EN :

This article compares Donald Trump’s and Jair Bolsonaro’s strategies of governance in terms of what we define here as “gore mediation.” Gore mediation is the use of different electronic media in order not only to communicate political positions but also to terrorize people into accepting exclusionary policies and discriminatory practices. The creation of artificial threats and the dismissal of real ones (like the COVID pandemic) characterizes the actions of both Trump and Bolsonaro, whose governments operate fundamentally on symbolic bases, but whose incessant print, televisual, and networked mediations have violent socio-economic consequences.

FR :

Cet article compare les stratégies de gouvernance de Donald Trump et de Jair Bolsonaro en termes de ce que nous définissons ici comme une « médiation gore ». La médiation gore est l’utilisation de différents médias électroniques afin non seulement de communiquer des positions politiques, mais aussi de terroriser les gens pour qu’ils acceptent des politiques d’exclusion et des pratiques discriminatoires. La création de menaces artificielles et le rejet de menaces réelles (comme celle de la pandémie à la COVID-19) caractérisent les actions de Trump et de Bolsonaro à la fois, dont les gouvernements fonctionnent fondamentalement sur des bases symboliques, mais dont les médiations incessantes dans la presse écrite, télévisuelle ainsi que sur les réseaux sociaux ont des conséquences socio-économiques violentes.

FR :

Les années 1990 ont été emblématiques, dans différentes villes du monde, d’un processus d’aggiornamento technologique qui a accompagné le mouvement de mondialisation de la culture. En Amérique latine, ce processus a d’ailleurs été produit par des politiques néolibérales. Cet article évaluera comment la demande de nouvelles formes technologiques et culturelles s’est articulée, dans la ville de Buenos Aires, avec certains discours de résistance au sein de la soi-disant « classe culturelle », dans le cadre d’une ville en cours d’embourgeoisement.

EN :

The 1990s were emblematic, in different global cities, of a process of technological aggiornamento [a bringing up to date] that accompanied the movement of globalization of culture. Moreover, in Latin America this process took place in conjunction with neoliberal policies. This article evaluates how the demand for new technological and cultural forms was articulated in Buenos Aires with discourses of resistance, within the so-called “cultural class,” and in the framework of a city undergoing a process of gentrification.

FR :

La dynamique culturelle de la gouvernementalité algorithmique étend le contrôle sur les oeuvres artistiques et se heurte aux pratiques esthétiques et politiques émergentes telles que le piratage, certaines poésies numériques, l’obscurcissement de la reconnaissance faciale, la désobéissance technologique et la réécriture technologique. L’article analyse cette question à partir de notre concept de désadressabilité et propose une « poétique de la d3$r3f(x) » qui permet d’englober de telles pratiques de résistance et d’invention esthétique et politique.

EN :

The cultural dynamics of algorithmic governmentality extends the control over artworks and clashes with emerging aesthetic and political practices such as digital piracy, forms of digital poetry, facial recognition obfuscation, technological disobedience, and technological rewriting. This article analyses these tensions using our concept of unaddressability and proposes a “poetics of un4dr3$$x” that encompasses an array of practices of aesthetic and political resistance and invention.

EN :

In recent years, transregional feminism has made strong use of social networks in order to organize its demands. This article deals with the role of the transmission of affect in the circulation of the hashtag #WomenStrike and in the way this collective and transregional dialogue found its roots in the history of feminism, particularly in foundational correspondences, performances, and the works of art of its early stages. This circulation constitutes a “counterarchive of affect” whose main consequences are herein discussed.

FR :

Ces dernières années, le féminisme transrégional a fait un usage intensif des réseaux sociaux pour organiser ses revendications. Cet article analyse le rôle joué par la transmission de l’affect dans la circulation du hashtag #WomenStrike et la manière dont ce dialogue collectif et transrégional a trouvé ses racines dans l’histoire du féminisme, notamment dans les échanges fondateurs, les performances et les oeuvres d'art associées à ses débuts. Cette circulation constitue une « contre-archive de l’affect » dont les principales conséquences sont discutées ici.

EN :

In reviewing the theory of the museum, art historian Griselda Pollock proposes a “virtual feminist museum,” a gallery that does not exist but proves formidable indeed. According to Pollock, the institutions where art circulates are governed by patriarchal logics of exhibition and conservation. This article considers the potential contents of a virtual Latin American feminist museum. The widespread Argentinian feminist movement #NiUnaMenos (2015) and the National Campaign for the Right to Safe, Free, and Legal Abortion (since 2005) yielded a vast corpus of images. In an unprecedented way in Argentina, these images extended traditional public spaces (parks, streets, and assembly) by incorporating digital media (especially social networks). In a circular fashion, the images themselves—especially photos—demonstrated enormous power to call on people to rise up and take to the streets. The hypothesis we present here is that the power belonging to these images is associated with a new pathos of female enjoyment (glitter and makeup, nudity and joy) that constitutes a virtual Latin American feminist museum.

FR :

En passant en revue la théorie du musée, l’historienne de l’art Griselda Pollock propose un « musée féministe virtuel », une galerie qui n’existe pas mais qui s’avère redoutable. Selon Pollock, les institutions où circule l’art sont régies par des logiques patriarcales d’exposition et de conservation. Cet article examine le contenu potentiel d’un musée féministe latino-américain virtuel. Le vaste mouvement féministe argentin #NiUnaMenos (2015) et la Campagne nationale pour le droit à l’avortement sûr, gratuit et légal (depuis 2005) ont produit un vaste corpus d’images. De manière inédite en Argentine, ces images ont étendu les espaces publics traditionnels (places, rues et assemblées), incorporant les médias numériques (en particulier les réseaux sociaux). De manière circulaire, les images elles-mêmes, en particulier les photos, ont démontré un pouvoir énorme pour appeler les gens à se lever et à descendre dans la rue. L’hypothèse que nous présentons ici est que le pouvoir appartenant à ces images est associé à un nouveau pathos du plaisir féminin (paillettes et maquillage, nudité et joie) qui constitue un musée féministe latino-américain virtuel.

FR :

Quoique l’image en tant que domaine général soit considérée comme un médium distinct d’autres médiums de représentation — comme la parole et le son — les analyses de l’image ne sont pas toutes pour autant d’ordre médiatique. De nombreuses approches et perspectives parfaitement validées comme formes de connaissance ne prennent d’ailleurs pas en compte la question de l’image en tant que médium. L’approche médiatique constitue, pourtant, une des voies possibles de la connaissance de l’image; même si elle ne résout pas à elle seule les problèmes posés par l’image, cette approche reste indispensable dans une démarche d’interprétation de l’image qui se veut intégrale. Dans cet article, nous proposons un certain nombre de points de vue qui peuvent aider à déterminer les aspects qui mettent en relief la condition médiatique de l’image inscrite, en proposant une définition des dimensions qui permettent de la considérer comme un objet matériel réalisé au moyen de techniques précises, agencé et lié à une historicité culturelle.

EN :

Although the image as a general domain is considered a specific medium among other means of representation—such as words and sounds—not all analyses of the image focus on its mediality. Various approaches and perspectives, validated as forms of knowledge, in fact overlook or disregard the issue of the image as a medium. The medial approach is, however, one of the possible ways to understand the image and the questions that it poses; and even though this approach does not exhaust such questions, it is essential to interpreting images in a comprehensive sense. In this article we propose perspectives that help determine some of the defining aspects of the medial condition of the inscribed image through a definition of the dimensions that allow it to be considered as a material object, made by means of precise techniques, agency, and in relation to cultural historicity.

EN :

This text proposes a reading of Parque das ruínas (Ruins Park, 2018), a poetry book by Marília Garcia, which places words and images in a dialogue in order to question ways of seeing through constant changes of spatial and temporal scales. Mediated by optical devices, it exposes a body of perception as crossed by “practices, techniques, institutions, and procedures of subjectivation” (Crary, 2012). Our aim here is also a re-assembling of the book’s images in their relation to Rio de Janeiro’s history grounded in slavery and their related struggles regarding memory. By referring to the archaeological strata of Rio de Janeiro’s formation, moving through the “ruins” of its modern institutions such as the museum and the university discussed in Garcia’s book, we suggest an underlying sense that ties the poem to the present dynamics of extractive capitalism.

FR :

Ce texte propose une lecture de Parque das ruínas (2018), recueil poétique de Marília Garcia, dans lequel dialoguent entre eux mots et images, questionnant les façons de voir à travers des changements constants d’échelles spatiales et temporelles. Par le biais de dispositifs optiques, est exposé un corps de perception, traversé par « des pratiques, techniques, institutions et procédures de subjectivation » (Crary, 2012). Notre but, ici, est également un réassemblage des images du livre dans leur relation avec l’histoire de Rio de Janeiro, fondée sur l’esclavagisme, et avec les luttes politiques contemporaines autour de la mémoire. En nous référant aux strates archéologiques de la formation de Rio de Janeiro, par un regard sur les ruines de ses institutions modernes telles que le Musée et l’Université, comme mentionné dans le livre de Garcia, nous suggérons un sens sous-jacent dans le poème lié à la dynamique actuelle du capitalisme extractif.

EN :

Brazilian musicians Milton Nascimento and Nivaldo Ornelas began working together in the 1960s in Belo Horizonte. This was a decade of great transformations for global geopolitics as well as Brazilian society, which was undergoing a rapid growth of urban centers coupled with rural outmigration. During this period, two fields of cultural production emerged in popular music that would become paradigmatic for Brazilian music, namely, música popular brasileira, or MPB, and Brazilian Instrumental Music. This article aims to describe the intersections of these two fields of artistic production by examining the contributions of saxophonist Nivaldo Ornelas to the recordings of Nascimento’s song “Hoje É Dia de El Rey,” understood as manifestations of resistance and resilience of subaltern voices as a decolonial alternative to hegemonic projects—whether within aesthetic, political, racial, or economic scenarios.

FR :

Les musiciens brésiliens Milton Nascimento et Nivaldo Ornelas ont commencé à travailler ensemble dans les années 1960 à Belo Horizonte. Ce fut particulièrement une décennie de grandes transformations pour la géopolitique mondiale et la société brésilienne, qui traversait un énorme exode rural avec une forte croissance des centres urbains. Pendant cette période, deux domaines de la production culturelle ont émergé dans l’environnement de la musique populaire, qui seront paradigmatiques pour la musique brésilienne à partir de ce moment, à savoir : MPB et la Musique Instrumentale Brésilienne. Cet article vise à décrire les intersections de ces deux domaines de production à travers la contribution du saxophoniste Nivaldo Ornelas aux enregistrements de la chanson « Hoje É Dia de El Rey », de Nascimento, comprise comme une manifestation de résistance et de résilience des voix subalternes comme une solution de rechange aux projets hégémoniques — que ce soit dans des scénarios esthétiques, politiques, raciaux ou économiques.

EN :

This article proposes an overview of practices in recent Chilean experimental poetry that explore the diverse dimensions and limits of language as a medium, thus bringing into question what Ulm and Martoni have called our “rituals of perception.” These works by Martín Gubbins, Felipe Cussen, and Pía Sommer not only explore the acoustic, visual, performative, material, and intermedial potentialities of language and literature, they also bring them to the point of a crisis—for instance, in producing works that give up verbal language altogether or works that stubbornly resist the transmission of meaning as the main function of verbal language. The article describes some of these practices and proposes an aesthetic and political interpretation of them along the lines advanced by theoreticians such as Hans Ulrich Gumbrecht (production of presence), Jacques Rancière (the distribution of the sensible), Marjorie Perloff (un-creative writing), Maurizio Lazzarato (a-signifying semiotics).

FR :

Le présent article propose un aperçu de certaines pratiques de la poésie expérimentale chilienne récente qui partagent une exploration des diverses dimensions et limites du langage en tant que médium, remettant ainsi en question ce qu’Ulm et Martoni ont appelé nos « rituels de perception ». Ces oeuvres de Martín Gubbins, Felipe Cussen et Pía Sommer explorent non seulement les potentialités acoustiques, visuelles, performatives, matérielles et intermédiales de la langue et de la littérature, mais elles les amènent également au point de crise, par exemple en produisant des oeuvres qui abandonnent le langage verbal dans son ensemble, ou des oeuvres qui résistent obstinément à la transmission du sens comme fonction principale du langage verbal. Cet article décrira certaines de ces pratiques et en proposera une interprétation esthétique et politique selon les lignes avancées par des théoriciens comme Gumbrecht (production de présence), Rancière (distribution du sensible), Perloff (écriture non créative), Lazzarato (sémiotique a-signifiant).

FR :

Cet article analyse les photographies de trois artistes argentines : Lucila Quieto, Gabriela Bettini, Guadalupe Gaona et le dernier long métrage de la cinéaste paraguayenne Paz Encina : Ejercicios de memoria, à partir de la question posée par ce numéro de la revue Intermédialités : Est-il possible de créer des sensibilités contre-hégémoniques à travers le travail de mémoire comme acte politique de résistance ?

EN :

This article analyzes the photographs of three Argentinian artists, Lucila Quieto, Gabriela Bettini, and Guadalupe Gaona, and the latest feature film by Paraguayan filmmaker Paz Encina, Ejercicios de Memoria, in light of the question posed by the present issue of Intermédialités journal: “Is it possible to create counter-hegemonic sensibilities through the work of memory as a political act of resistance?”

EN :

In The Edge of Democracy (2019, Brazil), Petra Costa denounces the weakening of democracy and the rise of neofascism in Brazil—a crisis that is difficult to understand, as it is instigated, in part, by local hegemonic mass media vehicles and sophisticated virtual arsenals on social media. This intermedial analysis will focus on the filmmaker's poetic gesture of transforming drone-captured images into a personal, reflexive, and structural gaze at the power relations that permeate the plot— an act of subversion of this military-originating device, whose growing role as a mechanism of resistance will be explored. The study also points out the film's paradoxical trajectory through hegemonic institutions of the moving image—Netflix (new) and The Oscars (traditional)—which resulted in a counter-hegemonic discourse being brought into the mainstream and therefore functioning as an artifact of resistance within the plurimedial cyberwar of information surrounding the Brazilian political crisis.

FR :

Dans Une démocratie en danger (2019, Brésil), Petra Costa dénonce l'affaiblissement de la démocratie et la montée du néofascisme au Brésil : une crise difficile à comprendre, puisqu'elle est soutenue par des véhicules de médias de masse locaux hégémoniques et des arsenaux virtuels sophistiqués sur les médias sociaux. Cette analyse intermédiale se concentrera sur le geste poétique de la cinéaste qui transforme des images capturées par des drones en un regard personnel, réflexif et structurel sur les relations de pouvoir qui imprègnent l'intrigue  — dans un acte de subversion de ce dispositif d'origine militaire, dont le rôle croissant comme mécanisme de résistance sera présenté. L'étude met également en évidence la trajectoire paradoxale du film à travers des institutions hégémoniques de l'image en mouvement — Netflix (nouvelle) et les Oscars (traditionnelle) — pour amener un discours contre-hégémonique dans le mainstream et donc fonctionner comme un artefact de résistance dans une cyberguerre plurimédiatique de l'information autour de la crise politique brésilienne.

EN :

This article explores Raymond Murray Schafer’s concept of “soundscape,” specifically in its relation and applicability to the discussion of the construction of space in cinema (Prysthon, 2017). We begin by reviewing the concept in Schafer (2001) and consider its pertinence to the study of sound design. Then, we investigate how the relation between soundscapes and sound design presents itself in the works of two successive generations of the Novo Ciclo de Cinema Pernambucano (Nogueira, 2009). Lastly, we point to ways in which those films represent the sounds of Northeastern Brazil, sometimes denying, sometimes identifying with the notion of the “invention of the Northeast,” advanced by Durval Muniz de Albuquerque Jr. (1993).

FR :

Cet article explore le concept de paysage sonore de Raymond Murray Schafer (2001), tout particulièrement dans sa relation et son applicabilité à la discussion engagée par certains auteurs autour de la construction de l’espace au cinéma (Prysthon, 2017). Pour ce faire, nous commençons par passer en revue le concept de paysage sonore dans Schafer (2001), et nous réfléchissons à la pertinence de cette notion pour l’étude du design sonore. Ensuite, nous étudions comment cette relation entre paysage sonore et design sonore se présente dans les deux générations du Novo Ciclo de Cinema Pernambucano (Nogueira, 2009). Enfin, nous essayons de montrer les différentes façons dont ces films représentent les sons du nord-est du Brésil, parfois niant, parfois s’identifiant à la notion d’« invention du nord-est » présentée par Albuquerque Jr. (1993).

FR :

Cet article étudie les liens entre nostalgie et résistance dans le projet transmédia colombien Cuentos de viejos et spécialement la série de documentaires animés, en s’axant sur la notion d’expérience qui est centrale dans la définition de la transmédialité. Mon analyse montre que l’expérience visée par le projet est le résultat d’une remédiatisation de traditions orales préalables (le « conte » et le témoignage) et s’articule à une mémoire résistante, à la fois affective et réflexive.

EN :

This article examines the links between nostalgia and resistance in the transmedia project Cuentos de viejos and especially the series of animated documentary, focusing on the notion of experience, which is central to the very definition of transmediality. My analysis shows that the experience the project aims to produce is a result of the remediation of previous oral traditions (“cuento” and testimony) and is related to a resistant memory, both affective and reflexive.

EN :

The struggles of Indigenous peoples in Brazil accumulate, among many other deficits, the absence in the fields of hegemonic visibility. The case of the Kaiowa and Guarani peoples deserves special attention, not only because it is the second largest Indigenous population in Brazil, but also because it is characterized as one of the most striking cases of necropolitical management by the State and private agents, in which peace takes on the face of an endless war. In the article, I present some of the creative ways of intermedial affirmation of existence developed by the Indigenous people in their struggle to retake their ancestral territory, as well as the attending fight for visibility, with repercussions on the means and meanings of what it is to resist.

FR :

À de nombreux autres désavantages pour les luttes des peuples autochtones au Brésil, s’ajoute leur absence dans les sphères de visibilité hégémonique. Le cas des peuples Kaiowa et Guarani mérite une attention particulière, non seulement parce qu’il s’agit de la deuxième population autochtone en importance au Brésil, mais aussi parce qu’il se caractérise comme l’un des cas les plus frappants de gestion nécropolitique par l’État et les agents privés, dans lequel la paix prend le visage d’une guerre sans fin. Dans cet essai, je présente quelques-unes des formes intermédiales d’affirmation créative de l’existence développées par les peuples autochtones dans leur lutte pour récupérer leur territoire ancestral, ainsi que la lutte pour la visibilité qui en découle, avec des répercussions sur les moyens et les significations de ce qu’est la résistance.

EN :

This article discusses Amazonia—Music Theatre in Three Parts ([AMT] 2010), a collaboration between the Yanomami, Brazilian and German producers as a transcultural form of resistance that touches on issues of transculturation and Indigenous peoples’ culture and portrayal. We argue that AMT claimed legitimation as an opera and publicized the Yanomami’s views about what extractivism is doing to our planet: devastation beyond tipping points. We first discuss how the Yanomami had been portrayed in art before this opera, and then turn to how the operatic form of AMT was perceived by its reviewers; finally, we offer a critique of the reviewers’ arguments against labelling AMT as a transcultural opera, as we believe these arguments are mainly political. This article aims to demonstrate the fluidity of the boundaries between opera and musiktheater, and of what characterizes a transcultural experience.

FR :

Cet essai traite de l’Amazonie — Théâtre musical en trois parties ([AMT] 2010), une collaboration entre producteurs yanomami, brésiliens et allemands, comme une forme de résistance transculturelle afin de discuter de la transculturation et de la culture et de la représentation des peuples indigènes. Nous soutenons que l’AMT a revendiqué sa légitimité en tant qu’opéra et a fait connaître les vues des Yanomami sur ce que la pensée extractiviste fait à notre planète: la dévastation au-delà des points de basculement. Tout d’abord, nous discutons de la manière dont les Yanomami ont été représentés dans l’art avant cet opéra; ensuite, nous discutons de la manière dont sa forme opératique a été perçue par ses critiques; enfin, nous discutons des arguments utilisés contre l’étiquetage de l’AMT comme un opéra transculturel pour des raisons que nous croyons être principalement politiques. Dans cet article, nous démontrons la fluidité des frontières entre l’opéra et le musiktheater ainsi que de ce qui caractérise une expérience transculturelle.

FR :

Les oeuvres de Caetano Veloso et Chico Buarque — chansons, romans tout aussi bien que leurs « discours » — sont traités ici en fonction du rapport entre art et histoire, notamment lorsqu’il devient évident que l’espace de l’écriture et de la création artistique semble être un lieu de conflit, et en même temps un lieu de traduction entre le sujet et la vie sociale / politique. Malgré leurs différences et les métamorphoses qu’elles subissent, ces oeuvres développent différentes formes de résistance (à la dictature militaire de 1964–1985 aussi bien qu’au néolibéralisme) par le fait qu’elles articulent le temps historique en tant qu’image résistante (narrative ou lyrique).

EN :

The works of Caetano Veloso and Chico Buarque—songs, novels as well as the discourses that these texts engender—are studied here in view of the relationship between art and history, especially when the space of writing and artistic creation comes to be perceived as a space of conflict and, at the same time, a space of translation between the subject and social/political life. Despite their differences and the metamorphoses they undergo, these texts develop different forms of resistance (both to the 1964–1985 military dictatorship in Brazil and to neoliberalism) evident in the way they articulate historical time as an image of resistance (narrative or lyrical).

EN :

Scholars and publics associate the term “liveness” with broadcasts of stage productions—but what does liveness refer to? This essay evaluates some of the protean forms the notion of liveness has so far assumed and proposes to underscore the motivated role of the broadcasts’ directors. Liveness emerges as an artifact of mediatization that encompasses more than an illusion of immediacy, a live-like feeling, or capitalizes on spectators’ habitus to lure them to screening venues. Liveness is in itself a performance that confirms the unique aesthetic of filmed theatrical productions designed to enhance and prioritize their viewers’ perspective.

FR :

Bien que les universitaires et le public associent le terme « liveness » aux diffusions de performances sur scène, à quoi fait-il référence ? Cet essai évalue certaines des formes que la notion de « liveness » a jusqu'à présent endossées et propose de considérer le rôle des réalisateurs dans la création de ces diffusions. Le concept de « liveness » émerge alors comme le produit d’une médiatisation qui excède l’illusion d’immédiateté, une impression de direct, ou qui exploiterait l’habitus des spectateurs pour les attirer dans les cinémas. Le concept de « liveness » devient en soi une performance conçue pour mettre en lumière l’unique esthétique de ces films et privilégier la perspective de leurs spectateurs.