FR:

Le terme Ridicule Politique désigne une mutation de la culture politique à grande échelle. L’hypothèse de cet article est que cette mutation se situe à un niveau esthétique fondamental pour la politique. Le tragique comme fondement de la politique a été remplacé par le comique. Une autre hypothèse est que le passage au fascisme aujourd’hui se fait par l’utilisation méthodologique du ridicule politique transformé en capital surtout dans des processus électoraux marqués par le populisme. L’article propose donc d’introduire le concept de ridicule par le biais d’une analyse du risible en tant que forme psycho-politique de contrôle et de catharsis sociale.

EN:

The term Political Ridiculous refers to a large-scale change in political culture. The hypothesis of this article is that this mutation is at a fundamental aesthetic level for politics. The tragical as the foundation of politics has been replaced by the comical. Another hypothesis is that the transition to contemporary fascism is made through the methodological use of the political ridiculous transformed into capital, especially in electoral processes shaped by populism. The article therefore proposes to introduce the concept of ridicule through an analysis of the laughable as a psycho-political form of control and social catharsis.

FR:

Il n’y a pas de néolibéralisme classique, il n’y a que l’ancien et le nouveau néolibéralisme. Quelles sont les nouvelles formes du néolibéralisme ? En particulier, quelles sont les différences entre nationalistes et globalistes ? Telles sont les principales questions abordées dans cette contribution.

FR:

Les données ouvertes liées peuvent produire un environnement scientifique plus interconnecté et plus navigable qui permet : une meilleure intégration des matériaux de recherche ; la possibilité d’aborder les spécificités de la nomenclature, des discours et des méthodologies ; et la capacité de respecter les investissements institutionnels et individuels. Cet article propose une écologie de la publication des données liées basée sur la mise en place de collaborations entre les communautés des chercheurs, des éditeurs et des bibliothèques. Cette vision est tempérée par l’état des pratiques de publication des données liées et les lacunes infrastructurelles en ce qui concerne la possibilité de telles collaborations, en particulier dans le domaine des sciences humaines et sociales. Addendum : Cet article a été publié à l’origine dans Scholarly and Research Communication en 2015. Bien que certaines des informations ne soient plus aussi pertinentes, l’article présente une problématique qui a depuis été abordée par un certain nombre d’initiatives, notamment les projects Linked Infrastrucutre for Networked Cultural Scholarship (LINCS), Revue 2.0, et Information Economy Meta-Language (IEML).

EN:

Linked open data can produce a more interconnected and navigable scientific environment that enables: better integration of research materials; the ability to address the specifics of nomenclature, discourse, and methodologies; and the ability to respect institutional and individual investments. This paper proposes an ecology of linked data publication based on the establishment of collaborations between the communities of researchers, publishers, and libraries. This view is tempered by the state of practice in publishing linked data and infrastructural gaps in the potential for such collaborations, particularly in the humanities and social sciences. Addendum: This article was originally published in Scholarly and Research Communication in 2015. While some of the information therein may not be as pertinent today, it presents a challenge that has since been undertaken by a number of initiatives, most notably the Linked Infrastructure for Networked Cultural Scholarship (LINCS) project, Revue 2.0, and the Information Economy Meta-Language (IEML).

FR:

À partir d’études récentes sur les indications scéniques, ainsi que d’une analyse de leur traitement dans les publications numériques de textes de théâtre, cet article propose un schéma d’annotation portant à la fois sur les didascalies explicites et les didascalies implicites. Le cadre de travail envisagé est celui des éditions électroniques en XML/TEI, permettant à la fois une lecture « de près » et « de loin » de différents aspects de la fonction de régie.

EN:

Following the recent interest for the theatrical paratext, this paper elaborates and discusses an annotation schema of both “external” and “internal” stage directions. XML/TEI compatible, the proposed schema criticizes the lack of systematicity in the actual practices of marking up stage directions, and suggests various “close” and “distant readings” that a more complete and scholarly informed annotation could stimulate.

FR:

Les perspectives critiques du « queering » proposent d’étudier à la lumière des théories des gender studies des œuvres littéraires qui ne semblent pas s’y prêter à priori. Il s’agira dans cet article à vocation théorique d’esquisser une « politique de la lecture » (Hamel) qui ne limite ni les interprétations qu’il est possible de tirer d’un texte, ni les textes auxquels il est possible de faire « le coup du genre » (Mavrikakis). En somme, je propose que la théorie queer possède une affinité avec les théories de la lecture et de la réception (Lambert et Lapointe). En m’inspirant à la fois des théories queer, de la déconstruction et des théories de la lecture, je proposerai de « versatiliser le genre » (Michaud) en pensant au-delà de l’opposition masculin/féminin (ce que les textes littéraires font eux-mêmes très souvent). Le corpus de cet article est composé de travaux sur le « queering », une approche critique méconnue dans la francophonie visant à « rendre queer » certains textes. Je montrerai, à partir de ces travaux, qu’une attention portée au genre et à la différence sexuelle telle qu’ils sont construits par les œuvres m’amène à considérer autrement les rapports entre politique et littérature. Je propose, à titre d’exemple, une « lecture actualisante » (Citton) du roman Satan Belhumeur, publié en 1981 par Victor-Lévy Beaulieu. La lecture attentive à la construction du genre dans la fiction permet une interprétation inédite de la dimension politique de l’œuvre, permettant d’avancer que la scène finale du roman vise à « démissionner de la nation et du genre » (Preciado).

EN:

The Queering critical perspectives propose to study, in the light of the gender studies, literary works which do not seem to lend themselves to it a priori. In this theoretical article, it will be a question of sketching out a “reading politic” (Hamel) which limits neither the interpretations that can be drawn from a text, nor the texts that can be the object of this interpretation. In short, I propose that queer theory has an affinity with the reader-response theories (Lambert and Lapointe). Inspired by queer studies, deconstruction and the reader-response approach, I will propose to “versatilize the gender” (Michaud) by thinking beyond the masculine / feminine opposition (which literary texts do themselves very often). The corpus of this article is composed of works about "queering", a critical approach less known in the French-speaking world, that aim to "queer" certain texts. I will show that an attention paid to gender and sexual difference as constructed by the texts leads me to consider the relationship between politics and literature in a different way. I propose, as an example, an "actualizing reading" (Citton) of the novel Satan Belhumeur, published in 1981 by Victor-Lévy Beaulieu. Careful reading of the construction of gender in this novel allows for an unprecedented interpretation of the political dimension of the work, making it possible to argue that the final scene of the novel aims to "resign from nation and gender" (Preciado).

FR:

L’article présente une rétrospective de la poésie haïtienne, depuis ses origines (areytos précolombiens et poésie populaire créole) jusqu’à nos jours. Après un bref rappel de l’histoire du pays qui a fortement marqué littérature et poésie, les principaux mouvements qui se sont succédé jusqu’à la fin du XXe siècle sont décrits, des « pionniers » ou « pseudo-classiques » jusqu’au surpluréalisme ». Compte tenu de l’impact considérable de l’exil (lié à la situation politique, économique et sociale) sur les arts haïtiens et la poésie en particulier, une place à part a été réservée, dans la poésie de la fin du XXe et du début du XXIe siècle, à la poésie de la diaspora, ainsi qu’à celle des poètes « errants », des poètes retournés après l’exil au pays natal, et des poètes « de l’intérieur ». Les principaux auteurs sont présentés, leurs principales œuvres publiées sont indiquées et commentées, éventuellement accompagnées de brefs extraits.

EN:

The article presents a retrospective of Haitian poetry, from its origins (pre-Columbian areytos and popular creole poetry) to the present day. After a brief reminder of the history of the country, which has strongly marked literature and poetry, the main successive movements until the end of the XXth century are described, from the "pioneers" or "pseudo-classics" to the “surplurealism”. Considering the significant impact of exile (linked to the political, economic and social situation) on Haitian arts and poetry in particular, a special place was reserved in the poetry of the late XXth and early XXI^st^ century, to the poetry of the diaspora, as well as that of "wandering" poets, poets who returned after the exile to their native country, and poets "from the inside". The main authors are presented and their main published works indicated and commented, sometimes accompanied by brief extracts.

FR:

La vie et l'œuvre de R. Barthes sont marquées par de nombreuses ambiguïtés, existentielles et rhétoriques. Orphelin pauvre d'un père tué pendant la guerre de 1914 lorsque son fils venait de naître, il vécut attaché à sa mère veuve, unique compagne de sa vie. Sémiologue plus par destin que par choix (tuberculeux depuis sa jeunesse, il ne put accomplir un parcours académique régulier comme Sartre, son mentor), il s'intéressa à l'exploration et à la définition d'un nouveau type de texte (Théorie du texte). Le roman et le romanesque occupent une bonne place dans ses recherches. Il passe d'une critique sans concessions du roman comme genre narratif périmé (Le Degré Zéro de l'écriture, 1953) à un « désir de roman » vers la fin de sa vie (« La Préparation du roman », séminaire au Collège de France, 1978-1980). Le présent article essaie d'éclairer cette dérive rhétorique et apporte quelques éléments pour établir une Théorie de l’Intertexte, genre littéraire post-romanesque.

EN:

The life and work of R. Barthes are marked by many ambiguities, existential and rhetoric. Poor orphan of a father killed during the 1914 war when his son was just born, he lived attached to his widowed mother. A semiologist more by fate than by choice (tuberculosis since his youth, he could not accomplish a regular academic career like Sartre, his mentor), he was interested in the exploration and definition of a new type of text (Théorie du Text). The novel occupies a good place in his research. He went from an uncompromising criticism of the novel as an outdated narrative genre (Le Degré Zéro de l'écriture,1953) to a "desire for a novel" towards the end of his life ("La Préparation du roman", seminar at the College de France, 1978-1980). This article tries to shed light on this rhetorical drift and provides some elements for establishing a Theory of Intertext, a post-novel literary genre.

FR:

L’année 2020 a été une année au cours de laquelle la démocratie a été sérieusement malmenée en Afrique de l’Ouest. La région est aujourd’hui le théâtre de plusieurs violations des principes démocratiques caractérisés par le retour à la « démocrature » élective et aux systèmes autocratiques. Les changements constitutionnels, arrestations d’opposants, violences politiques et communautaires, coups d’État, crises sociales et sécuritaires ont étouffé le processus démocratique qui était en cours depuis des décennies. Peut-on alors parler d’une démocratie complètement vidée de sa substance dans cette région ? Le maintien au pouvoir serait-il la cause et la conséquence de l’autoritarisme des dirigeants ? Cet article retrace les chemins ambigus de la démocratie ouest-africaine entre dérives autoritaires et progrès démocratiques. Il s’appuie sur des éléments empiriques, d’observation, d’analyse documentaire et établit une comparaison spatio-temporelle entre la Côte d’Ivoire, la Guinée et le Mali.

EN:

The year 2020 has been a year in which democracy seriously got a rough ride in West Africa. The region is now the scene of several violations of democratic principles characterized by the return to elective « democratorship » and autocratic systems. Constitutional changes, arrests of opponents, political and community violence, military coups, social and security crises have stifled the democratic process which had been in process for decades. Can we then speak of a democracy completely emptied of its substance in this region? Is the maintaining power of leaders the cause and the consequence of the authoritarianism? This article traces the ambiguous paths of West African democracy between authoritarian drifts and democratic progress. It’s based on empirical elements, observation, documentary analysis and establishes a space-time comparison between Ivory Coast, Guinea and Mali.

FR:

Depuis les années 1990, le dépôt numérique est devenu l'une des formes médiatiques les plus importantes pour la publication, la dissémination et l'entreposage d'oeuvres littéraires. En incorporant les qualités d'autres plateformes déjà vitales pour les communautés littéraires et artistiques alternatives telles que la revue à faible tirage, l'anthologie et la série de lectures, le dépôt numérique appelle une redéfinition de ce qu'est une oeuvre littéraire, tout en éclairant certains termes critiques d'usage en poétique. Cet article consiste en une analyse des infrastructures culturelles et techniques de trois dépôts numériques d'importance pour la poésie ayant surgi au tout début de l'histoire du Web : l'Electronic Poetry Center, UbuWeb, et PennSound. J'effectue ici un survol médiatico-historique des textes et contextes qui ont défini ces dépôts, avec une attention particulière aux matériels et aux protocoles qui ont servi à leur instanciation. En traitant ces dépôts à la lumière de trois critères particuliers, soit l'accès, la circulation et le format, cet essai fonde une méthodologie critique visant une production littéraire dans le contexte des milieux numériques réseautés.

EN:

Since the mid-1990s, the digital repository has become one of the most important medial forms for the publication, distribution, and storage of literary works. Incorporating characteristics of other vital platforms for alternative literary and artistic communities, such as the little magazine, the anthology, and the reading series, the digital repository has impacted the status of what a literary work is, and casts in a new light certain critical terms for poetics. This article focuses on the cultural-technical infrastructures of three prominent repositories related to poetry on the early Web -- the Electronic Poetry Center, UbuWeb, and PennSound. It presents a media-historical overview of each repository’s texts and contexts, with special attention to the materials and protocols involved in their production. By approaching the repositories through the lens of three unique emphases -- access, circulation, and format -- this essay develops a critical methodology for addressing literary production in a networked digital culture.

FR:

La vie et l'œuvre de R. Barthes sont marquées par de nombreuses ambiguïtés, existentielles et rhétoriques. Orphelin pauvre d'un père tué pendant la guerre de 1914 lorsque son fils venait de naître, il vécut attaché à sa mère veuve, unique compagne de sa vie. Sémiologue plus par destin que par choix (tuberculeux depuis sa jeunesse, il ne put accomplir un parcours académique régulier comme Sartre, son mentor), il s'intéressa à l'exploration et à la définition d'un nouveau type de texte (Théorie du texte). Le roman et le romanesque occupent une bonne place dans ses recherches. Il passe d'une critique sans concessions du roman comme genre narratif périmé (Le Degré Zéro de l'écriture, 1953) à un « désir de roman » vers la fin de sa vie (La Préparation du roman, séminaire au Collège de France, 1978-1980). Le présent article essaie d'éclairer cette dérive rhétorique et apporte quelques éléments pour établir une Théorie de l’Intertexte, genre littéraire post-romanesque.

EN:

The life and work of R. Barthes are marked by many ambiguities, existential and rhetoric. Poor orphan of a father killed during the 1914 war when his son was just born, he lived attached to his widowed mother. A semiologist more by fate than by choice (tuberculosis since his youth, he could not accomplish a regular academic career like Sartre, his mentor), he was interested in the exploration and definition of a new type of text (Théorie du Texte). The novel occupies a good place in his research. He went from an uncompromising criticism of the novel as an outdated narrative genre (Le Degré Zéro de l'écriture, 1953) to a “desire for a novel” towards the end of his life (“La Préparation du roman”, seminar at the College de France, 1978-1980). This article tries to shed light on this rhetorical drift and provides some elements for establishing a Theory of Intertext, a post-novel literary genre.

FR:

Ce compte-rendu, rédigé par trois étudiantes en master de publication numérique à l'ENSSIB (Lyon), offre un aperçu de la conférence Libre accès, économie sociale et solidaire, éditorialisation – les nouveaux visages de l'édition savante, qui s’est tenue le 4 novembre 2020 dans le cadre des Entretiens Jacques Cartier – réunion annuelle d’acteurs économiques, institutionnels et académiques de la région Auvergne-Rhône-Alpes, du Québec et d’Ottawa pour parler d'innovations. Ce webinaire donne la parole à cinq intervenants représentant diverses structures du domaine de l'édition savante en sciences humaines et sociales, symbole de la bibliodiversité existant actuellement dans ce secteur. Les intervenants exposent les innovations et expérimentations qu’ils mènent actuellement, à la fois sur le plan économique, avec des ambitions éthiques qui les engagent à devenir des membres actifs du mouvement du libre accès ou de l’économie sociale et solidaire, comme sur le plan éditorial, en adoptant de nouvelles pratiques et de nouveaux outils.

EN:

This report, written by three students in digital publication master’s in ENSSIB (Lyon), offers a glimpse of the conference Open Access, social and solidarity economy, editorial choices – new faces of scientific publishing which took place on November 4th, 2020, as part of the Jacques Cartier Interviews – an annual meeting of economic, institutional and academic actors from the Auvergne-Rhône-Alpes region (France), from Quebec and from Ottawa, to talk about innovation. This webinar gave the floor to five speakers representing various structures in the field of scientific publishing in humanities and social sciences, showing the bibliodiversity currently existing in this sector. The speakers presented the innovation and experiments that they are currently carrying out, both economically, with ethical ambitions that commit them to becoming active members of the Open Access movement or of social and solidarity economy, as on the editorial plan, by adopting new practices and new tools.

FR:

Alors que les décès dus au Covid augmentent, le président semble précipiter le pays dans un abîme sans issue. Le vaste remaniement ministériel auquel il vient de procéder, suivi de la démission des chefs d’état-major des armées, de la marine et de l’aviation ouvre une période d’instabilité dangereuse au pire moment de la pandémie due au Covid-19. Celso Amorim, ancien ministre des affaires étrangères (1993-1994 et 2003-2010) et de la défense (2011-2014) des gouvernements Lula et Dilma éclaire cette situation instable. Traduit par Gérard Wormser depuis son texte original anglais Amid Brazil's tragedy, our hope is the prospect of Bolsonaro's defeat next year cet article inaugure la chronique que son auteur accepte de nous donner.

EN:

As Covid deaths climb the president seems to be throwing the country into an abyss that will be difficult to escape from. His recent extensive cabinet reshuffle, followed by the resignation of the chiefs of staff of the army, navy and air force, opens a period of dangerous instability at the worst moment of the Covid-19 pandemic. Celso Amorim, former Minister of Foreign Affairs (1993-1994 and 2003-2010) and Defense (2011-2014) of the Lula and Dilma governments, sheds light on this unstable situation. Translated by Gérard Wormser from Amorim's original English text Amid Brazil's tragedy, our hope is the prospect of Bolsonaro's defeat next year, this article inaugurates the chronicle that its author agrees to provide.

FR:

Au lendemain d’un massacre perpétré par la police dans une favela de Rio, Roberto Ponciano montre comment la brutalisation du Brésil contemporain tient à l’intensification de la mainmise territoriale des milices qui ont succédé aux escadrons de la mort de la période de dictature (1964-1985). A l’origine de cette violence, la répression continue des populations noires brésiliennes depuis leur ghettoisation une fois celles-ci expulsées des plantations lors de l’abolition de l’esclavage (1888) – de là la comparaison entre Jacarezinho et une senzala. Mais jamais encore la République du Brésil n’avait été présidée par un proche des milices de Rio, en campagne pour sa réelection.

FR:

Calamiteuse dans son ensemble, la gestion du gouvernement Bolsonaro s'est révélée tout particulièrement catastrophique pour le monde de la culture, de l'enseignement supérieur et de la recherche. Si la crise sanitaire n'a rien arrangé, il est clair que ces domaines, considérés comme des repaires du « marxisme culturel », ont été d'emblée et pour des raisons purement idéologiques, la cible privilégiée des nouveaux responsables. Un peu plus de deux ans après l'accession de Bolsonaro à la présidence, la création artistique, le monde académique, la recherche scientifique ne sont plus qu'un champ de ruines. Devant cet effroyable gâchis, artistes, universitaires, chercheurs partagent tous le même sentiment de honte et de colère. Trouveront-ils dans ce puissant ressort la force de résister et de se relever ? En dépit d'un indéniable découragement, certains signes le laissent espérer.

EN:

The management of the Bolsonaro government has been particularly catastrophic for the world of culture, higher education and research. If the health crisis has not helped, it is clear that these areas, considered as havens of "cultural Marxism", have been from the outset and for purely ideological reasons, the privileged target of the new leaders. A little more than two years after Bolsonaro's accession to the presidency, the world of art, academia, and scientific research is nothing but a field of ruins. Faced with this appalling mess, artists, academics and researchers all share the same feeling of shame and anger. Will they find in this powerful spring the strength to resist and rise again ? In spite of an undeniable discouragement, some signs let us hope so.

FR:

Dans ce nouvel ouvrage, Pierre Rosanvallon se propose de prendre le populisme au sérieux et pour ce qu’il est : « l’idéologie ascendante du XXIe siècle ». Le livre se divise en trois parties. La première présente les cinq caractéristiques consubstantielles du populisme. La seconde en étaye la sociogenèse. La dernière, enfin, en dresse la critique constructive. L’auteur met en lumière les apories théoriques et dénonce surtout les risques empiriques que ce phénomène fait peser sur nos systèmes démocratiques.

EN:

In this new book, Pierre Rosanvallon suggests to take populism seriously and for what it is: "the ascending ideology of the 21st century". The book is divided into three parts. The first presents the five consubstantial characteristics of populism. The second explores its sociogenesis. The last, finally, draws up a constructive criticism of it, by denouncing its theoretical aporias and especially the empirical risks that this phenomenon poses for our democratic systems.

FR:

Réflexions sur le Retour à Jean-Paul Sartre (Ritorno a Jean-Paul Sartre) de Massimo Recalcati. Ce livre propose une lecture du philosophe liée à la psychanalyse et en particulier à celle de Lacan. Symbole de l'« engagement », l'auteur de La Nausée explique que nous n'avons pas à nous engager, puisque le faisons déjà. La passivité devient un choix d'inertie. Nous serions condamnés à être libres « en situation », immergés dans le monde, toujours sujets.

IT:

Riflessioni sul Ritorno a Jean-Paul Sartre di Massimo Recalcati. Nel volume si propone una lettura del filosofo legata alla psicoanalisi e in particolare a quella di Lacan. Simbolo dell’« engagement », l'autore de La nausea spiegava che non dobbiamo impegnarci, lo siamo già. La passività diventa una scelta di inerzia. Si è condannati a essere liberi « in situazione », immersi nel mondo, sempre soggett.

FR:

Née en 1987 à Casablanca, au Maroc, Rim Battal est une poétesse et artiste qui vit maintenant à Paris. Elle a été formée au journalisme et à la photographie à l’Institut Supérieur de l’Information et de la Communication de Rabat et est diplômée de l’École Supérieure de Journalisme de Paris. Depuis 2016, elle fait des lectures performées de ses textes au Bordel de la Poésie de Paris. Elle a publié, entre autres, Vingt poèmes et des poussières (2015), Latex (2017) et Transport commun (2019) aux éditions LansKine, L’eau de bain (2019) aux éditions Supernova - les presses du réel et plus récemment Les quatrains de l'all inclusive (2021) chez Le Castor Astral. L’idée de cet entretien est née du désir de questionner sa pratique photographique en tant que femme et de mettre l’accent sur le rapport étroit qu’elle tisse entre écriture et photographie, deux pratiques qui sont indéniablement associées dans la plupart de ses travaux.

EN:

Born in 1987 in Casablanca, Morocco, Rim Battal is a poet and artist who now lives in Paris. She was trained in journalism and photography at l’Institut Supérieure de l’Information et de la Communication of Rabat and graduated from l’École Supérieure de Journalisme of Paris. Since 2016, she presents performed readings of her texts at Bordel de la Poésie of Paris. She has published, among others, Vingt poèmes et des poussières (2015), Latex (2017) and Transport commun (2019) at LansKine editions, L’eau de bain (2019) at Supernova editions - les presses du réel et more recently Les quatrains de l'all inclusive (2021) at Le Castor Astral. The idea of this interview was born of the desire to question her photographic practice as a women and to emphazise the close relationship that she makes between writing and photography, tow practices that are undeniably associated in most of her work.

FR:

1er Avril 2021. Ubu-Roi du Brésil commémore la dictature des généraux tortionnaires. C’est une blague. Les bandits réunis seront-ils jamais pris ?

FR:

1er Avril 2021. Ubu-Roi du Brésil commémore la dictature des généraux tortionnaires. C’est une blague. Les bandits réunis seront-ils jamais pris ?

FR:

Intégrant le projet Les yeux ouverts, la vidéo « Poisson d'avril - Brésil, parfaite blague » est une production des revues Sens Public et Cult à partir des peintures de Marcia Tiburi. Le poisson d’avril a cessé d’être drôle le Premier Avril 1964. Cette année les militaires ont pris le pouvoir au pays, et y sont restés jusqu'en 1985. En revendiquant le 31 mars comme jour officiel du régime, ils ont voulu s’éloigner du risque de sembler à un poisson d'avril - quand les farces sont jouées, mais principalement démasquées.

FR:

Les années trente du XVIII^e siècle correspondent à l’un des moments « périodiques » de la fiction en France, alors que les principale œuvres romanesques – de La Vie de Marianne à Cleveland, de La Paysanne parvenue aux Effets surprenants de la sympathie – paraissent sous la forme de livraisons, dont la publication irrégulière réserve toujours la possibilité d’une dérive ou d’une extinction du récit. Les romanciers sont alors forcés de développer des techniques suspensives qui, sans prémunir le roman contre toutes les déconvenues possibles, lui permettent au moins de négocier la menace de cet intervalle dans lequel il risque de s’abîmer. En se fondant sur de nombreux exemples (tirés des ouvrages de Marivaux, de Prévost, de Mouhy, mais aussi de romans des XVII^e et XIX^e siècles, qui permettent de donner à la réflexion une assise littéraire plus large), cet article entend détailler quelques-unes des stratégies mises en place par les auteurs pour contrer l’angoisse interstitielle; il entend surtout faire valoir le rôle qu’a joué le roman français des années 1730 dans le développement de cette forme spécifique de suspense ruptural qu’on connaît désormais sous le nom de cliffhanger.

EN:

In the 1730s, many French novels – from Marivaux’s La Vie de Marianne to Prévost’s Histoire de Cleveland and Mouhy’s La Paysanne parvenue – were published in serial form. In that mode of publication, the interval between two offerings is always a risk, since the novel can be interrupted, thus ceasing to exist as such. Novelists had therefore to develop different techniques to guard their works against that risk. This paper emphasizes the role that eighteenth-century French novelists played in the development of suspense, particularly in the evolution of that specific form of punctual suspense that we now call the cliffhanger.

FR:

À partir de la situation des romans populaires qui naissent en France au début du XX^e siècle (et dont nous suivrons les mutations jusqu’aux années 1960), nous souhaitons réfléchir à l’articulation qui existe entre l’intervalle (comme caractéristique temporelle et spatiale des marchandises sérialisées), sa formulation médiatique dans les collections populaires (à travers la question de la périodicité et de la collection) et un certain nombre de phénomènes thématiques, narratifs et diégétiques qui en découlent, puisque ces derniers ne peuvent se comprendre que dans le cadre plus large des sérialités médiatiques et marchandes qui les fondent et dont ils sont la reformulation poétique et esthétique. Ces mutations sont d’abord celles des logiques de standardisation, de sérialisation et de valorisation de la marque induites par les nouvelles échelles de distribution ; ce sont ensuite celles qu’on a associées au taylorisme puis au fordisme ; enfin la montée en puissance d’une culture de consommation à l’américaine influe après-guerre à son tour sur les pratiques littéraires et éditoriales. Or, comme nous le montrerons ici, chacune de ces transformations a affecté à la fois la façon de concevoir les textes (leur poétique) et celle de les appréhender (la relation esthétique que les œuvres engagent).

EN:

Through the study of the situation of popular publisher series that were born in France at the beginning of the 20th century (and whose mutations we will follow until the 1960s), we wish to highlight the relationship that exists between the interval (as a temporal and spatial characteristic of serialized goods), its media formulation in popular publisher series (through the question of periodicity and series), and a certain number of thematic, narrative and diegetic phenomena which result from it. Narrative and diegetic properties can only be understood in the broader framework of the media and market serialities at their origin since they are their poetic and aesthetic reformulation. Indeed, media practices have undergone significant transformations. These transformations corresponded to the new logic of standardization, serialization and brand enhancement induced by the new distribution scales; they accompanied the mutations of Taylorism and Fordism; finally, they characterized new American-style consumption practices that have reflected these changes. However, as we will show here, each of these transformations affected both the way of conceiving the texts (their poetics) and that of apprehending them (the aesthetic relationship that the works engage).

FR:

Il faut abandonner une perspective de la sérialité comme purement « industrielle » (Adorno/Horkheimer) ou in fabula (Eco) pour rendre compte de la richesse sémiotique et herméneutique de l’intervalle sériel. Une double répétition (Soulez), structurelle (par le genre, par exemple) et matricielle (par la question irrésolue en jeu tout au long de la série), détermine un double intervalle et une implication différente (mais complémentaire) du spectateur. Cette approche permet de mieux identifier la signification de certaines bifurcations et bizarreries des épisodes et on peut voir le rôle très important des intervalles qui viennent « habiter » des espaces intermédiaires, flottants, voire être constitués en tant que tels alors qu’ils ne semblaient pas secondaires ou, au contraire, essentiels, selon qu’on change de point de vue ou de plan d’interprétation. Nous verrons que l’intervalle sériel est un espace de porosité possible entre diégèse et spectateur du point de vue de la temporalité, en indiquant que des circuits temporels complexes (projections, relectures, découpages et redécoupages, etc.) sont à l’œuvre pour guider ou stimuler le travail spectatoriel. Deuxièmement, que l’intervalle est différent selon qu’il est pris dans une dynamique structurelle ou génésique (y compris du point de vue de l’intertextualité). On peut, troisièmement, noter qu’il existe dans le travail spectatoriel une capacité d’intervallisation, ou création d’intervalles, plus ou moins virtuelle.

EN:

One should leave behind a perspective of seriality as purely “industrial” (Adorno/Horkheimer) or in fabula (Eco) to account for the semiotic and hermeneutic potential of the serial interval. A “double repetition” (Soulez), structural (through genre, for example) and connected to the matrix (through the unresolved question at stake throughout the series), determines a double interval and different (but complementary) involvements of the spectator. This approach makes it possible to better identify the meaning of certain bifurcations and peculiarities of the episodes, and one can see the very important role of the intervals that come to occupy intermediate, floating spaces. Intervals may be constituted as such even though they did not seem “secondary” (e.g. regarding to the main storyline) or, on the contrary, crucial, depending on whether one changes one’s point of view or interpretation plan. We will consider that the serial interval is a space of possible porosity between diégesis and spectator from the point of view of temporality, indicating that complex temporal circuits (projections, rereading, cutting and re-cutting, etc.) are at work to guide or stimulate spectator activity. Secondly, we will show that the interval is different depending on whether it is caught in structural dynamics or in dynamics connected to the matrix, including when intertextuality matters. Thirdly, we can note that there is inside spectator activity a more or less virtual capacity for intervallisation, or the creation of intervals.

FR:

La série télévisée propose une structure et un processus narratif qui reposent sur plusieurs types de tension : fragmentation et ensemble, formule et feuilleton, répétition et variation, interruption et absence de principe interruptif, instant et continuité. Elle est même fondée sur la notion d’intervalle si l’on prend en compte les génériques, les résumés, les vanity cards, les midseason finale, les épisodes de Noël, etc. Plus généralement, le rapport à la suspension temporelle et à la reprise est central pour appréhender ce média. Le rapport au temps en forme sérielle est d’emblée complexe, mais lorsque la série s’inscrit par ailleurs dans un genre littéraire qui induit un rapport au temps spécifique, l’analyse de l’intervalle s’avère d’autant plus fructueuse. En SF et dans le récit policier, les structures narratives et temporelles sont d’emblée sous tension (récit du crime vs récit de l’enquête, futur antérieur et anamorphose). Ces deux genres étant également fondés sur des rapports paradoxaux à la temporalité, et, pour la SF, sur un rapport à l’espace qui relèverait de l’intervalle comme manifestation de la suspension de la crédulité, la fiction sérielle policière et/ou d’anticipation ouvre ainsi sur une aventure herméneutique qui interroge les devenirs de l’humain. La série est également à analyser comme un symptôme de la contemporanéité et de la culture de l’écran.

EN:

TV series rest on a structure and narrative process characterized by tensions : fragment vs whole, formula vs continuity, repetition vs variation, interruption vs neverendedness. Such shows are in fact based upon interruption and pause if we take into account the fragmented structure they reveal with credits, previously ons, vanity cards, midseason finales, Christmas specials etc. More generally, time and temporality are essential dimensions to consider in this form, especially when TV series are clearly rooted in a specific genre which implies a specific treatment of temporality. SF and detection propose narrative structures which are founded on a temporal tension and it will thus be interesting to see how fragmentation operates in terms of suspension of disbelief and hermeneutic exploration of the potential futures of humanity. As a sympton of screen culture, TV series are a good example of the contemporary paradoxical way we envisage the present and more generally time.

FR:

Dans les séries semi-feuilletonnantes formulaires, la structure de la narration sérielle nécessite une ellipse entre deux épisodes. Chaque épisode présente une intrigue close mais bien d’autres histoires se déroulent dans l’interstice entre les épisodes. C’est cet espace, ces autres histoires qui sont présentes mais ne sont pas montrées que cet article analyse, à travers notamment deux exemples principaux, les séries The Pretender et Angel, pour montrer comment cette ellipse contribue à mettre en avant un certain rapport à l’autre à travers la mise en avant d’un quotidien formulaire.

EN:

In semi-serialized formula shows, the structure of serial narration necessitates an ellipsis between two episodes. Every episode tells a separate story but there are many more stories between the episodes. It is this space, these other stories, which exist but are not shown, that are analyzed in this paper, especially through two examples, The Pretender and Angel. This paper aims at showing how this ellipsis contributes to underline a specific relationship to others through the description of an everyday life associated to the formula.

FR:

Si l’intervalle est perçu comme une pause entre deux choses, ou encore s’il est considéré comme le produit d’une sérialité, d’une répétition, est-ce que l’entre-intervalle, c’est-à-dire ce moment précis entre la répétition et l’intervalle, pourrait être meublé de quelque chose ? Un vide, ou une forme de vide qui relie d’autres parcelles d’existence ? Ce vide constituant de l’intervalle peut-il devenir un possible ? Une possibilité de changement, de création, de redirection, d’articulation, d’annulation ? Cette analyse porte sur ce que les multiples ruptures constituant Random Acts of Flyness rendent possible; en effet, elle questionne cette juxtaposition continuelle qui, dans ce manque de liaison entre deux moments posés côte à côte, et donc dans le vide et la rupture entre les plans, les scènes, les dialogues, les épisodes (et prochainement les saisons), produit une création des possibilités d’interprétation et de lectures queer. Les images et les sons sont saturés d’information et c’est dans la pause, dans la respiration, dans l’intervalle, la redirection que les sens émergent. Je travaillerai principalement à partir du premier épisode dans le cadre d’une analyse micro, puis, réfléchirai la forme de l’intervalle entre les six épisodes de la série dans une perspective macro de l’intervalle.

EN:

If the interval is between two things, is it empty, or is it full of something? Is this void, or a sort of void connects other plots of existence? Can this void, conceptualized as the interval, become a possible? A possibility of change, creation, redirection, articulation, cancellation? This analysis explores what the multiple ruptures constituting Random Acts of Flyness make possible. It questions the juxtaposition. The choices of putting two moments side by side in an edit. Here, this void, and the rupture between the shots, the scenes, the dialogues, the episodes (and soon the seasons), produce a creation of possibilities for interpretation and queer readings. The images and the sounds are saturated with information and it is in the pause, in the breathing, in the redirection, that the meaning emerges. This article presents an analysis that focuses on the first episode of the series produced by Terence Nance and allows to reflect on the concept of the interval between the six episodes of the first season.

EN:

This article builds on Kozak’s 2016 monograph, Experiencing Hektor, which argued for using television narrative strategies to re-conceptualise ancient Greek oral epic. Inverting this dynamic, this article looks at how certain features of ancient oral epic can be useful in considering television’s narrative strategies, especially when it comes to repetitive narrative elements, from diverse forms of type-scenes to repeated phrases, character epithets, and longer formulae. The article also foregrounds the roadblocks for such an approach, from confusion over what constitutes a callback in both media, to considering the episode as a narrative unit, as epic episodes are not clearly delineated, and the season-drop continues to challenge the episode as a primary unit of narrative within contemporary television. Finally, the article points to several avenues of narrative analysis for both forms moving forward, urging scholars of Greek epics to think of narrative strategies beyond the constraints of oral composition, and urging television scholars to consider using the close-reading and televisual/textual analysis and data collection that remains central to classics as a discipline, but which are still primarily reserved for fans and popular media critics of television.

FR:

Cet article s’appuie sur la monographie de Kozak de 2016, Experiencing Hektor, qui préconise l’utilisation de stratégies narratives télévisuelles pour reconceptualiser notre approche à l’épopée orale de la Grèce antique. Inversant cette dynamique, cet article examine comment certaines caractéristiques de l’épopée orale antique peuvent être utiles pour envisager les stratégies narratives de la télévision, en particulier lorsqu’il s’agit d’éléments narratifs répétitifs, allant de diverses sortes de scènes de type à des phrases répétées, des épithètes de personnages et des formules plus longues. L’article met également en évidence les obstacles à une telle approche, de la confusion sur ce qui constitue un rappel (callback) dans les deux médias, à la considération de l’épisode comme une unité narrative, car les épisodes épiques ne sont pas clairement délimités, et la chute de la saison continue de remettre en question l’épisode comme unité narrative principale au sein de la télévision contemporaine. Enfin, l’article indique plusieurs pistes d’analyse narrative pour les deux formes qui vont de l’avant, en invitant les spécialistes des épopées grecques à réfléchir à des stratégies narratives qui dépassent les contraintes de la composition orale et en invitant les spécialistes de la télévision à envisager d’utiliser l’analyse et la collecte de données à lecture rapprochée et télévisuelle/textuelle qui restent au centre des classiques en tant que discipline, mais qui sont encore principalement réservées aux fans et aux critiques des médias populaires de la télévision.

FR:

Pourquoi l’attente de la prochaine saison d’une série télévisée est-elle aussi insoutenable que courte, alors que celle du roman équivalent, inconfortable sans doute, est cependant, à l’évidence, possible ? Cet article propose des pistes de réponse à partir des exemples comparés de A song of Ice and Fire de George Martin et de Game of Thrones (Weiss et Benioff, HBO) : la démarche veut ainsi repérer des points de différenciations entre des consommations sérielles, littéraire et télévisuelle, qui présentent par ailleurs de nombreux points communs. En notre ère du transmedia et alors même que la carrière de Martin le place au cœur de ces logiques de convergence, il n’en reste pas moins que son œuvre illustre une certaine spécificité résistante du livre, qui a à voir avec le rapport à l’auteur et à ses intermittences.

EN:

Why is it so hard to wait for the next season of a TV show, though the timespan is short, while we all know we can wait for the next novel, even when we don’t like that at all? This paper will suggest answers to this question, based on the comparison of the series A song of Ice and Fire by George Martin and Game of Thrones by Weiss et Benioff (HBO). It should allow to spot differences between serialized receptions of TV shows and novels, that are similar in many ways. In our time of transmedia storytelling and even as Martin’s career places him at the heart of convergence culture, his literary work illustrates nevertheless something still specific to books, the author persona and its « intermittencies ».

FR:

Le contexte de visionnement connecté se caractérise par une plus grande autonomie du spectateur, offrant plus de souplesse quant au rythme et à la durée des séances de visionnement. Il permet un visionnement en mode condensé, le revisionnement des épisodes ou saisons aimés et favorise une narration enrichie par les multiples paratextes qui circulent sur les médias sociaux. Comment dans ce contexte les individus font-ils usage des intervalles ? Dans quelle mesure ces intervalles (et de quels intervalles parle-t-on ?) demeurent-ils des espaces d’engagement et de créativité pour les spectateurs ? La recherche fondée sur des entrevues semi-dirigées de jeunes adultes québécois ne s’identifiant pas comme fans, montre qu’en contexte de visionnement connecté, la gestion des intervalles entre les saisons et séries est davantage entre les mains de l’usager des plateformes, résultant en des parcours de visionnement de plus en plus personnalisés et façonnés par les recommandations des algorithmes. On observe aussi un usage accru des paratextes qui s’insèrent dans le flux personnalisé des contenus visionnés sur les plateformes de VàD.

EN:

Connected viewing is characterized by a greater autonomy of the viewer, offering more flexibility as to the rhythm and duration of viewing sessions, allowing binge viewing practices, rewatching of loved episodes or seasons, and use of various paratexts that circulate on social media. How in this context do individuals make use of gaps? To what extent do these gaps (and which gaps are we talking about?) remain productive for the viewers? Based on semi-structured interviews with young Quebec adults who do not identify as fans, results highlight that management of gaps between seasons and between series is increasingly in the hands of platform user, resulting in more personalized viewing paths, shaped by algorithm recommendations. There is also an increased use of paratextual productions that are part of the personalized flow of content viewed on VoD platforms.

FR:

La série Westworld correspond à ce que Matt Hills qualifie d’œuvre casse-tête. Complexe, son récit de science-fiction laisse en suspens plusieurs énigmes qu’une communauté de spectateurs cherchent à élucider. Leurs hypothèses, qui s’appuient sur des visionnements minutieux, font ainsi l’objet de maints débats sur les réseaux sociaux. Portant le nom de « fan theory», ces spéculations focalisent sur des détails repérés dans un épisode qui s’avère susceptible de renvoyer à un sens caché. En prenant comme exemple une interprétation de Westworld proposée par le vlogger « The Film Theorist », cet article porte sur différents aspects d’un phénomène ancré dans la culture web. Son analyse expose à la fois la compréhension et le plaisir que les fans tirent des canons narratifs contemporains.

EN:

The series Westworld corresponds to what Matt Hills qualifies as a puzzle masterpiece. Complex, its science-fiction story leaves many riddles hanging which a community of spectators seek to elucidate. Their hypotheses, which rely on meticulous viewing, are the object of many debates on social media. Bearing the name of “fan theory”, these speculations focus on details spotted in an episode susceptible of giving away a hidden meaning. By taking an interpretation of Wesworld proposed by the vlogger “The Film Theorist” as an example, this article is about different aspects of a phenomenon anchored in web culture. His analysis exposes both the comprehension and the pleasure which fans can get from the contemporary narrative canons.

FR:

Les nouveaux dispositifs de distribution et de consommation télévisuels, associés à une mainstreamisation grandissante des œuvres de culture geek (pensons à des séries comme Game of Thrones ou The Walking Dead), provoquent une augmentation des avertissements sur les spoilers (ou divulgâcheurs). Ces derniers naissent d’un décalage : les intervalles aménagés par la réception variable des séries télévisées ouvrent des moments de discussion intrinsèques à la construction du fandom et des identités fans. La pratique s’intensifie et se systématise dans les milieux universitaires des études sur la culture populaire, entrant par conséquent en intersection avec les problématiques identitaires de l’aca-fan (Matt Hills, 2002). Celles-ci influencent nos approches de l’objet populaire, en ambivalence entre la posture interprétative fanique (basée sur les affects) et la posture universitaire. Cet article s’intéresse à la manière dont la valorisation ou dévalorisation de différents régimes de lecture sont révélatrices d’un certain rapport à l’objet populaire et à sa communauté.

EN:

The newest televisual distribution and consumption devices are linked with a growing popularity of works generally associated with geek culture (such as Game of Thrones or The Walking Dead). This step into the mainstream space generates a rise in spoiler alerts, a practice related to the delays which emerge from the variable reception practices of TV series. These temporal gaps allow for moments of discussion intrinsic to the fandom’s and fan identities’ construction. This practice is intensified and systematized through its use in academic spaces as well as popular culture studies, thus intersecting with the problems linked to the aca-fan’s identity (Matt Hills, 2002). The contrast between the fan posture, interpretative and affect-base, and the academic posture, influences our approaches with regards to the objects of popular culture. This paper addresses the ways in which the valuation and devaluation of some reading levels can be indicative of bias in academia when it comes to the study of popular objects and their community.

FR:

Cet article présente d’emblée la modification vidéoludique au niveau historiographique et culturel pour démontrer que la pratique peut être retracée jusqu’au tout début de l’histoire du jeu vidéo. En prenant les travaux d’Olli Sotamaa et d’Alison Gazzard sur les communautés de moddeurs, ce texte présente ces regroupements de joueurs contemporains comme des influenceurs industriels importants dans l’espace interépisodique qui existe entre deux parutions d’une même série. Pour démontrer les influences mutuelles qui peuvent survenir entre la scène amateur et professionnelle, la franchise The Elder Scrolls est présentée comme un exemple typique de série de jeu, mais aussi comme l’une des plus grandes communautés de modding actuelle.

EN:

This article present directly the gaming modification on a historiographical and cultural level to demonstrate that the practice can be retraced at the beginning of the video game history. With the works of Olli Sotamaa and Alison Gazzard ont modding communities, this text present these gamers regroupment as important industrial influencers in the inter-episodic space existing between two releases of a series. To demonstrate the mutual influences that can occur between the amateur and professional scene, The Elder Scrolls franchise is presented as a typical example of a game series, but also as one of the largest current modding community.

FR:

Remake, reboot, sequel, prequel sont des termes qui sont employés de manière récurrente pour désigner les phénomènes de sérialité qu’impliquent notamment les franchises hollywoodiennes à succès. Dans le cadre de cet article, nous nous concentrons sur le Star Trek de J.J. Abrams, sorti en 2009, ainsi que sa suite Star Trek Into Darkness, sortie en 2013. Nous mettrons en exergue en quoi le film de J.J. Abrams nous parait être un cas unique au moment de sa sortie en 2009 dans la mesure où il peut s’interpréter à la fois comme reboot, préquel, suite et comporte en son sein des éléments de remake. D’un point de vue narratif et esthétique, Star Trek et sa suite se révèlent être d’autant plus pertinent à étudier sous cet angle que la conscience de l’auteur de cette particularité pour ces films apparait limpide. En résulte une mise en scène qui joue sur l’intertextualité, notamment par le biais de figures de style, mettant en exergue le caractère singulier de l’oeuvre d’un point de vue de l’étude sérielle.

EN:

Remake, reboot, sequel, prequel target the vocabulary recurrently employed to identify the phenomena of serialization associated with Hollywood successful franchises. The aim of this article is to focus on J.J. Abrams Star Trek (2009) and its sequel Star Trek : Into Darkness (2013). We will stress how the J.J. Abrams film is a case in kind when released in 2009 as it can be globally interpreted as a reboot, a sequel, a follow up also involving elements of remake. From a narrative and esthetic point of view, Star Trek and its sequel turn out to be all the more accurate to examine from the angle that the awareness of peculiarity regarding these films appears transluant to the producer. The resulting mise-en-scène relies on intertextuality notably through stylistic tropes which emphasizing the unusual characteristics of the production if one feels concerned by the approach regarding the examination of the series.

FR:

Cet article considère la façon dont le texte et l’image d’un chapiteau représentant les Béatitudes et son emplacement dans la galerie ouest du cloître de Saint-Pierre à Moissac se rapportent explicitement à l’aumône et au rite liturgique du lavement des pieds. Nous verrons comment le mouvement autour du chapiteau a récompensé le spectateur par de nouvelles compositions, démontrant ainsi que le sens peut être construit non seulement à travers une série d’images, mais aussi à travers les mouvements rituels qui ont eu lieu au fil du temps. Le cas du chapiteau représentant les Béatitudes démontre que les sculptures participaient directement à la liturgie, sollicitaient et représentaient la présence du divin, et qu’elles sont à cet égard de véritables objets performatifs.

EN:

This article considers how text and image on a capital depicting the Beatitudes and its location in the west walk of the cloister at Saint-Pierre at Moissac related explicitly to the monastic task of almsgiving and the important liturgical rite of the Washing of the Feet. We will consider how movement around the capital rewarded the viewer with new compositions, thus demonstrating that meaning may be constructed not only through a series of images, but also through the ritual movements taking place over time. The case of the Beatitudes capital demonstrates that sculpture solicited and represented the presence of the divine through their participation in the liturgy, and, as such, are performative objects.

FR:

Dans la mesure où elle s’inscrit par définition en creux, et comme en négatif, la notion d’intervalle permet d’explorer avec un regard nouveau la généalogie des médias et l’intermédialité, et plus particulièrement, ici, la compréhension du cinéma quant aux manières multiples et changeantes qu’il a de se situer dans son environnement médiatique. À cette fin, le présent article propose de mettre en perspective le concept d’intervalle avec celui de série culturelle. En tant qu’agent de définition identitaire et, donc, en tant que garant de la « carte d’identité » de chaque média, c’est souvent l’institution qui agit comme gestionnaire des intervalles identitaires qui séparent et distinguent les médias. Pour certains, la salle assure ainsi un intervalle identitaire décisif pour différencier le cinéma des autres façons d’appréhender les images mouvementées. Nous défendrons quant à nous l’idée d’une lecture sérielle appelant à transcender le côté figé de ces intervalles institutionnalisés qui séparent les médias, et à revoir et à réorganiser la cartographie des intervalles médiatiques – en n’hésitant pas à les réinterpréter, à les modifier ou à en créer de nouveaux pour les besoins légitimes de la recherche.

EN:

The concept of the interval, to the extent that it exists only negatively, through an absence, makes it possible to explore genealogy of media and intermediality from a new perspective, and more particularly, in the present case, to examine our understanding of cinema with respect to the many and shifting ways it takes its place in the media environment. To that end, the present article proposes to examine the concept of the interval from the perspective of the concept of the cultural series. The institution, as an agent for defining the identity of each medium, and thus as the guarantor of a medium’s “ID card,” often acts as the manager of the identity intervals which separate and distinguish media. In this way the movie theatre, the view of some, provides a decisive identity interval for distinguishing cinema from other ways of apprehending images in motion. For our part, we will argue in favour of a serial reading which calls for the fixed aspect of these institutionalised intervals separating media to be transcended and for the cartography of media intervals to be revised and re-organised – not hesitating, in the process, to re-interpret or modify them or to create new ones for the legitimate needs of research.

FR:

L’histoire de la littérature des femmes ne se confond-elle pas nécessairement avec celle de la pudeur féminine, avec ses interdits, ses transgressions et ses transformations ? Si le mur de la pudeur a longtemps limité les femmes-auteurs, l’acquisition des droits à la citoyenneté a progressivement incité certaines écrivaines à s’aventurer dans l’espace « public », à aborder de front langage et expérience vécue et à « publier ». La littérature est ainsi devenue le lieu privilégié où tomber les voiles de la morale patriarcale et se mettre à nu. Mais qualifier d’« impudiques » ces nouvelles poétiques ne reviendrait-il pas à continuer de les lire du point de vue du vieil impératif de la pudeur féminine ?

EN:

Could it not be argued that the history of literature by women is indistinguishable from a woman’s sense of shame/modesty (pudeur) and all the prohibitions, transgressions and transformations that go along with it? Although women authors were long limited by a wall of shame/modesty, their acquisition of the rights of citizenship progressively incited certain writers to venture into the “public” sphere, to confront language and experience and to “publish” works. Literature thus became the place where the veil of patriarchal morals could fall so as to lay oneself bare. But would qualifying as “immodest” these new poetics not be like reading them from the perspective of the old female modesty imperative?

FR:

Que reste-t-il dans la littérature contemporaine de l’ancienne tension entre pudeur féminine et création ? A-t-elle disparu ? Continue-t-elle de hanter les textes publiés ? S’est-elle déplacée ? N’a-t-elle été que momentanément mise de côté ? L’article examine le cas d’Annie Ernaux dans Mémoire de fille.

EN:

What is there left in contemporary literature of the ancient tension between female modesty and creation? Has it disappeared? Does it continue to haunt published texts? Has it been displaced? Or has it temporarily been put aside? The article examines the case of Annie Ernaux in Mémoire de fille.

FR:

À rebours de l’image encore aujourd’hui prégnante d’une Colette impudique, cette étude s’attache à esquisser les contours d’une pudeur colettienne. Pudeur non pas dans la vie, pudeur non pas du corps, mais pudeur dès lors que l’on pénètre dans l’espace de la littérature : pudeur de l’écrivain quant à son travail, pudeur de la femme qui se cache et se réinvente dans le tissu du texte, pudeur dans la peinture des êtres et des choses, pudeur du style. Ce que nous souhaitons mettre au jour in fine, en même temps que la singularité d’une poétique – et d’une éthique – de la pudeur chez Colette, ce sont les liens entre la pudeur et une certaine idée de la vérité, qui ne dévoile qu’en voilant, attentive au trouble, au mystère irréductibles de toute vie.

EN:

Shifting away from the image, persistent to this day, of an indecent Colette, this paper will highlight the different aspects of a colettian modesty (pudor). A modesty that does not express itself in life or through the body, but as soon as we pass the threshold of literature: it is the modesty of the writer regarding the act of writing, the modesty of the woman who hides and reinvent herself within the textual veil, the modesty in the painting of things and people, the modesty of words and figures. Ultimately, what we would like to bring to light in the works of Colette is modesty both as poetics and ethics, as well as the way modesty is linked to a certain idea of truth, unveiling and veiling at the same time, attentive to the irreducible uncertainty and mystery of life.

FR:

Quelles sont les raisons et les motivations qui poussent Violette Leduc à la littérature ? En 1965, elle répond : « On écrit pour quelqu’un qu’on aime ». En plus du plaisir du texte destiné à l’autre, il existe une volonté de séduire par l’écriture chez l’autrice. Ce mécanisme de séduction est le moteur de la création leducienne. C’est un modèle précis où la personne en face de l’écrivaine doit apprécier son style et en même temps être inatteignable sexuellement et sentimentalement. Dès lors que Leduc sait qu’elle court vers un échec cuisant, elle établit une relation de mentorat, où elle est en position d’apprentie, et provoque le drame de l’amour impossible. De sa déception affective et/ou sexuelle, elle tire sa matière littéraire qui alimentera son œuvre, tout particulièrement L’Affamée et Ravages. Dans mon article, je me concentre sur les débuts de Violette Leduc, en étudiant ses relations avec Maurice Sachs, Simone de Beauvoir, Nathalie Sarraute et Jacques Lemarchand.

EN:

What are the reasons and the motivations that push Violette Leduc to write? In 1965, she answers: “We write for somebody that we love”. More than the pleasure of the text intended for somebody, she wishes to seduce through her writing. This mecanism of seduction is the driving force of the leducian creation. It is a precise model in which the addressee should appreciate her style and at the same time remain sexually and sentimentally unattainable. As soon as Leduc knows that she is heading for a fall, she sets up a mentorship, in which she is the apprentice, and provokes the drama of unrequitted love. She turns her affective and/or sexual deception into her literary material to supply her work, especially L’Affamée and Ravages. In my paper, I focus on the débuts of Violette Leduc, by studying her relationships with Maurice Sachs, Simone de Beauvoir, Nathalie Sarraute and Jacques Lemarchand.

FR:

Folle, le second récit de l’auteure québécoise Nelly Arcan, est une longue lettre d’amour et de suicide que la narratrice, Nelly, adresse à l’amant français qui l’a quittée. Si Folle est une autofiction impudique qui détaille la folie amoureuse qui habite Nelly, il s’agit également d’une autofiction pudique où le pseudonyme lui permet de raconter son désespoir tout en restant cachée derrière un voile.

EN:

Folle, the second narrative from Quebec writer Nelly Arcan, is a long love and suicide letter the narrator (also named Nelly) dedicates to the French lover who abandoned her. Folle is both a shameless autofiction that depicts in detail Nelly’s crazy love and a veil that allows her to tell her desperate story in a modest fashion through her pseudonym.

FR:

S’il y a une écrivaine francophone connue pour son impudeur littéraire, c’est bien Calixthe Beyala. Sa propension à écrire sur la sexualité et le désir des femmes africaines a amené les critiques à souligner l’originalité de son œuvre et à parler d’une « poétique de l’obscène ». Ses romans lui ont également valu d’être qualifiée d’auteure « pornographique » et d’« écrivaine à scandale », qui exploite la provocation comme une « stratégie payante ». Bien que Beyala n’hésite pas à brandir sa féminitude et à crier au racisme et au sexisme pour dénoncer les critiques de ses détracteurs, se posant ainsi en victime, il est tout de même utile de s’interroger sur la réception de ses livres et les propos à son égard qui insistent sur son identité sexuée et son origine africaine. L’impudeur littéraire qu’elle pratique, qu’elle soit perçue négativement ou positivement, est en effet le plus souvent jugée à l’aune de ces caractéristiques. L’article qui suit voudrait se pencher sur ces questions, en effectuant un retour sur « L’affaire Beyala » et en examinant ce que recouvre son écriture « pornographique ».

EN:

Francophone writer Calixthe Beyala is well-known for her “literary indecency”. Her tendency to write about African women’s desire and sexuality has led critics to highlight the originality of her work, and to qualify her writing as a “poetic of the obscene”. Her novels have also led some critics and writers to call her a “pornographic author”, and a “scandalous writer” who is exploiting provocation as a strategy that pays off. Although Beyala is quick to brandish her “feminitude”, and to accuse her detractors of racism and sexism, posing herself as a victim, it is nonetheless useful to question the insistence in many comments on her gender identity and her origin. Indeed, whether perceived negatively or positively, her “indecent writing” is often judged based on the facts that she is a woman, and a woman of African origin. This article would like to explore these issues by revisiting the “Beyala affair”, and by analyzing what constitutes her “pornographic” writing.

FR:

Comment penser l’injonction à la parole que les mouvements comme #metoo créent? N’y a-t-il pas dans le récit de tout trauma un silence nécessaire au sujet qui n’a pas envie de tout dire? Comment articuler le politique basé sur une solidarité de la prise de parole et le besoin individuel, intime de se taire? C’est à travers les oeuvres de Nelly Arcan, Christine Angot et Virginie Despentes que nous examinons ces questions.

EN:

How is it possible to think the contemporary duty to break the silence as the #metoo political movement implies? each trauma needs a part of silence, particularly when it is framed in a story by a subjectivity reluctant to "tell the truth" How can we articulate the political issues based on a solidarity of telling and denouncing and the personal needs of staying silent? Through the works of Nelly Arcan, Christine Angot and Virginie Despentes, we will analyze these questions

FR:

Cet article compare deux portraits de comédiens dans la littérature moderne. Violette Leduc et Hervé Guibert transforment le corps de l’acteur en une surface sur laquelle s’inscrit la méthode de création de l’écrivain. En dressant un portrait de Jean Marais inspiré du personnage de la Bête qu’il incarne dans le film de Jean Cocteau, Leduc donne à sa beauté physique une valeur éthique. Lorsqu’il retrace les disputes qui rythment sa relation tumultueuse avec Isabelle Adjani, Guibert insiste sur la recherche de la vérité en littérature, selon la parrêsia définie par Michel Foucault dans ses derniers écrits. En s’attachant à des acteurs connus auprès du grand public, les deux auteurs soulignent les enjeux d’une écriture qui engage pleinement leur corps, similaire à l’incarnation d’un personnage devant la caméra.

EN:

This article compares two portraits of actors in modern French literature. Violette Leduc and Hervé Guibert transform the body of the actor into a surface reflecting their literary method. By depicting Jean Marais as a creature similar to the Beast in Jean Cocteau’s film, Leduc emphasizes the ethical value of physical beauty. Musing on the numerous fights in his relationship with Isabelle Adjani, Hervé Guibert advocates being genuine in literature, elaborating on Michel Foucault’s concept of parrhesia as defined by the philosopher in his last writings. Both writers focus on famous actors to insist on the ethical stakes of a writing technique that engages the body, just like actors become a character in front of the camera.

FR:

Michael Lucey s’intéresse à la création d’une communauté appelée « public intime » dans l’œuvre d’Hervé Guibert, notamment ses textes portant sur le sida. En parlant de « misfits » (détraqués, marginaux), Lucey s’attache à une définition de la sexualité « queer » qui ne l’isolerait pas d’autres variables sociales, une sexualité hors de l’ordinaire, certes, mais fondamentalement intersectionnelle. Il rapproche Violette Leduc et Hervé Guibert, deux exemples de praxéologues au sens bourdieusien du terme, dans leur création d’un contre-public intime et marginal.

EN:

Michael Lucey depicts the creation of "intimate publics" in Hervé Guibert's novels on AIDS. Focusing on "misfits," he offers an intersectional definition of queer sexuality that would not isolate it. He brings together Violette Leduc and Hervé Guibert in their creation of intimate and marginal counter-publics.

FR:

À partir des photographies d’Antoine Poupel, l'écrivain, essayiste, philosophe de l'art et critique d’art français Gilbert Lascault déploie une rêverie poétique autour du féminin et de ses voiles.

EN:

From the starting point of Antoine Poupel’s photographs, the writer, essayist, art philosopher and art critic Gilbert Lascault embarks on a poetic reverie of the feminine and its veils.

FR:

Maël Baussand est artiste photographe et universitaire. Elle travaille sur les fluides corporels. Dans ce texte elle revisite poétiquement la rencontre originelle entre Ève et le Serpent.

EN:

Art photographer and academic researcher, Maël Baussand’s work focuses primarily on the various bodily fluids of sexual difference in art and literature. This poem explores the mythic encounter of Eve with the Snake.

FR:

Chambre de S. est une réécriture contemporaine du thème de l’amitié érotico-romantique exploré par Violette Leduc. Toute sa vie durant, l’autrice a voué un amour passionnel à sa mentore et amie, la philosophe Simone de Beauvoir, amour qu’elle a été contrainte de vivre dans l’ombre (dans ses fantasmes et dans ses textes) car il était sans retour. Dans Chambre de S., la narratrice, qui entretient une relation BDSM avec son amie, oscille entre l’amitié, l’amour, le désir et la jouissance. Chambre de S. dialogue avec des fragments de textes de Violette Leduc dans une intertextualité polyphonique et érotique.

EN:

Chambre de S. is a contemporary rewriting of the theme of erotic-romantic friendship explored by Violette Leduc. All her life, Leduc was passionately in love with her mentor and friend the philosopher Simone de Beauvoir but was forced to live her passion in the shadows (in her fantasies and in her texts) because her feelings were not reciprocated. In Chambre de S., the narrator, who has a BDSM relationship with her friend, oscillates between friendship, love, desire and pleasure. Chambre de S. also creates a polyphonic and erotic intertextual dialogue with the writings of Violette Leduc.

FR:

Mireille Calle-Gruber est écrivaine et professeure émérite de littérature française et d’esthétique à l’université Sorbonne Nouvelle-Paris 3 où elle a créé en 2007 le Centre de Recherches en Études Féminines et de Genres/Littératures francophones. Dans cet échange avec Anaïs Frantz elle explore l’impudeur de l’écriture littéraire.

EN:

Mireille Calle-Gruber is a writer and professor emeritus of French literature and aesthetics at the université Sorbonne Nouvelle-Paris 3, where in 2007 she created the Center for Research in Female and Gender Studies and Francophone Literature. In this dialogue with Anaïs Frantz she explores the immodesty of literary writing.

FR:

Marie-Sissi Labrèche, auteure québécoise, explore dans ses autofictions les limites entre la fiction et la réalité, la pudeur et l’impudeur, la littérature et la vulgarité. Elle examine également, dans le cadre de cette entrevue, son rapport au genre romanesque et à la maternité, thème central dans l’ensemble de son œuvre.

EN:

Quebec autofiction writer Marie-Sissi Labrèche explores the limits between fiction and reality, modesty and shamelessness, literature and vulgarity. In this interview, she also reflects on her ties to fictional narratives and the main theme in her works: maternity.

FR:

Je n'ai jamais embrassé Laure est le premier roman de Kiev Renaud. Sa construction frappe par sa rigueur et sa complexité : trois parties soulignent une variation savante de trois points de vue féminins. Laure est d'abord vue par sa compagne de jeux, Florence qui évoque la période trouble de l'enfance avec ses défis — en apparence innocents — comme le jeu qui commence par : « je n'ai jamais... ». Cassandre, la fille de Florence, prend le relai de sa mère qui sombre dans la folie pour évoquer sa maison et l'homosexualité de ses parents. Laure enfin évoque, en des scènes poignantes, la lente dégradation de sa compagne Florence. Le lecteur, la lectrice, sont fascinés par cette narration sensible et profonde dont l'apparente simplicité évoque à la fois Leduc et Duras : la jeune autrice a su pourtant trouver sa « voix » propre dans ce « roman-nouvelle » troublant.

EN:

I have never kissed Laure is Kiev Renaud’s first novel. It has a strikingly rigorous and complex structure: the division into three parts highlights a sophisticated variation on three women’s points of view. Laure is first seen through the eyes of her erstwhile playmate, Florence, who looks back on childhood sexual awakening with its — apparently innocent — challenges, like the game that starts with: ‘I’ve never…’. Florence’s daughter, Cassandre, takes over from her mother, who is slowly going mad, and describes their home and her parents’ homosexuality. Finally, in poignant scenes, Laure relates the slow deterioration of Florence, her life-partner. The reader is fascinated by this sensitive and perceptive narration, whose apparent simplicity brings to mind both Leduc and Duras; though in fact, in this unsettling novella, the young author has found her own ‘voice’.

FR:

Compte rendu critique de l’essai Mines de rien, Chroniques insolentes, par Isabelle Boisclair, Lucie Joubert et Lori Saint-Martin, paru aux Éditions du remue-ménage.

EN:

A critical review of Mines de rien, Chroniques insolentes, an essay by Isabelle Boisclair, Lucie Joubert and Lori Saint-Martin, published by Éditions du remue-ménage.

FR:

Une lecture biographique de l’œuvre de Nelly Arcan semble difficilement évitable depuis la parution de son premier roman autofictionnel Putain (2001), ce qui est souvent symptomatique du traitement critique et médiatique des écrits de femmes, dont la valeur littéraire est souvent trahie par la curiosité que suscite la vie de leur auteure : le film d’Anne Émond Nelly (2016) n’y échappe pas.

EN:

Since Nelly Arcan’s first autofictional novel Putain (Whore) was published in 2001, a biographical reading of her work predominated other forms of literary criticism, which often describes how women’s writing is talked about by critics and the media. Hence, women writers’ oeuvre, like Nelly Arcan’s, is frequently distorted because of the overwhelming curiosity generated by the author’s life. Anne Émond’s picture Nelly (2016) forms no exception.

FR:

Le compte-rendu présente le travail de recherche amené au sein des études de Master d’Adelaide Pagano. Son mémoire de recherche analyse la pudeur sous la perspective linguistique, philosophique, artistique et historique, en fournissant aussi une réflexion sur trois textes du début du XX^e^ siècle : Un amour de Swann de Marcel Proust, Le diable au corps de Raymond Radiguet, et Alexis ou le traité du vain combat de Marguerite Yourcenar. Ces trois romans traitent le thème de la pudeur de façons différentes et montrent qu’elle peut se montrer à la fois comme une stratégie de séduction, comme dans le cas de l’Odette de Proust, ou comme un mécanisme de réticence par les narrateurs du Diable au corps et d’Alexis.

EN:

This article proposes an account of the Master degree of Adelaide Pagano. Her master dissertation analyses the modesty from a linguistic, philosophical, artistical and historical point of view, and it shows examples of modesty as main theme of three literary texts of the beginning of the 20^th^ century : Un amour de Swann by Marcel Proust, Le diable au corps by Raymond Radiguet, and Alexis ou le traité du vain combat by Marguerite Yourcenar. Those novels offer a sight on the modesty which can be a device of seduction, used by Odette de Crécy in the Proustian novel, or it can be seen as a strategy of omission made by the narrator of Le Diable au Corps and Alexis.

FR:

La Fronde voit le jour en 1897, alors que le scandale de l’affaire Dreyfus anime les passions en France. Ce journal atypique à bien des égards, est la concrétisation d’une rencontre entre deux femmes exceptionnelles : Maria Pognon et Marguerite Durand, lors de l’un des nombreux congrès féministes de cette fin de siècle. Cette rencontre déterminante pousse Marguerite Durand à se tourner vers le troisième membre de cette idée inédite : Séverine. Forte d’une expérience acquise aux côtés de Jules Vallès, déjà reconnue dans un milieu largement mené par les hommes, elle s’investira dans ce projet de femmes, créé, rédigé, et publié, uniquement par celles que l’on nommera, entre autres, les frondeuses. Lieu sans pareil, d’expression, de revendications, et surtout de tendance féministe, il permettra à toutes d’être entendues. Dans un monde où la parole de la femme est méprisée, sexe condamné à un statut d’éternel adolescent, on peut se demander comment ce projet a pu voir le jour, qui sont ces fameuses frondeuses, ou encore, quelles sont leurs revendications. Nous nous intéresserons donc au contexte de la naissance de ce journal, à ses créatrices et collaboratrices, mais aussi à sa réception par ses homologues masculins.

EN:

La Fronde was born in 1897, while Dreyfus scandal animates passions in France. This atypical newspaper in many ways, is the pinnacle of a meeting between tow exceptionals women : Maria Pognon and Marguerite Durand, during one of the many feminist congresses of the end of that century. This determining meeting convinced Marguerite Durand to turn to the third member of that novel idea : Séverine. Strong to her experience with Jules Vallès, already known in an environment widely led by men, she got involved in this women project, created, written, and published, only by those who will be named, among others, les frondeuses. This place hold no comparaison, in terms of expression, demands, feminist trends, and gave every woman a voice to be heard. In a world where women speech is undermined as a gender condamned to an eternal teenager status, we can barely imagine how this project came to life. We will take interest in the context of the newspaper birth, his creators and collaborators, and also to his reception by his men counterparts.

FR:

Ce texte rassemble la pensée politique et le contexte historique de la revue féministe des femmes en mouvements, liée au Mouvement de Libération des Femmes (MLF) dans les années 1970. Les pages de la revue étaient un lieu de rencontre pour les militantes et les activistes, et elles ont rendu compte des conditions politiques et sociales des femmes partout dans le monde. La publication, dans laquelle des noms tels que Hélène Cixous, Kate Millett ou Lidia Falcón ont été réunis, a nourri le débat sur les droits et les luttes des femmes et a créé un espace où exposer les préoccupations artistiques et politiques des femmes de l'époque.

FR:

L'article explore la revue française Sorcières (1975-1982) dans une double perspective, à la fois textometrique et littéraire. Dans une première partie, « L’architecture thématique de la revue Sorcières », nous nous proposons de décrire le projet éditorial, littéraire et politique de Sorcières par une analyse assistée par ordinateur des thèmes de la revue : dans cette méthode, les proximités entre les mots sont observées de façon à élaborer des classes de vocabulaire, qui suggèrent les thématiques principales de la revue. Dans une deuxième partie « Le numéro 1 : de l’alimentation aliénante à la nourriture libératrice » nous voulons nous pencher plus précisément sur le numéro 1 de la collection, considéré comme un manifeste pour l’expression et la création féminines et consacré à la nourriture. Par l'analyse littéraire et critiques des textes des contributrices, l’image de la nourriture, dans ce premier dossier, n’apparaît jamais comme un élément de contrainte pour les femmes mais se révèle être à la fois moyen de connaissance et un lien avec leurs corps.

EN:

The article explores the French review Sorcières (1975-1982) from a double perspective, both textometric and literary. In the first part, "The thematic architecture of the review Sorcières", we propose to describe the editorial, literary and political project of Sorcières through a computer-assisted analysis of the review's themes: in this method, the proximities between words are observed in order to elaborate vocabulary classes, composed of words with co-occurring profiles, which suggest the main themes of the review. In a second part "Number 1: from alienating food to liberating food" we want to look more closely at number 1 of the collection, which is considered a manifesto for female expression and creation and it is dedicated to food. Through literary and critical analysis of the texts of the contributors, the image of food in this first dossier never appears as an element of constraint for women, but as a means of knowledge and as a link with their bodies.

FR:

Après un bref aperçu de la participation des femmes écrivaines à la presse anarchiste en Italie au début du XX^e^ siècle, l’article examine les grandes idées développées dans les premières revues féminines anarchistes publiés en Italie, La Donna libertaria (1912-1913) et L’Alba libertaria (1915). Outre à inciter les femmes à participer à la lutte anticapitaliste et antimilitariste, les revues féminines anarchistes montrent une certaine ouverture aux problèmes des femmes, en formulant notamment des prises de position originales sur la maternité et le contrôle des naissances par la contraception. Les revues accusent en même temps les compagnons anarchistes d’avoir négligé l’élément féminin au sein du mouvement et entendent lutter contre l’antiféminisme de tous bords.

EN:

After a brief overview of the participation of female writers in the anarchist press in Italy at the beginning of the twentieth century, the article examines the main ideas developed in the first anarchist women’s periodicals published in Italy, La Donna libertaria (1912-1913) and L’Alba libertaria (1915). In addition to encouraging women to take part in the anti-capitalist and anti-militarist struggle, anarchist women’s periodicals showed some openness to women’s issues, in particular by formulating original positions on motherhood and birth control through contraception. At the same time, the periodicals accuse the anarchist companions of having neglected the female element within the movement and intend to fight against antifeminism of all kinds.

FR:

Le texte explore la place des femmes au sein de la revue il manifesto (1969-1971). Une double perspective, à la fois biographique et thématique, permet tout d’abord de retracer les parcours comparés des intellectuelles qui ont contribué à un phénomène de féminisation de cette revue. En répertoriant ensuite les textes signés par les femmes de la rédaction, les dynamiques de spécialisation et le traitement spécifique de chaque thème - dont la question des femmes, toujours située à l’intérieur d’une réflexion politique bien plus large - sont mis au jour. Ces journalistes/intellectuelles participent à une véritable reconfiguration des règles de l’assignation de genre dans les médias et lèguent aux générations suivantes, à travers le quotidien créé en 1971, non seulement un dispositif d’écriture mais aussi un dispositif d’action.

EN:

The text explores the place of women within the journal il manifesto (1969-1971). A twofold perspective, both biographical and thematic, first of all allows us to retrace the comparative paths of the intellectuals who contributed to the feminization of this journal. Then, by listing the texts signed by the women editors, the dynamics of specialization and the specific treatment of each theme, including the question of women, always situated within a much broader political reflection, are brought to light. These journalists/intellectuals are indeed participating in a real reconfiguration of the rules of gender assignment in the media and bequeathing to the following generations, through the daily newspaper created in 1971, not only a writing device but also a device for action.

EN:

Within the study of the Spanish women's press, the magazines published during the Second Republic, until recently, have gone relatively unnoticed since they are rarely included in press history manuals. However, these magazines provide extraordinary information not only as documentary sources of daily life but as vehicles for subversive messages. In this sense, they even cover important news such as the rise of Nazism or they circumvent censorship to give voice to personalities with a belligerent anti-republicanism. One of the main themes will be the arrival of the “modern woman” prototype, which concentrates numerous debates around the aesthetic and behavioral transgression of women, which, in turn, becomes a representation of other topics such as family, nation or religion and whose perception in the articles is never absolute, but hinted at in the intense dialectic between tradition and modernity.

FR:

À partir des années vingt, les femmes espagnoles ont participé de façon de plus en plus active dans la sphère publique du fait d’un processus d’acquisition d’un niveau culturel plus élevé et de changements dans la mentalité de la société, passant à revendiquer une série de droits politiques et sociaux : accès à l’éducation, au vote, au divorce… Lors de ces premières décennies, les espaces culturels clairement féminins qui ont été créés ont favorisé ces débats et ont consolidé des liens de sororité, comme la Residencia de Señoritas ou le Lyceum Club. À leur tour, ces femmes ont aidé à consolider des nouveaux modèles de genre alternatifs voire même opposés au rôle féminin traditionnel. Cependant, les « femmes modernes » ont rencontré des forts noyaux de résistance, non seulement parmi les éléments les plus conservateurs de la société, mais aussi parmi les intellectuels. Dans cet article nous étudierons la façon dont les revues féministes/féminines ont abordé ces changements et la reconnaissance des droits de la femme.

FR:

Fondée par Lidia Falcón et Carmen Alcalde en 1976, Vindicación Feminista est la revue phare du féminisme espagnol de deuxième vague. Dans un pays qui sort tout juste de trente-six ans de dictature national-catholique, le magazine détonne. Moderne et irrévérencieux, il aborde sans scrupule ni tabou des thèmes comme l’homosexualité, la diversité du plaisir féminin ou la prostitution. Il s’engage également dans les grandes batailles féministes de l’époque : dépénalisation de l’adultère et de la contraception, accès au divorce, avortement libre, etc., car l’un des objectifs de Vindicación est la reconquête du corps féminin, indument accaparé par la dictature franquiste. Pour le magazine, il est impératif que les femmes redeviennent maîtresses de leur corps mais aussi des mots pour le dire. En effet, dans les années 1970, le monde politique et médiatique est essentiellement dominé par les hommes. Ainsi, c’est à travers la voix de l’autre que les femmes appréhendent leurs chairs. Les journalistes de Vindicación s’arment donc de leur plume afin de se réapproprier cette intimité confisquée. L’article se propose d’étudier le discours du corps et de l’intime dans Vindicación entre 1976 et 1982, période de parution du mensuel. L’objectif est de comprendre comment l’écriture a pu servir d’arme pour récupérer le contrôle, non seulement sur le corps des femmes, mais aussi sur les mots pour le définir. Il s’agira pour cela d’examiner les thèmes choisis, l’angle abordé, le style d’écriture, le degré de proximité avec la lectrice et le profil des autrices. En quoi cette revue collective, dont la diffusion a été si confidentielle durant sa courte existence, est-elle devenu la référence du féminisme espagnol de deuxième vague le plus avant-gardiste ? L’article tâchera de montrer que Vindicación révolutionne le discours sur les femmes en déconstruisant les codes de représentation, en libérant les corps et en créant un espace d’expression solidaire.

FR:

Dans cet article, nous présentons le travail d'édition numérique collaborative de l'Anthologie grecque entrepris par la Chaire de recherche du Canada sur les écritures numériques. Nous revenons notamment sur les problématiques de recherche à l'origine de la démarche, les étapes et réflexions théoriques et techniques qui ont rythmé l'évolution de la recherche ainsi que ses récents développements. À partir de l'analyse de cette expérience, nous essayons de comprendre comment émergent les conditions théoriques, épistémologiques et méthodologiques qui structurent un projet de recherche. La thèse que nous souhaitons défendre ici est que loin d’être le fruit d’un·e seul·e chercheur·e, la pensée est le fruit d’un ensemble complexe de conjonctures médiatrices qui comprennent un ensemble de forces hétérogènes dont émergent ensuite des personnes, des techniques, des textes, des plateformes, des méthodes, des collectifs.

EN:

In this article, we present the collaborative digital edition of the Greek Anthology undertaken by the Canada Research Chair in Digital Textualities. In particular, we look back at the research issues that led to the project, the theoretical and technical stages and reflections that have marked the evolution of the research, and its recent developments. From the analysis of this experience, we try to understand how the theoretical, epistemological and methodological conditions that structure a research project emerge. The thesis we wish to defend here is that far from being the fruit of a single researcher, thought is the fruit of a complex set of mediating conjunctures that include a set of heterogeneous forces from which people, techniques, texts, platforms, methods, and collectives then emerge.

FR:

Dans le cadre des travaux de recherche du projet « Art urbain, art public et cultures numériques : des publics, des sites, des trajets », nous étudions les actions concrètes des publics sur l’art, en observant la circulation de photographies d’œuvres d’art en ligne et les gestes des amateurs qui en découlent. Nos observations s’amorcent avec la publication de photographies d’œuvres d’art sur Flickr, ce qui nous permet d’analyser la visibilité des images et d’encourager leurs réutilisations, pour ensuite retracer ces photographies reproduites ailleurs avec un outil automatisant la recherche par image de Google. Les images se retrouvent sur divers sites web que nous géolocalisons afin de les cartographier. Pour cet article, nous menons l’enquête sur les vies en ligne de photographies d’œuvres de land art de Nancy Holt, Walter de Maria et Robert Smithson. Entre la fixité des œuvres ancrées dans le paysage, la mobilité des photographies en ligne et les déplacements des publics voyageurs qui publient à leur tour sur Instagram, nous assistons assurément à un devenir-destination de ces œuvres. L’utilisation d’outils et de théorisations du numérique nous permet de renouveler la pensée sur les logiques circulaires de production, de propagation et de validation de l’art.

EN:

As part of the research project « Art urbain, art public et cultures numériques : des publics, des sites, des trajets », we study the public’s concrete actions on art, observing the circulation of artwork photographs online and the resulting gestures of enthusiasts. Our observations begin with the publication of artwork photographs on Flickr, which allows us to analyze the visibility of the images and encourage their reuse, to then trace how these photographs are reproduced elsewhere with a tool that automates the search by Google Image. The images are found on various websites that we then geolocate in order to map them. In this article, we investigate the online lives of photographs of Nancy Holt, Walter de Maria and Robert Smithson’s land art pieces. Between the fixity of works anchored in the landscape, the mobility of online photographs and the movements of traveling publics who in turn publish on Instagram, we are witnessing a becoming-destination of these works. The use of digital tools and theorizations allows us to renew our thinking on art’s circular logics of production, propagation and validation.

FR:

Cet article aborde la question des conditions de production et de circulation des savoirs en humanités, par le truchement de la matérialité langagière des discours scientifiques numériques. En effet, si les humanités numériques accordent une importance particulière aux opportunités des outils et dispositifs numériques pour la recherche, les implications proprement discursives (stratégies d’adaptation au lecteur attendu, intertexte, embrayage, etc.) restent encore, dans une large mesure, à éclairer. À partir de l’analyse d’un corpus de billets issus de la plateforme de blogging en sciences humaines et sociales Hypothèses, nous nous intéressons tout d’abord à l’insertion de liens hypertextes dans le billet scientifique et identifions plusieurs fonctions associées (éditoriale, critique, informative et ludique). Nous interrogeons ensuite la manière dont l’intertexte du discours scientifique se trouve modifié par l’inscription du texte en réseau, dans une temporalité qui n’est plus uniquement celle de la recherche, mais s’enchevêtre d’autres strates (présent médiatique, culture populaire, etc.). Enfin, nous proposons une ouverture liant cette réticularité avec l’imaginaire dialogique entourant la communication de la recherche sur les blogs.

EN:

This article addresses the issue of concrete production and circulation of knowledge in the Humanities through the discursive materiality of digital scientific communication. The Digital Humanities movement has always paid particular attention to the opportunities of digital tools and devices for research. However, the discursive implications (strategies of adaptation to the expected reader, intertext, engagement, etc.) remain, to a large extent, to be clarified. Based on the analysis of academic blog posts from Hypotheses.org, we first look at the insertion of hypertext links and identify several associated functions (editorial, critical, informative and playful). We then question the way in which the intertext of scientific discourse is modified by the inscription of the text in a network, in a temporality that is no longer solely that of research, but is entangled with other strata (media, popular culture, etc.). Finally, we propose an opening that connects this reticularity with the dialogical imaginary surrounding the communication of research on blogs.

FR:

Le domaine du livre, et plus particulièrement l'édition, connaît des mutations profondes au contact du numérique. Face aux bouleversements économiques et aux nouveaux modes d'accès aux textes, des changements plus profonds s'opèrent en creux. Depuis l'avènement de l'informatisation des métiers du livre, ou l'omniprésence des traitements de texte et des logiciels de publication assistée par ordinateur, les façons de concevoir et de produire des publications connaissent un récent changement de paradigme. Des structures d'édition imaginent des nouvelles chaînes de publication originales. Celles-ci ne reposent plus sur un solutionnisme technologique, elles repositionnent l'humain au cœur des machines ou des programmes, et envisagent la publication comme un ensemble d'actions imbriquées. Les méthodes et les technologies issues du développement web influencent la manière de faire des livres, et permettent de considérer un système modulaire et non plus une chaîne linéaire. À travers l'analyse de plusieurs exemples de chaînes de publication non classiques dans les domaines de l'édition, nous souhaitons avancer les trois principes d'un nouveau modèle de publication : interopérabilité, modularité et multiformité. Ce texte est également l'occasion de présenter la dimension performative de ce travail de recherche, et ainsi détailler la façon dont le mémoire de recherche à l'origine de cet article a été réalisé.

EN:

The book industry, and more particularly publishing, is undergoing profound changes as a result of digital technology. Faced with economic upheavals and new ways of accessing texts, deeper changes are taking place. Since the advent of the computerization of the book trade, or the omnipresence of word processing and desktop publishing software, the ways of conceiving and producing publications have undergone a recent paradigm shift. Publishing structures are imagining new and original publishing chains. These are no longer based on a technological solutionism, but reposition the human being at the heart of the machines or programs, and envisage publication as a set of interlocking actions. The methods and technologies resulting from web development influence the way books are made, and allow us to consider a modular system and no longer a linear chain. Through the analysis of several examples of unconventional publishing chains in the fields of publishing, we wish to put forward the three principles of a new publishing model: interoperability, modularity and multiformity. This text is also the occasion to present the performative dimension of this research work, and thus to detail the way in which the research paper at the origin of this article was realized.

FR:

En quoi la manipulation de données tangibles permet elle de renouveler la recherche et la pratique du design d'information dans le champ des humanités numériques ? C'est à partir de ce questionnement que nous proposons d'analyser une expérience pédagogique en Humanités numériques menée avec des étudiants en Design, sur le design d'information et la visualisation de données. L'intérêt de cette expérience pédagogique était de questionner la culture visuelle numérique des étudiants, liée à la fois à leur pratique quotidienne de réception de visualisations de données, et à leur culture graphique et matérielle acquise au cours de leur formation en Design. La finalité était de les acculturer au design d'information par la conception d'un dispositif basé sur la physicalisation des données, c'est-à-dire une mise en scène de données matérialisées par des objets tangibles. L'article vise à montrer que la tangibilité et la performativité propres à physicalisation des données transforment la médiation des savoirs, et que la data-physicalisation peut être utilisée comme une méthode d'apprentissage pour étudier et pratiquer les Humanités numériques. Avoir recours à la manipulation de données tangibles peut être utile et pertinent pour créer les conditions favorables à la réappropriation des connaissances par la pratique.

EN:

How does the manipulation of tangible data make it possible to renew information design research and practice in the field of digital humanities? This article studies a pedagogical experiment in digital humanities made with students in design, on information design and visualization. The interest of this pedagogical experiment was to challenge the digital visual culture of students, linked both to their daily practice of consuming data visualizations, and their graphic and material culture acquired during their training in design. The main objective was to acculturate students to information design by the design of a knowledge mediation tool based on data physicalization, that is to say, a staging of data materialized by tangible objects. The article aims to show that the tangibility and performativity, as specificities of data physicalization, transform the knowledge mediation. Thus, data-physicalization can be used as a learning method to study and practice digital humanities, and relying on experimentations with tangible data can be useful to create the conditions for the students' reappropriation of knowledge through practice.

FR:

Est-ce possible de dépasser l'opposition entre un constructivisme radical et un dogmatisme naïf -- telle qu'elle a récemment été reformulée, notamment, par Quentin Meilassoux en termes d'oppsoition entre correlationisme et réalisme ? Cet article propose l'idée d'une médiation originaire qui n'est pas celle de la pensée humaine. Selon Meilassoux la médiation de l'être ne peut s'incarner que dans des individus. En mettant en question cette idée, ce texte essaye de penser une médiation matérielle et incarnée qui se manifeste de façon particulière dans la technique. La réflexion sur le numérique, l'éditorialisation et les Humanités numériques devient le pivot pour penser une médiation « préhumaine », ce qui permet par ailleurs de résoudre le problème des ancestraux qui était au fondement des analyses de Meillassoux.

EN:

Is it possible to overcome the opposition between a radical constructivism and a naive dogmatism -- as it has recently been reformulated, notably by Quentin Meilassoux, in terms of the opposition between correlationism and realism? This article proposes the idea of an original mediation which is not that of human thought. According to Meilassoux the mediation of being can only be embodied in individuals. By questioning this idea, this text tries to think a material and embodied mediation which manifests itself in a particular way in the technique. The reflection on the digital, the editorialization and the digital Humanities becomes the pivot to think a "prehuman" mediation, which allows moreover to solve the problem of the ancestral ones that was at the foundation of Meillassoux's analyses.

FR:

Avec la texture, le trou est peut-être à l'épreuve du numérique. On voudrait explorer ici certains de ces livres troués, sans en faire une histoire ou une typologie mais en montrant en quoi cette spécificité travaille et révèle le support. Le trou peut être un accident mais il transgresse aussi un interdit : l'album pour enfant joue de cette ambivalence. Le trou a sans doute partie liée avec les « biblioclastes » dont Jean-François Lyotard a pu parler dans les années 1960-1970, mais au rebours d'une appréhension conceptuelle, ces artistes articulent le désir au corps même du livre. Tous les livres imprimés ne sont-ils pas des livres à la limite du trou ? Que la feuille n'ait pas été trouée tient à la maîtrise de l'imprimeur. En ce sens, le trou du livre papier est peut-être consubstantiel de la fiction moderne, indexée sur l'invention de l'imprimerie et fondée sur sa capacité à ménager dans le texte ces Leerstellen.

EN:

Along with texture, the hole may be digital-proof. I seek to examine here some perforated books, without writing a history or defining a typology, but so as to show how this specificity molds and reveals the medium. The hole can be an accident but it can also transgress: picture books play with this ambivalence. The hole is undoubtedly linked to the "biblioclasts" analyzed by Jean-François Lyotard in the 1960s and 1970s, but rather than aiming for a conceptual grasp, these artists articulate desire with the very body of the book. Aren't all printed books situated at the very limit where the hole dwells? The fact that the page has not been punctured is due to the printer\'s control. As such, the hole in the paper book is perhaps consubstantial with modern fiction, indexed to the invention of printing, and based on its ability to preserve these Leerstellen in the text.

FR:

L’étude qui suit interroge la matérialité de l’album pour la jeunesse, en s’intéressant aussi bien aux formes imprimées qu’aux formes numériques – et aux relations qu’elles entretiennent entre elles – à l’époque contemporaine. Elle propose, en s'appuyant sur certains travaux de Ségolène Le Men, de (re)définir l'album comme un support capable de prendre en compte les modalités profanatrices d'appropriation du livre par un lectorat qui ignore encore les codes, le rituel, le protocole de la lecture (un lectorat qui secoue, déchire, gribouille, tient le livre à l'envers, commence par la fin, etc.). À la question de savoir si le livre numérique pour enfant, fondé sur la lecture tactile et sur une interactivité inhérente au support, constitue un relai numérique à cette dynamique de la littérature de jeunesse, c’est-à-dire, si l’on peut envisager l’émergence d’un album numérique pour la jeunesse, l’étude conclut sur un relatif échec, pour l’instant, de la littérature de jeunesse numérique à développer une forme d’indicialité authentique, capable d’accueillir le geste profanateur de l’enfant.

EN:

This article focuses on the issue of materiality in picture books – both in printed texts and in digital forms – and the relationship between those two. The research conducted, informed by Segolen Le Men’s work, wishes to reassess the definition of the picture book to take into account a mode of reading largely based on de-sacralisation. Picture books are shaken, torn apart, defaced, read upside down, or inside out by readers who are not familiar at this stage with the practice of reading. Picture books experiments with the book and thereby teach the reader to appropriate the book, not just as an object, but as a text. The article also questions the ability of digital picture books to integrate fully this act of defacing that plays such an important part in the reader’s development.

FR:

Dans les albums qu’elle « fabrique », l’auteur et illustratrice Anne Herbauts s’engage au cœur de la matière. Elle investit les espaces vides, les plis et les découpes ainsi que les volumes. Non seulement elle fait dialoguer le texte et l’image à travers des effets de manque ou de débordement mais elle invite le lecteur à compléter les éléments lacunaires. C’est dans cet entre-deux qu’elle conçoit la matérialité de l’objet-livre. Cet article se propose d’analyser à travers trois albums, Lundi, Les moindres petites choses et De quelle couleur est le vent ?, la façon dont Anne Herbauts utilise la matière et la texture comme un vocabulaire.

EN:

In her picture books, the author and illustrator Anne Herbauts questions the material dimension of the page by exploring its blank spaces, and the folds and cuts that appear on it. The dialogue between text and image, which in her work is often flawed or tends to overflow outside the book, invites the reader to reflect upon missing details. The materiality of the book as an object emerges in this hybrid space, in between the pages. This article will examine three picture books, Lundi, Les moindres petites choses, De quelle couleur est le vent ? in which texture is used as a vocabulary.

FR:

Inscrit dans une longue tradition, le livre à système suscite un véritable engouement. La surprise de ces livres en volume a focalisé l’attention sur leur spatialisation au détriment de la question de la temporalité. En effet, les livres-objets, et plus particulièrement les pop-up, ont longtemps reposé sur une narration qui guidait la lecture du début à la fin de l’œuvre. Ce n’est plus tout à fait vrai aujourd’hui. Certains ouvrages ne sont pas des ouvrages narratifs mais ils induisent pourtant une temporalité, celle de la découverte d’une forme, d’un chiffre ou encore d’une lettre et, peut-être aussi, un temps de la contemplation. La tourne de page et le déploiement du « système » à travers l’ouverture entière de la page instaurent également une nouvelle temporalité, en plus d’une nouvelle spatialité. La relecture d'un pop-up oblige enfin le lecteur à se confronter aux multiples temporalités de ses lectures, à son identité et à son corps, quand la texture de l'objet participe pleinement de l'inscription mémorielle.

EN:

Surprise is such a key component of three-dimensional books that they have been mostly analysed from a spatial point of view to the detriment of temporal perspectives. For a long time, pop-up books have relied on a narrative structure that guided the reader from beginning to end. Pop-up books that do not rely heavily on narrative induce a slow temporality, based on the discovery of a form, the enchantment of the unravelling of a page and, more generally, on a sense of wonder. Rereading a pop-up book forces the readers to review the multiple moments they discovered the text. Texture also invites them to reflect upon the interaction between their body, their identity and the book.

FR:

Cet article porte sur le roman de l’auteur américain Mark Z. Danielewski, House of Leaves, et interroge la façon dont la matérialité du texte fait partie intégrante de la construction de l’intrigue du roman. La disposition du texte sur la page fait l’objet d’un travail minutieux : le livre n’est plus un support neutre que le lecteur peut oublier mais se rappelle à lui à tout moment, en bousculant ses habitudes de réception, voire en empêchant la lecture. Cette mise en scène du texte dans l’objet livre relève d’une stratégie : elle apparaît comme une composition qui menace ce dernier de décomposition. Cette décomposition imminente mais jamais advenue, semble instituer une esthétique de la frustration. L’article explore le paradoxe selon lequel plus le récit se décompose, plus l’intrigue se noue, avance et captive le lecteur. Quelles stratégies ce dernier, à la fois pris dans les mailles du texte – intriqué – et intrigué, met-il en place pour avancer dans cet espace textuel ?

EN:

This article discusses materiality as a structural component of the narrative in House of Leaves by Mark Z. Danielewski. The reader is constantly reminded of the physicality of the book by being confronted with a systematic blurring of words. Letters are being enlarged or obliterated. The text is staged on the page so that its construction relies on a system of deconstruction, based on an aesthetic principle of frustration. This article explores the paradox whereby the more the narrative disintegrates, the more the plot ties itself and captivates the reader. What are the strategies available to the reader to progress within this intricate text?

EN:

The work of Scottish sculptor Georgia Russell presents the viewer with unidentified objects, unknown hybrids created out of a process of laceration with a scalpel. The books or photographs that she dissects unfurl outwards into sculptural objects that operate in space in an organic manner, be they totemic figures or paper landscapes. The common denominator of this body of works is the automatic technique of cutting out, making incisions with the scalpel being the equivalent of making marks with a pencil for the artist. This act, which marries gesture and rhythm, space and time, has become the foundation of Georgia Russell's oeuvre and oscillates between the flat surface of the printed page and the volume of the sculptural object. This paper addresses the seemingly straightforward significance of Russell's cut-out landscapes. Once they have been sliced and transformed into lacework, her cut-out landscapes are not just a support for retrieval but have a deeper, nostalgic meaning. The different media Russell chooses to work with are addressed as well as their original content. The link between Russell's work and literature is introduced in order to study the visual allusions she makes to the Scottish landscape while working from her French studio.

FR:

Le travail de la sculptrice écossaise Georgia Russell présente au spectateur des objets non identifiés : des hybridations inconnues créées par des processus de lacérations avec un scalpel. Les livres ou les photographies qu’elle dissèque se déploient vers l’extérieur en objets sculpturaux qui opèrent dans l’espace de manière organique, soit par des figures totémiques, soit par des paysages de papier. Cet article aborde la signification, en apparence simple, des paysages découpés de Russell. Une fois découpés et transformés en dentelles, ses paysages ne sont pas seulement un support récupéré, mais révèlent un sens plus profond et nostalgique. Il sera question des différents médias avec lesquels Russell choisit de travailler ainsi que de leur contenu original. Le lien entre l’œuvre de Russell et la littérature sera également abordé afin d’étudier les medias au paysage écossais, qu’elle fait en travaillant dans son atelier depuis la France.

EN:

The Poetry Beyond Text project combined literary criticism, experimental psychology and practice-based research to study hybrid poetic-visual forms and practices, including artist books, engravings, poetic sculptures and digital works. Three works will be analysed here: Vivam, a wooden poetry-sculpture created by poet Deryn Rees-Jones and sculptor Marion Smith; The Wren's Egg, a poem-photograph created by Rees-Jones in collaboration with artist Alice Maher; and Poempondscroll, a poetic-photographic scroll on Chinese paper created by artist Helen Douglas and poet Valerie Gillies. Using the theories developed by Martin Seel and W.J.T. Mitchell, we will see how these collaborative works express, mediate or reconfigure the aesthetic potentials, tensions and problems surrounding the presence of poetic text in visual artworks, in order to explore the potential of the book as an object.

FR:

Le projet Poetry Beyond Text s’est intéressé à des œuvres poético-visuelles hybrides (y compris des livres d'artistes, des gravures, des sculptures poétiques et des œuvres numériques) en s’appuyant sur des méthodes de recherche théoriques, psychologiques et pratiques. Trois œuvres seront analysées ici : Vivam, une poésie-sculpture en bois créée par le poète Deryn Rees-Jones et le sculpteur Marion Smith; The Wren's Egg, un poème-photographie issue d’une collaboration entre Rees-Jones et l'artiste Alice Maher; et Poempondscroll, un rouleau poétique-photographique sur papier chinois créé par l'artiste Helen Douglas et la poète Valerie Gillies. En nous appuyant sur les formulations théoriques de Martin Seel et W.J.T. Mitchell, nous verrons comment ces œuvres collaboratives expriment, médiatisent ou reconfigurent les potentiels esthétiques, les tensions et les problèmes entourant la présence du texte poétique dans l'œuvre d'art visuelle, et cela afin d’explorer le potentiel du livre en tant qu'objet.

FR:

Le livre animé permet de pénétrer l’univers du mouvement et de la profondeur de la page. Il n’est plus un objet plat. Le lecteur est invité à manipuler les éléments de la page. La structure interactive des livres d’images à mécanismes offre des possibilités d'interaction. Les pages prennent du volume, des images surgissent des ouvrages, se déploient, s’envolent, s’animent. Il contient des mécanismes le rendant interactif. Il se réinvente, souvent comparé à une architecture. Tout comme le codex est apparu à un stade de la progression du livre, des changements dans la conception non linéaire du temps ont donné au livre un caractère mouvant, magique, lui offrant un nouvel aspect, car le mouvement permet au livre de se dégager des contraintes du codex. L’interactivité est une nouvelle forme d’expérience visuelle et de perception de l’art qui englobe désormais le tactile. Le livre d’artiste, plus que tout autre type de livre, demande une appréhension active de l’objet, tant au niveau perceptif que cognitif. Le livre d’artiste, sous toutes ses formes, appelle à une connaissance par les sens et par la raison. Il nécessite une réflexion, un décodage des éléments mis à notre disposition pour révéler le propos de l’artiste qui se cache au-delà des mots.

EN:

Animated books, in their architectural three-dimensional structure, question the depth of the page and its movement. Just as the codex marked a particular moment in the development of books, changes in the non-linear perception of time have given the book more freedom to experiment with format. Based on a historical perspective, from the first astronomical books with volvelles to cut-out scenes in Dean & Son’s pop-up books, including e-books, this paper studies the value of interactivity as a new form of visual experience that directly impacts perception and cognition.

FR:

Alors que la forme du livre objet n’a cessé d’évoluer depuis les années 1960, le développement croissant de la littérature numérique pose la question de la confrontation entre la matérialité du récit et ses possibilités multimédia. Ainsi, les thématiques portées par des livres comment A Humument de Tom Phillips (création en évolution depuis 1970) ou Composition No. 1 de Marc Saporta (réédité par l’éditeur londonien Visual Editions en 2011) doivent être repensées lorsque ces œuvres deviennent disponibles sur tablette. De son côté, l’écrivain Mark Z. Danielewski, auteur de plusieurs romans où l’espace paginal est au centre des préoccupations (House of Leaves en 2000 et Only Revolutions en 2006) a dû retarder la numérisation de ses ouvrages, faute de trouver un équivalent satisfaisant aux procédés visuels du support matériel (seul The Fifty Year Sword, originellement publié en 2005, a fait l’objet d’une adaptation numérique en 2012). Il s’agira donc dans cet article d’étudier la dynamique entre imprimé et numérique à l’aune de ces œuvres qui ont su réaliser la transition d’un médium à l’autre.

EN:

As the form of the object book constantly evolved since the 1960s, the development of digital literature questions what confronting the materiality of a narrative and its multimedia possibilities might entail. The themes of works such as Tom Phillips' A Humument (a work in progress since 1970) or Marc Saporta's Composition No. 1 (reissued by London-based publisher Visual Editions in 2011) must be reconsidered as they become available for touch pads. For his part, Mark Z. Danielewski—who wrote several novels in which the space of the page is central (House of Leaves in 2000 and Only Revolutions in 2006)—had to delay the digitalization of his works because he could not find a satisfactory digital equivalent to the visual processes of the print format (only The Fifty Year Sword, originally published in 2005, was digitally adapted in 2012).This article studies the dynamics between print and digital formats by analyzing the works quoted above in that they have successfully made the transition from one medium to another.

FR:

À l’heure du numérique et de la mort maintes fois énoncée du livre, on aurait pu croire que le pouvoir symbolique du livre se voit diminué. Or, il n’en est rien. Il s’agira donc d’analyser la portée et les enjeux des différentes manifestations du livre en s’appuyant sur une étude comparative de L’Homme Volcan de Mathias Malzieu, de l’adaptation par Byook de Sherlock Holmes : La bande mouchetée ainsi que de The Fantastic Flying Books of Morris Lessmore des studios Moonbot. Les figures du livre illustrent la période de transition des paradigmes médiatiques qui est la nôtre et, dans les œuvres, participent de cette quête d’identité : entre modèle à suivre et dont il faut se détacher. Par la présence de ces figures, les œuvres se font métamédiatiques, au sens où elles interrogent leur propre statut médiatique en même temps que « l’écologie médiatique » à laquelle elles appartiennent, pour reprendre l’expression de Katherine Hayles (Hayles 2002, 5). C’est alors la nature même de ce nouveau type de médiation du texte littéraire qui devient le cœur de la réflexion. Qu’on les appelle ebooks, « livres enrichis » ou « livres augmentés », tous ces termes témoignent de la difficulté de penser la diffusion du texte hors de ce paradigme culturel incontournable qu’est le livre.

EN:

In the age of the digital, and with the end of books being repeatedly announced, one might think that the symbolic power of books would have been diminished. This is far from being the case. The aim of this article is to analyze the scope and challenges of the book’s different forms based on a comparative study of Mathias Malzieu's L'Homme Volcan, of the adaptation by Byook of Sherlock Holmes : The Speckled Band/La bande mouchetée and of that of The Fantastic Flying Books of Morris Lessmore by Moonbot studios. The figures of the book illustrate the transition period of media paradigms that we are experiencing and which, in the works, contribute to this quest for identity: between a model to be followed and one from which we must detach ourselves. Through the presence of these figures, the works become meta-mediatic, in the sense that they question their own media status while also questioning the “media ecology” to which they belong, to use Katherine Hayles' terminology (Hayles 2002, 5). At the heart of this reflection is the very nature of this new type of mediation of the literary text. Whether we call them ebooks, “enriched books” or “augmented books”, all these terms express how difficult it is to think about the circulation of texts outside the unavoidable cultural paradigm of the book.

FR:

Les applications de la maison d’édition Minibombo et celles de la série Facciamo! (« Faisons ! ») font partie des premiers projets numériques pour les tout-petits en Italie. Lancées en 2014, elles sont inspirées de l’imagier Facce (« Visages ») d’Antonella Abbatiello paru aux éditions Topipittori en 2013. Les applications Facciamo! se proposent d'animer les pages du livre grâce à différentes actions ou jeux afin de familiariser l’enfant à l'outil électronique et de prolonger l’expérience de lecture. La lecture est une activité très interactive - il suffit de penser à l’interaction tactile des livres pop up. Cet article se propose de réfléchir aux modalités de lecture et aux postures adoptées autour de la tablette. On s’intéressera également à l’apprentissage et à l’éveil au numérique, sans oublier l’importance du plaisir de lire et de découvrir le monde.

EN:

The book apps launched by Minibombo, as well as the apps adapted from the series Facciamo !, are among the first ever digital projects available for toddlers in Italy. They were launched in 2014 and inspired by the picture book Facce (“Faces”) by Antonella Abbatiello published by Topipittori in 2013. In the app, Facciamo, the reader can animate the pages of the book via a series of actions and interactive games. This article discusses the different reading modes offered to the reader and assesses its impact in terms of digital literacy, curiosity and reading pleasure.

EN:

Raymond Queneau’s Cent mille milliards de poèmes (CMMP) was first intended as a poetry writing “machine” (“machine à fabriquer des poèmes”). Queneau used the word “machine” in his preface to designate a tool designed to help the reader compose his/her own sonnets. Immediately after its publication in 1961, poetry smitten computer scientists and poets interested in computer science digitalized Queneau's book. All computer portings could generate poems automatically, thus transforming CMMP into a proto-text generator. The digital reception of CMMP made a composition tool into a machine. This article investigates the possible meanings of the word "machine" in the context of the adaptation of Queneau’s CMMP by D. Starynkevitch (1961) and Paul Braffort (1975).

FR:

Cent mille milliards de poèmes (CMMP) de Raymond Queneau est conçu comme une machine à composer des poèmes. Queneau utilise le mot « machine » dans la préface des CMMP pour désigner un outil offert au lecteur désireux de fabriquer ses propres sonnets. Immédiatement après sa publication en 1961, des ingénieurs informatiques férus de poésie et des poètes intéressés par l’informatique portèrent le livre de Queneau sur ordinateur. Tous les portages informatiques des CMMP incluent la possibilité de générer des poèmes automatiquement, transformant ainsi les CMMP en un proto-générateur de texte. Cette réception numérique des CMMP a transformé un outil de composition en automate. Cet article étudie les sens possibles du mot « machine » dans le contexte de l’adaptation des CMMP par D. Starynkevitch (1961) et Paul Braffort (1975).

EN:

The multimedia pages of VAS are a continuing exploration of forms of representation, which concomitantly show how meaning is constructed. In so doing, both the modalities of reading and our relationship to the book itself are radically challenged. This article shows how VAS revisits the standards of the book, in both its conception and reception, by revealing the political, economic and social, but also philosophical and even ethical issues related to these norms.

FR:

Au fil des pages multi-média de VAS se poursuit une exploration des formes de représentation, permettant de montrer comment le sens s’y produit. À cette occasion, les modalités de la lecture elle-même sont radicalement remises en question, ainsi que notre relation au livre. On s’attachera à montrer comment VAS revisite les normes relatives au livre, dans sa conception comme sa réception, en dévoilant les enjeux liés à ces normes, d’ordre politique, économique et social, mais aussi philosophique, voire éthique.

EN:

Reflecting on what can be found “beyond the book”, this article focuses on the multimodal children's novel Escape from the Temple of Laughter which was published in the mid-1990s. Viewed as both a container and a place of writing, this novel is a book with very porous borders whose content has literally escaped from it, thus avoiding the totalizing control of the codex. At the time of publication, even before the Web 2.0 existed, Escape from the Temple of Laughter was already a hypertext. The book is now being digitalized and the second part of this article questions the meaning of this re-contextualization. Is it really an attempt to go “beyond the book”, or is it simply an alternative means of dissemination? Does digitalization add something new to the text, or does it highlight some of the features that were already present in its print form?

FR:

En guise de réflexion sur ce que l’on peut trouver « au-delà du livre », cet article s’intéresse au roman multimodal pour enfants Les évadés du temple du rire (Escape from the Temple of Laughter) publié au milieu des années 1990. Partant d'un examen du livre à la fois comme un contenant et un lieu d'écriture, cet ouvrage est un livre aux frontières très poreuses dont le contenu s’en est littéralement échappé, se soustrayant ainsi au contrôle totalisateur du codex. Au moment de la publication du livre, avant le Web 2.0, Les évadés du temple du rire était déjà un travail hypertexte. Le livre est maintenant en cours de numérisation et la seconde partie de cet article interroge la signification de cette recontextualisation. S’agit-il d’un véritable mouvement « au-delà du livre », ou simplement d’un mode de diffusion alternatif ? La numérisation ajoute-t-elle quelque chose de nouveau au texte, ou met-elle en avant certaines fonctionnalités déjà inhérentes à la version imprimée ?

FR:

C'est aujourd'hui plus de 2 000 titres qui sont actuellement désignés comme « livres animés » au sein des collections du Centre de l'illustration de la Médiathèque André Malraux de Strasbourg. Mais quelle réalité concrète ce nombre et ce terme désignent-ils ? D'images en relief en reliures carrousels, de tirettes en pêle-mêle, mais aussi d'outils de descriptions en méthodes de conservation, cet article se présente comme une plongée dans la vie quotidienne d'une collection hors-normes.

EN:

At the Centre de L’illustration at The Médiathèque André Malraux in Strasbourg, France, more than 2000 titles have been classified under the section “Livres Animés” or “Animated Books”. This article examines the specificity of a unique collection, which encompasses a vast selection of pop-up, concertina, carrousel and tunnel books. In addition, it discusses the conservation and preservation policies used to protect these volumes.

FR:

Cet article cherche à montrer comment les livres d'architecture ont été utilisés pour tenter de matérialiser des connaissances spécifiques. Nous nous intéresserons en particulier à deux années, 1851 et 1925, qui fonctionnent comme des coupes transversales permettant de déchiffrer les bâtiments et les livres dans un même récit. Pour ce faire, nous étudierons en particulier la texture de la page et du texte, à savoir l'utilisation de la conception typographique pour bâtir l'architecture de l'argument ; l'utilisation des pages pour associer texte et images ; les séquences de pages comme approches rythmiques et spatiales du contenu architectural du livre ; et la maîtrise de la taille pour valoriser les arguments architecturaux. Grâce à ces questions, nous verrons comment le savoir architectural a été manipulé pour que sa matérialité se retrouve au-delà des bâtiments.

EN:

This article examines how architectural books have been used in an attempt to materialize specific forms of knowledge. We will focus on two different years, 1851 and 1925, both acting as cross sections that allow us to interpret buildings and books through the same narrative. To do so, we will examine the texture of both the page and the text, particularly the use of typographic design to structure an argument; the use of pages to associate text and images; the sequence of pages as a rhythmic and spatial approach to the architectural content of books; and how size can highlight architectural arguments. We will then be able to demonstrate how architectural knowledge has been shaped so that its materiality extends outside buildings.