work. Current literature suggests that these conditions are prevalent amongst post-secondary music students. Existing studies examine a small number of post-secondary music schools who have implemented health promotion courses in their curricula and have demonstrated improvements in self-efficacy and perceived knowledge of health promotion strategies. We sought to examine health promotion and health education offerings in Canadian post-secondary music programs. Members of the new Canadian Network for Musicians’ Health and Wellness (cnmhw) were the focus of this study. Members completed a survey and were then interviewed to further discuss their educational offerings. All the post- secondary institutions examined have health education offerings available to students. Four institutions have courses implemented within their curricula; the other institution has a sizeable selection of health-related initiatives available to students.

FR :

La recherche suggère que plus de 80 % des musicien·ne·s professionnel·le·s rencontreront des problèmes de santé liés à la performance qui affecteront négativement leur capacité à travailler. La littérature suggère que ces conditions sont répandues parmi les étudiant·e·s en musique de niveau postsecondaire. Les études existantes examinent un petit nombre d’écoles de musique postsecondaires qui ont mis en place des cours de promotion de la santé dans leurs programmes d’études et qui ont par la suite démontré des améliorations de l’auto-efficacité et de la connaissance perçue des stratégies de promotion de la santé. Nous avons cherché à examiner quelles offres de promotion de la santé ou d’éducation à la santé sont offertes dans les programmes de musique postsecondaires canadiens. Les membres du nouveau Réseau canadien pour la santé et le bien-être des musicien·ne·s (rcsbm) sont au centre de cette étude. Il·elle·s ont répondu à un sondage, puis ont été interviewé·e·s pour discuter plus en détail de leurs offres de formation. Tous les établissements d’enseignement postsecondaire interrogés proposent des cours d’éducation à la santé aux étudiant·e·s. Quatre d’entre eux ont intégré des cours dans le programme d’études ; un autre propose aux étudiant·e·s un large éventail d’initiatives liées à la santé.

FR :

Dans cet entretien, le spécialiste de Claude Debussy Denis Herlin révèle différents aspects de son travail de recherche et d’édition consacré au compositeur français. Il éclaire dans le même temps plusieurs facettes méconnues du parcours et de la personnalité de Debussy, notamment sa grande curiosité de lecteur et son goût pour la littérature fantastique.

EN :

In this interview, Claude Debussy specialist Denis Herlin reveals various aspects of his research and publishing work on the French composer. At the same time, he sheds light on several little-known facets of Debussy’s career and personality, notably his great curiosity as a reader and his taste for fantasy literature.

FR :

Vers la fin du xix^e siècle, l’étude du local, alors appelée « folk-lore », a été définie comme une « science du peuple français » qui permet la fabrication d’une nouvelle facette de l’identité nationale française. Les articles d’Henri Collet, de Mathilde Daubresse, de Marguerite Béclard d’Harcourt et de Luc Marvy donnent un aperçu de la place qu’occupait le folklore dans la presse musicale française de 1912 à 1935. Ils illustrent les différentes façons par lesquelles les musicographes français·e·s ont abordé le folklore après la course à la cueillette des chansons régionales. Loin de présenter un front commun sur son importance, certain·e·s souscrivent à l’idée ruraliste voulant que le folklore soit une musique authentique qui doit être sauvée alors que d’autres voient en lui un potentiel outil autant pour la création musicale que pour la définition d’un certain nationalisme.

EN :

Towards the end of the 19^th Century, the study of the local, then called “folk-lore”, was defined as a “science of the French people” that allowed for the fabrication of a new facet of the French national identity. Articles by Henri Collet, Mathilde Daubresse, Marguerite Béclard d’Harcourt and Luc Marvy give insight into the place occupied by folklore in the French music press from 1912 to 1935. They illustrate the different ways in which French musicographers approached folklore after the race to collect regional songs. Far from presenting a common front regarding its importance, some subscribe to the ruralist idea that folklore is authentic music that must be saved, while others see it as a potential tool for both musical creation and the definition of a certain nationalism.