EN:

During the 19th and early 20th centuries, before Canada had developed its own indigenous theatrical tradition, a substantial number of Canadian-born or -raised performers enriched the theatres of the United States and England: most of these were women. This article focuses on those female performers born during the 19 th century who pursued successful careers in the United States. One purpose of the article is simply to call the roll of names that have never been gathered together before. Among its other aims is a consideration of these expatriate performers' attitudes toward Canada, and Canada's toward them.

FR:

Durant le 19ième siècles et le début du 20ième siecles, avant que le Canada ait développé sa tradition indigène théâtrale, un nombre important d'artistes Canadiens - nés ou élevés - avaient enrichie les théâtres des Etats Unis et ceux de l'Angleterre: la plupart des ces artistes étaient des femmes. Cet article est concentré sur ces femmes artistes nées durant le 19ième siècle qui ont poursuivie avec succès des carrières théâtrales aux Etats Unis. Un but de cet article est tout simplement de faire l'appel des noms qui auparavant ne furent jamais assemblés. Entre autre, le but de cet article est de bien considérer l'attitude de ces artistes expatriées envers le Canada, et celle du Canada envers elles.

EN:

This essay uses theories of narrative to examine how Susan Glaspell's Trifles and Sharon Pollock's Blood Relations reflect and resist the ability of narratives to construct identities, create moral meanings, and impose truths. It also explores the dramatisation of experiential knowledge as a means of building communities. Blood Relations' meta-theatrical self-consciousness, resistance to moral meaning through a refusal of narrative closure, and ambivalence towards the representative nature of personal experiences, in contrast to Trifles' naturalism, narrative conclusion, and confidence in the assumption of shared women's experiences reflect changes in feminisms, theoretical understandings of experiential knowledge, and strategies for the stage representation of women.

FR:

L'essai fait appel aux théories de la narration pour examiner comment Trifles (Susan Glaspell) et Blood Relations (Sharon Pollock) correspondent aux capacités de la narration et y résistent à la fois en vue de construire des identités, créer des sens moraux et imposer des vérités. Il examine également la dramatisation de la connaissance expérientielle comme moyen de construction des communautés. La conscience de soi méta théâtrale faisant partie de Blood Relations, la résistance à la signification morale par le refus d'une fermeture sur le plan narratif et l'ambivalence à l'égard de l'aspect représentatif des expériences personnelles contrastent avec le naturalisme que propose Trifles, sa conclusion narrative et la confiance en la supposition voulant que les expériences partagées par les femmes correspondent aux changements du féminisme, aux compréhensions théoriques de la connaissance expérientielle et aux stratégies de représentation sur scène de la femme.

EN:

Although most Canadians have heard of Meet the Navy and The Army Show and the entertainment they provided during World War II, few are aware that numerous civilian concert parties operated at the same time. This article describes one such company providing diversion for the Canadian troops, and traces the growth and history of the Halifax Concert Party.

FR:

Bien que la plupart des Canadiens a entendu parler de Meet the Army et The Army Show et des divertissements qu'ils aient fourni pendant la Deuxième Guerre Mondiale, peu d'entre eux sont conscients des soirées de concert civiles nombreuses qui étaient opéré en même temps. Cet article décrit une telle compagnie qui a amusé les troupes canadiennes, et esquisse de plus la croissance et l'histoire du Halifax Concert Party.

EN:

This article describes an initial investigation into the influence of modern acting theory on the ideas and practices of contemporary performance teachers in Toronto, Canada. The study consisted of both a mail-out survey and an in-depth examination of the theory and practice of six influential Toronto acting teachers working in a private studio/conservatory context. While the paper reveals that performance teachers in this Canadian city utilize ideas and practices of such modern theorist/practitioners as Spolin, Brook, Brecht, Chaikin, Grotowski and Artaud in the classroom, the main focus is on the particular evolution in Toronto of Stanislavski-based approaches to actor training.

FR:

Cet article décrit une première recherche sur l'influence de la théorie de l'art dramatique moderne sur les idées et les pratiques suivies par des professeurs d'art dramatique contemporains à Toronto, Canada. Cette étude a consisté non seulement d'un sondage par le courrier mais aussi d'un examen détaillé de la théorie et de la pratique de six professeurs d'art dramatique éminents de Toronto travaillant dans le contexte d'un studio ou conservatoire privé. Tandis que cette communication indique que les professeurs d'art dramatique dans cette ville canadienne utilisent les idées et les pratiques de tels théoriciens et praticiens modernes comme Spolin, Brook, Brecht, Chaikin, Grotowski et Artaud dans la salle de classe, le souci principal de l'auteur est de décrire l'évolution particulière à Toronto des approches de Stanislavski à la formation de l'acteur.

EN:

The article analyses the interpretations of Beckett's Waiting for Godot through the work of two Québécois artists: André Brassard's mises en scène and Dominic Champagne's play La Répétition, inspired by Godot. Against the universalism of Beckett's oeuvre, Brassard and Champagne have manipulated the play to demonstrate the specificities of their culture. While Brassard's latest mise en scène returns to the Québécois theatrical traditions of vaudeville, Champagne's original play is the result of a linguistic and cultural exploration of Québec.

FR:

L'article analyse les interprétations de deux artistes québécois de la pièce En Attendant Godot de Beckett. L'étude vise plus particulièrement les deux mises en scène d'André Brassard et une création originale de Dominic Champagne, La Répétition, qui s'inspire de la pièce de Beckett. A priori, l'universalisme beckettien attire les artistes, mais leur Godot devient rapidement un forum sur la spécificité québécoise. Alors que la dernière mise en scène de Brassard retourne aux traditions théâtrales québécoises du vaudeville, la pièce de Champagne résulte d'une exploration linguistique et culturelle du Québec.

EN:

The theatrical event is generally articulated through five fundamental entities: playwright-director-designer-actor-audience. Each one represents a "text" which can be at once interpreter and interpreted, and thus implying the risk of proliferating an infinity of "readings." Is there a limit to these reciprocal readings? In order to help the process of interpretation, there exist different approaches to theatrical analyses which, nevertheless, are focused on specific parts of the performance. On the contrary, in the theatrical event the entire cultural universe of each one is called upon to participate. In this view, hermeneutics, as a means of encompassing subjective contexts, is a practical as well as a theoretical tool. This article tries to illuminate the issues which characterize theatrical hermeneutics through quotations by Umberto Eco, Hans-Georg Gadamer and Gianni Vattimo, but especially through a detailed critical analysis of the book Understanding theatre: Performance Analysis in Theory and Practice by Willmar Sauter and Jacqueline Martin. According to these Swedish theoreticians, the hermeneutic proposition creates bridges between interpretation and understanding. As a parameter to facilitate the reading of a performance, hermeneutics allows us to grasp theatre art in its totality by giving limits to its interpretation.

FR:

L'événement théâtral s'articule généralement autour de cinq entités fondamentales: auteur-metteur en scène-concepteur-acteur-public. Chacun représente un "texte" qui peut être à la fois interprétant et interprété, comportant ainsi le risque d'une prolifération de "lectures" à l'infini. Quelle est la limite de toutes ces lectures réciproques? Pour faciliter le processus d'interprétation il existe diverses disciplines d'analyse théâtrale. Pourtant, elles se concentrent sur des éléments singuliers, alors que dans l'événement théâtral tout l'univers culturel de chacun est appelé à y participer. Par contre, l'herméneutique, en tant que moyen d'englober les contextes subjectifs, peut aider autant la pratique que la théorie. Cet article essaie de mettre en lumière les enjeux qui caractérisent l'herméneutique théâtrale, en citant Umberto Eco, Hans-George Gadamer et Gianni Vattimo mais, surtout, en présentant une analyse critique détaillée du livre Understanding theatre: Performance Analysis in Theory and Practice écrit par Willmar Sauter et Jacqueline Martin. Selon ces théoriciens suédois, la proposition herméneutique crée des ponts entre l'interprétation et la compréhension. Paramètre de la lecture du spectaculaire, l'herméneutique permet de faciliter la saisie de l'art théâtral dans sa totalité en donnant des limites à son interprétation.