FR:

Lorsqu’un mouvement est répété à plusieurs reprises, de subtiles différences peuvent être observées entre les répétitions. En biomécanique sportive, l’étude de la variabilité intra-individuelle (vi) du mouvement et de ses implications a le potentiel de prévenir les blessures, d’évaluer le progrès de traitements et d’informer le développement de protocoles de recherche ( Preatoni et al. 2013). Bien que les chercheurs du domaine de la musique partagent plusieurs de ces objectifs, peu d’attention a été accordée à la vi du mouvement. Cette revue exploratoire vise à consolider les informations existantes concernant la vi du mouvement en performance pianistique afin d’explorer trois importants enjeux méthodologiques : a) quelles méthodes ont été utilisées pour mesurer cette vi du mouvement ; b) quelle est l’influence de l’expertise sur cette vi du mouvement et c) combien d’essais devraient être utilisés dans un protocole de recherche afin d’obtenir une évaluation fiable d’une performance. En outre, les lacunes dans notre compréhension du phénomène sont identifiées et des recommandations pour les recherches futures sont émises.

EN:

When a movement is repeated several times, subtle differences can be observed between repetitions. In sports biomechanics, studying intra-individual movement variability and its implications has the potential to prevent injuries, assess treatment progress, and inform the development of research protocols ( Preatoni et al. 2013). While researchers in the field of music share many of these goals, little attention has been paid to intra-individual movement variability. This scoping review aims to consolidate the existing evidence regarding the intra-individual movement variability of piano performance, to shine light on three significant methodological issues: a) what methods have been used to measure this intra-individual movement variability; b) what is the influence of expertise on this intra-individual movement variability and c) how many trials should be used in a research design in order to obtain a reliable assessment of piano performance. Additionally, gaps in our understanding of the phenomenon are identified and recommendations for future research are issued.

EN:

Studies have shown that musicians feel their posture has improved after studying the Alexander Technique (at). However, no study has examined if participants’ perceptions agree with their quantitatively measured posture. This study explored the relationship between pianists’ perceptions of their posture along with their application of the Technique and the measurements taken of their spinal posture. Fifteen pianists completed questionnaires about how they perceived their posture and how they applied at principles while playing. Their responses were compared with their own postural data collected during a previous study to determine if there were commonalities between pianists’ perceptions and their postural changes. Results showed a wide range of responses as to how pianists applied the Technique while playing. Findings also showed that there was not always a clear relationship between participants’ perceptions and their postural data. In conclusion, pianists’ perceptions do not always agree with direct measures of posture.

FR:

Des études ont montré que les musiciens sentent que leur posture s’est améliorée après avoir étudié la technique Alexander (at). Cependant, aucune étude n’a examiné si les perceptions des participants concordaient avec leur posture mesurée quantitativement. Cette étude a exploré la relation entre les perceptions des pianistes de leur posture ainsi que leur application de la Technique et les mesures prises de leur posture vertébrale. Quinze pianistes ont rempli des questionnaires concernant la façon dont ils percevaient leur posture et la manière dont ils appliquaient les principes de l’at tout en jouant. Leurs réponses ont été comparées à leurs propres données posturales recueillies lors d’une étude précédente pour déterminer s’il y avait des points communs entre les perceptions des pianistes et leurs changements posturaux. Les résultats ont montré un large éventail de réponses concernant la manière dont les pianistes appliquaient la Technique tout en jouant. Les résultats ont également montré qu’il n’y avait pas toujours une relation claire entre les perceptions des participants et leurs données posturales. En conclusion, les perceptions des pianistes ne concordent pas toujours avec les mesures directes de la posture.

FR:

Cette étude explore les diverses formes prises par l’acouphène sur la base d’une identification des propriétés psychoacoustiques inhérentes à cette sensation auditive fantôme, et à travers la création de portraits acouphéniques. Des entrevues ont été menées auprès de huit participants musiciens qui ont décrit leurs acouphènes et se sont livrés à un protocole de synthèse sonore alliant mesures quantitatives et évaluations qualitatives des percepts. Échantillons sonores, oscillateurs et générateurs de bruits, filtres et autres outils de synthèse ont été utilisés dans l’élaboration de portraits acouphéniques individuels. Ce processus a révélé la pertinence de l’appariement des propriétés psychoacoustiques de la fréquence et de l’intensité généralement mesurées dans une évaluation clinique typique, mais aussi l’évaluation du contenu spectral, des modulations de hauteur et d’amplitude, des enveloppes temporelles et spectrales, de la localisation, et ce pour une multiplicité de percepts chez un même participant. La complexité de ces portraits renvoie à la particularité et la subjectivité de la réalité acouphénique de chacun des sujets, et si l’appariement clinique a pour but premier de donner une tangibilité à l’acouphène, la considération des attributs plus qualitatifs, « comment sonne l’acouphène », accentue cette tangibilité. La mise en forme dans le réel et le partage de cette réalit acouphénique associée à un sentiment d’individualité et d’unicité pourrait faciliter le chemin vers l’acceptation de la condition, spécialement pour des musiciens aptes à discuter de ces particularités psychoacoustiques.

EN:

This research explores the various forms that tinnitus can take, based on the identification of the psychoacoustic properties inherent to this phantom auditory sensation and the creation of tinnitus portraits. Interviews were conducted with eight musicians who described their tinnitus and engaged in a sound synthesis protocol combining quantitative measurements and qualitative assessments of percepts. Sound samples, oscillators and noise generators, filters, and other synthesis tools were used in the development of individual tinnitus portraits. This process revealed the relevance of pairing the psychoacoustic properties of frequency and intensity that are typically measured in clinical assessment, but also spectral content, pitch and amplitude modulations, temporal and spectral envelopes, and localization, all for multiple percepts in the same participant. The complexity of these portraits points to the specificity and subjectivity of each subject’s tinnitus reality, and while the clinical pairing’s primary objective is giving tangibility to tinnitus, considering the more qualitative attributes, “how tinnitus sounds,” accentuates this tangibility. Giving real form to tinnitus and sharing this reality associated with a feeling of individuality and uniqueness could facilitate the path to acceptance of the condition, especially for musicians who have the capacity to discuss these psychoacoustic specificities.

FR:

L’objectif de cet article est de décrire le bien-être psychologique de 164 élèves de la 3^e à la 6^e année du primaire inscrits à un programme Arts-études en musique au Québec. Les résultats soulignent des différences significatives selon le genre et le niveau scolaire des participants. Entre autres, les filles rapportent plus de plaisir et de motivation que les garçons. Les élèves de 6^e année indiquent éprouver moins de plaisir, de satisfaction, de motivation, avoir une moins haute estime de soi et une perception plus négative du climat d’appartenance que ceux de 3^e et de 4^e année. L’origine de la participation au programme (suggestion des parents ou demande de l’enfant) serait un modérateur de ces effets. Il semble ainsi qu’une attention particulière doit être portée quant au bien-être en classe des garçons de 6^e année dont les parents suggèrent la participation à un tel programme.

EN:

This article aims to describe the psychological well-being of 164 elementary school students in grades 3 to 6 enrolled in an Arts-study program in music in Quebec. The results highlight significant differences according to gender and educational level of the participants. Among other things, girls reported more pleasure and motivation than boys. Grade 6 students, for their part, reported feeling less pleasure, satisfaction, and motivation, and having lower self-esteem and a more negative perception of belonging than those in grades 3 and 4. The origin of participation in the program (suggestion from the parents or request from the child) moderated these effects. Therefore, it seems that specific attention must be paid to the well-being of boys in grade 6 whose parents suggested they take part in such a program.

EN:

Research has shown that music performance anxiety (mpa) is experienced by individuals of all ages and skill levels. Due to the need for effective management of performance anxiety in musicians, researchers have begun to investigate the viability of mindfulness, which has been proven as an effective treatment in populations with generalized anxiety. This study assessed the effects of a two-week mindfulness intervention on musicians before and after a performance, using the State component of the State-Trait Anxiety Inventory (stai) and the Revised Kenny Music Performance Anxiety Inventory (kmpai-r). Results from this study suggest that mindfulness has a significantly positive effect on state anxiety in music performance, and that a two-week mindfulness training intervention model should be investigated further as a potential intervention to reduce mpa.

FR:

La recherche a montré que l’anxiété liée aux performances musicales (apm) est ressentie par des individus de tous les groupes d’âge et de tous les niveaux de compétence. En raison de la nécessité d’une gestion efficace de l’anxiété de performance chez les musicien·ne·s, les chercheur·euse·s ont commencé à étudier la viabilité de la pleine conscience. Cette approche s’est avérée être un traitement efficace chez les populations souffrant d’anxiété généralisée. Notre étude a évalué les effets d’une intervention de pleine conscience de deux semaines sur des musicien·ne·s, avant et après une performance, en utilisant les mesures du State-Trait Anxiety Inventory (stai) et le Revised Kenny Music Performance Anxiety Inventory (kmpai-r). Les résultats de cette étude suggèrent que la pleine conscience a un effet positif significatif sur l’anxiété de la performance musicale, et qu’un modèle d’intervention de formation à la pleine conscience de deux semaines devrait être étudié plus avant comme une intervention potentielle pour réduire l’amp.

FR:

Cet article porte sur la traduction en suédois des chansons de Georges Brassens. L’objectif de l’étude est de savoir quelles méthodes de traduction ont été utilisées lorsque les chansons ont été transférées dans la langue cible et interprétées par des artistes suédois. Nous avons analysé dix textes cibles à l’aide du système de classification de chansons populaires en traduction de Johan Franzon (2021). Sept d’entre eux se sont révélés très fidèles aux textes sources et ont été classés dans la catégorie des Near-enough translations. Les trois autres textes cibles ne montrent aucun lien aux textes sources et appartiennent à la catégorie All-new target lyrics. Une tendance vers plus de fidélité envers les textes sources peut être identifiée à partir des années 1980.

EN:

The article investigates Swedish translations of Georges Brassens’ chansons. The aim is to establish what translation methods have been used when the songs were transferred to the target language and covered by Swedish artists. Ten target texts have been analyzed using Johan Franzon’s (2021) system of classification of popular songs in translation. Seven target texts stayed faithful to the source texts and were classified as “Near-enough translations.” The three remaining target texts did not resemble the source texts at all and were classified in the category “All-new target lyrics.” A tendency towards a higher degree of fidelity in the song translations was observed from the 1980s and onwards.

FR:

Comment les enseignants de musique pourraient-ils aider leurs élèves pour faire face aux aspects anxiogènes de la représentation en public ? L’objectif de cet article est d’apporter quelques éléments pour répondre à cette question. Il est important de considérer que la représentation en public est l’un des principaux aspects de la pratique musicale dès le début de l’apprentissage. Compte tenu de la forte prévalence de l’anxiété de performance musicale (apm) chez les musiciens de tous les niveaux et de tous les groupes d’âge, l’enseignant a un rôle important. À partir d’une révision de la littérature, les sources de l’apm sont analysées et dans chacune d’elles sont indiquées quelques stratégies qui pourraient être adoptées par l’enseignant. L’accent est mis sur la prévention et sur l’importance de la sensibilisation au sujet de l’apm chez les enseignants de musique.

EN:

How might music teachers help their students cope with the anxiety-provoking aspects of public performance? This article aims to provide some elements to answer this question. It is important to consider that public performance is one of the main aspects of musical practice from the start of the learning process. Given the high prevalence of music performance anxiety—mpa among musicians of all levels and ages, the teacher has an important role. Based on a literature review, the sources of mpa are analyzed and, for each of them, strategies that could be used by a music teacher are indicated. Emphasis is placed on prevention and on the importance of raising music teachers’ awareness of mpa.

FR:

This set of field notes relates the experiences of an adult amateur synagogue choir during the two years of the covid-19 pandemic. The director’s observations comprise the notes and reflections on the meaning of music in the lives of the choir members, the challenges faced by the ensemble to continue rehearsing despite the shutdown, and the different ways that those challenges were met.

FR:

Cette note de terrain relate les expériences d’une chorale amatrice adulte de synagogue au cours des deux années de la pandémie de covid-19. Les observations de la cheffe de choeur comprennent notes et réflexions sur le sens de la musique dans la vie des membres de la chorale, les défis rencontrés par l’ensemble pour continuer à répéter malgré la fermeture et les différentes façons dont les défis ont été relevés.