FR:

La présente étude vise à montrer dans quelle mesure l’utilisation des nouvelles technologies à l’opéra permet de revisiter le genre opératique en proposant une nouvelle hiérarchisation des paramètres qui le constituent, notamment les composantes auditives et visuelles, ainsi que la scénographie, le lieu de production et le mode d’écoute. Afin de démontrer cette nouvelle hiérarchisation, trois oeuvres récentes et novatrices sont examinées en guise d’études de cas : EROR (The Pianist) (2019), un opéra sans chant de Georgia Spiropoulos ; Invisible Cities (2013), un opéra pour écouteurs de Christopher Cerrone, de même que Laila (2020), une oeuvre interactive mise au point par Opera Beyond, un projet chapeauté par le Finnish National Opera. Cette analyse démontre comment les oeuvres parviennent à confronter les définitions sociales et musicologiques de l’opéra, sans pour autant faire émerger une nouvelle définition.

EN:

This paper aims to demonstrate how the use of new technologies in contemporary operas makes it possible to revisit the genre of opera, by suggesting a new hierarchy of its constituent parameters, such as the audio and visual components, as well as its set design, production site, and listening mode. To illustrate this new hierarchy, I examine three recent and innovative works as case studies: EROR (The Pianist) (2019), an opera without singing by Georgia Spiropoulos; Invisible Cities (2013), an opera for headphones by Christopher Cerrone, and Laila (2020), an interactive work developed by Opera Beyond, a project hosted by the Finnish National Opera. This analysis shows how works succeed in confronting the social and musicological definitions of opera without, however, generating a new definition.

FR:

Qu’il s’agisse de la réalité augmentée ou de la réalité virtuelle, les technologies immersives vivent depuis quelques années une résurgence dont les remous se font sentir à travers l’ensemble des médias préexistants, du cinéma aux jeux vidéo, en passant par les arts vivants. Cet article se concentre sur une poignée d’opéras créés à un moment charnière de la formation des médias immersifs. Plus spécifiquement, l’article s’intéresse à l’expérience physique et spatiale de ces opéras immersifs : comment le corps des spectateur·rice·s – plutôt que celui des interprètes – est-il pris en compte dans ces expériences ?

EN:

Whether it’s augmented reality or virtual reality, immersive technologies have been experiencing a resurgence in recent years, the impact of which has been felt throughout all pre-existing media; from cinema to video games, by way of performing arts. This article focuses on a handful of operas created at a pivotal moment in the development of immersive media. More specifically, the article focuses on the physical and spatial experience of these immersive operas: How are the bodies of audience members—rather than those of performers—taken into account in these experiences?

FR:

Cet article s’appuie sur l’analyse d’un opéra créé pour la télévision (Labyrinth, Gian Carlo Menotti, 1963), d’un opéra comprenant un segment en réalité virtuelle et un autre, interactif, diffusé sur YouTube (Orpheus vr et Live from the Underworld, Debi Wong, 2021), afin d’étudier la représentation des corps performants et leur perception qui en découle. Nous tentons de démontrer que les opéras utilisant pleinement les spécificités des médias tels que le montage, la surimpression, la conception 3D et l’immersion peuvent répondre à certaines problématiques soulevées par des critiques et théoricien·ne·s, comme l’impression d’étrangeté face au gros plan, les limitations du cadre et la perte du sentiment de présence.

EN:

This article is based on the analysis of an opera created for television (Labyrinth, Gian Carlo Menotti, 1963), an opera including a virtual reality segment, and an interactive opera, streamed on YouTube (Orpheus vr and Live from the Underworld, Debi Wong, 2021); the aim is to study the representation of performing bodies and their resulting perception. I endeavour to demonstrate that operas making full use of media specificities such as editing, overprinting, 3D design, and immersion can respond to certain issues raised by critics and theorists, including the impression of strangeness when confronted with close-ups, the limitations of the frame, and the loss of a sense of presence.

FR:

Historiquement, les arts de la scène sont définis par la rencontre entre des artistes et un public, dans un lieu précis, pour un temps donné. Ils présupposent ainsi une production et une réception simultanées, une communauté coprésente. Mais aujourd’hui, la scène ne va plus de soi, pour toutes sortes de raisons historiques – surtout technologiques. Je me propose de faire ici l’ébauche d’une cartographie de cette scène reconfigurée par les technologies. L’objectif est d’esquisser un cadre théorique, avec une portée descriptive – qui permette d’analyser les oeuvres – mais aussi une portée prospective – qui permette d’envisager d’autres possibilités.

EN:

Historically, the performing arts have been defined by the encounter between artists and an audience, in a specific setting, for a given time. This thereby presumes simultaneous production and reception: community co-presence. However, the setting, or stage, is no longer a matter of course, for a variety of historical reasons—mainly technological. Here, I propose drafting a cartography of this technologically reconfigured stage. The aim is to outline a theoretical framework with a descriptive dimension—analyzing the works—as well as a prospective dimension—envisioning other possibilities.

FR:

À partir de l’analyse des défis rencontrés pendant le processus de création d’un opéra en réalité augmentée dans le cadre du projet de recherche-création OpéRA de poche (2021-2022), chapeauté par la Chaire de recherche du Canada en création d’opéra, cet article aborde sous un angle interdisciplinaire la question complexe de l’appropriation culturelle dans la création opératique d’aujourd’hui. Les acquis des études sur le théâtre et la performance suggèrent des pistes de réflexion qui trouvent une application fructueuse dans le contexte de l’opéra. Le rapport entre présence et représentation et la relation interculturelle au coeur de la rencontre qui nourrit des projets de recherche-création sont les deux axes du dialogue qui donne corps à l’article, ouvrant une perspective décoloniale. La réalité artistique du Québec, évoquée à travers les cas de la polémique contre les spectacles SLĀV et Kanata de Robert Lepage et l’exemple du Rabinal Achí d’Ondinnok, constitue ici un horizon à partir duquel considérer les enjeux posés par les nouvelles formes d’expression technologiques dans le domaine de l’opéra.

EN:

Based on the analysis of a challenging case from the OpéRA de poche (2021-2022) augmented-reality opera research-creation project led by the Canada Research Chair in Opera Creation, this article takes an interdisciplinary approach to the complex issue of cultural appropriation in opera creation today. The findings of studies on theatre and performance suggest avenues for reflection with potential for successful application in the opera context. The relationship between presence and representation and the intercultural relationship at the heart of the encounter fueling research-creation projects are the two axes of the dialogue that gives substance to the article, opening up a decolonial perspective. Quebec’s artistic reality, as seen in the cases of the polemic against Robert Lepage’s SLĀV and Kanata and the example of Ondinnok’s Rabinal Achí, constitutes a framework in which to consider the issues arising from new forms of technological expression in the field of opera.

FR:

La notion de hauteur de son, altitudo sonorum, est essentielle pour la mise au point de l’écriture musicale occidentale : elle associe un élément visuel, le haut et le bas, au son. Elle existe de façon intuitive dans l’écriture neumatique. Une convergence de faits laisse penser que le concept de hauteur de son a été élaboré au ix^e siècle dans les milieux scolaires entourant Jean Scot, dit l’Érigène, sous Charles le Chauve, dans une réélaboration de la conception du monde et une réinterprétation de la science léguée par les savants de l’Antiquité.

EN:

The notion of pitch, i.e. the opposition of high and low, altitudo sonorum, is essential to the development of Western musical writing; it associates a visual element, high and low, with sound. Pitch exists in neumatic notation without conceptualization A convergence of facts suggests that the concept of musical pitch was developed in the 9^th century in the schools associated with John the Scot, also known as the Eriugena, under Charles the Bald, in a re-thinking of the world view and a reinterpretation of the science bequeathed by scholars of antiquity.

FR:

Cet article retrace l’histoire d’une industrie musicale prolifique, mais culturellement négligée et marginalisée – celle de la library music ou musique d’illustration – dans les années 1960 et 1970. Elle interroge ses modes de production, de médiation et de circulation, examinant différents aspects et moments de créativité partagée ou relayée. Il s’agit de mettre en évidence un réseau de médiateurs, de supports, d’infrastructures, de compositeurs et de musiciens restés anonymes et invisibles. La librairie musicale pourrait être considérée comme une incarnation spécifique, mais historiquement dévalorisée, de la musique populaire – une forme que l’on pourrait qualifier de musique parallèle ou « paramusique ». Cet article se propose non seulement d’en restituer le mode de fonctionnement méconnu, mais aussi de repenser les interrelations unissant créativité, expérimentation et standardisation, originalité et emprunt, art et commerce – plus largement, il s’agit aussi de reconsidérer l’influence de ces catégories sur la formation des objets d’étude et canons de la musique populaire.

EN:

This article retraces the history of a prolific, yet culturally neglected and marginalized music industry—that of library music of the 1960s and 1970s. It questions its modes of production, mediation, and distribution, examining different aspects and moments of shared or relayed creativity. In doing so, it highlights a network of mediators, objects, infrastructures, composers, and musicians that have hitherto remained anonymous and invisible. Library music could be viewed as a specific but historically undervalued embodiment of popular music—a form that could be described as parallel music or “paramusic.” This article aims not only to reconstruct its little-known modus operandi, but also to reconsider the ways in which creativity, experimentation and standardization, originality and borrowing, and art and commerce are interrelated. More broadly, it seeks to reassess how these categories influence the shaping of objects of study and canons within popular music.

FR:

Cette note de terrain détaille le processus interdisciplinaire mis en place pour la création de l’opéra en réalité augmentée Une maison dans la main. Il s’agit d’une écriture à plusieurs têtes et plusieurs coeurs, entre un librettiste, une compositrice, deux scénographes et deux réalisatrices. Nous y détaillons nos différentes phases de développement, les méthodes et les outils de travail déployés, ainsi que les enjeux de cocréation rencontrés ayant mené à la réalisation d’un prototype tangible. L’oeuvre raconte l’histoire d’un fils et de son père à différents moments de leur vie, dans leur lutte contre cette montée des eaux. La note de terrain raconte une belle réussite de collaboration, de cocréation et d’interdisciplinarité.

EN:

This field note details the interdisciplinary process implemented to create the augmented reality opera Une maison dans la main. The writing involved many hearts and minds working together: a librettist, a composer, two set designers and two directors. Here, we detail our various development phases, the working methods and tools used, and the co-creation challenges encountered, all leading to the realization of a tangible prototype. The musical work tells the story of a son and his father at different times in their lives, as they struggle against the rising waters. The field note tells the story of successful collaboration, co-creation, and interdisciplinarity.

FR:

Cette note de terrain a été rédigée afin de témoigner du chemin parcouru tout au long du processus de création d’un opéra en réalité étendue (xr). L’intention est ici de décliner les différentes étapes du projet, de la préproduction à la postproduction, en expliquant le processus de création du livret, de la musique, de la scénographie et de la mise en scène. Nous y expliquerons tant nos choix esthétiques que les stratégies que nous avons adoptées afin d’en venir à un produit final. Nous en avons tiré plusieurs leçons qui, à notre avis, pourraient servir à ceux et celles qui voudraient tenter, comme nous, un déplacement entre les mondes scénique et virtuel. Il en ressort la nécessité d’une organisation du travail claire, d’une écriture intermédiale efficace, d’un apprentissage technique conséquent et d’une liberté d’ébranler les institutions par des choix non conventionnels.

EN:

This field note has been written to document the journey throughout the creation process of an extended reality (xr) opera. The intention here is to outline the various stages of the project, from pre-production to post-production, explaining the process of creating the libretto, music, scenography, and direction. We will discuss both our aesthetic choices and the strategies we adopted to arrive at a final product. We have drawn several lessons from this experience that, in our opinion, could be useful to those who, like us, want to explore the intersection of the theatrical and virtual worlds. It underscores the need for clear work organization, effective intermedial writing, substantial technical learning, and the freedom to challenge institutions through unconventional choices.

FR:

Ces notes reflètent mon parcours et mes questionnements en tant que pédagogue au sein d’un séminaire interdisciplinaire et interfacultaire de création d’opéra et de composition de musique pour la scène à l’Université de Montréal, qui s’est donné entre septembre 2022 et février 2023. Organisé en 15 séances de 3 heures, ce séminaire a servi de tremplin à quatre équipes interdisciplinaires de création pour le développement, en partenariat avec l’Opéra de Montréal, d’un opéra de 5 minutes en réalités augmentée et virtuelle. J’y ai participé en tant qu’artiste du mouvement et chorégraphe, afin d’aider les artistes à intégrer la présence physique dans leur processus de création. Ces notes se veulent un témoignage impressionniste d’un projet ambitieux et innovateur où mon rôle était continuellement à redéfinir face aux nouvelles technologies.

EN:

These notes reflect my journey and my questions as a pedagogue within an interdisciplinary and interfaculty seminar in opera creation and music composition for the stage held at the Université de Montréal between September 2022 and February 2023. Organized into 15 3-hour sessions, this seminar served as a springboard for four interdisciplinary creative teams to develop a 5-minute opera in augmented and virtual reality, in partnership with Opéra de Montréal. I participated as a movement artist and choreographer, to help artists integrate physical presence into their creative process. These notes are intended as an impressionistic account of an ambitious and innovative project in which my role had to be continually redefined in the face of new technologies.

FR:

Cet article est une contribution à l’étude de la diffusion du Ring en France. Il livre les premières conclusions portant sur la période comprise entre 1904, année de la première représentation intégrale du cycle en France, et 1959, date à laquelle est montée la première production dans le style du Nouveau Bayreuth sur le sol français. L’étude s’accompagne de la réalisation d’une base de données qui réunira, à terme, toutes les productions françaises du Ring entre 1904 et aujourd’hui. Dès à présent disponible sur le site Dezède, le dossier Le Ring en France donne accès à la chronologie des représentations, aux distributions et à un ensemble de sources (articles de presse, programmes de salle, etc.) amené à s’enrichir. Au travers de ce corpus en cours de réalisation, se dessine l’histoire du wagnérisme en France, mais aussi celles de ses modes de représentation, de sa mise en scène et de sa réception.

EN:

This article is a contribution to the study of the dissemination of the Ring in France. It presents the initial findings for the period between 1904, the year of the first complete performance of the cycle in France, and 1959, the date on which the first production in the New Bayreuth style was staged in France. The study includes the creation of a database. When it is completed, it will include all French productions of the Ring since 1904. Already available on the Dezède website, Le Ring en France dossier provides access to the chronology of performances, cast lists, and a range of sources (press articles, program notes…) that will be expanded in the future. This corpus, which is currently being compiled, traces the history of Wagnerism in France, as well as its performance, staging and reception.