FR:

Depuis le début des années 2000, la ville de Bogota accueille un phénomène singulier, très vivant aujourd’hui et presque inimaginable il y a seulement quelques décennies : le succès commercial et critique de musiciens d’origine afrocolombienne porteurs de traditions provenant directement des régions les plus défavorisées du pays. Dans ce contexte, les musiques afrocolombiennes connaissent une renaissance grâce à l’enregistrement, à des fins commerciales, de genres musicaux traditionnels destinés à un public urbain colombien et international. À partir de la question d’Eliot Bates sur la manière dont la tradition est produite dans les studios d’enregistrement numériques du xxi^e siècle, cet article aborde certains des défis auxquels sont confrontés les labels de musique indépendants qui promeuvent la musique traditionnelle afro-colombienne auprès d’un public international plus large. Basé sur différentes études de cas de pratiques récentes d’enregistrement de musique afrocolombienne à Bogota – avec des producteurs tels que Diego Gómez (Llorona Records), Urián Sarmiento (Sonidos Enraizados), Juan-Sebastián Bastos (Tambora Records) et Julián Gallo (Juga Music) – cet article mettra en lumière la manière dont l’utilisation créative de la technologie de studio aide les labels indépendants à élaborer et à promouvoir des projets musicaux qualifiés de « traditionnels » ou de « fusion », et ce que ces deux catégories peuvent révéler sur les processus créatifs et commerciaux en jeu dans ce phénomène contemporain.

EN:

Since the early 2000s, the city of Bogota has welcomed a singular phenomenon that is very much alive today while almost unthinkable only a few decades ago: the commercial and critical success of musicians of Afro-Colombian descent, bearing traditions coming directly from the most disadvantaged regions of the country. Within this panorama, Afro-Colombian music is experiencing a renaissance through the recording, for commercial purposes, of traditional musical genres intended for Colombian and international urban audiences. Drawing from Eliot Bates’ question about how tradition is produced in twenty-first century digital recording studios, this article will address some of the challenges faced by independent music labels that are promoting traditional Afro-Colombian music to wider international audiences. Based on different case studies of recent practices of recording Afro-Colombian music in Bogota—with producers such as Diego Gómez (Llorona Records), Urián Sarmiento (Sonidos Enraizados), Juan-Sebastián Bastos (Tambora Records) and Julián Gallo (Juga Music)—this article will shed light on how the creative use of studio technology helps independent record labels craft and promote musical projects that are either labeled “traditional” or “fusion,” and what these two categories can reveal about the creative and commercial processes at stake in this contemporary phenomenon.

EN:

The purpose of this study was to examine the experiences of adolescent pianists in their private lessons and solo performances in regard to concert preparation and music performance anxiety (mpa). A particular focus was placed on the student-teacher relationship and the potential role of teachers in students’ preparation, experience, and anxiety in performance situations. 62 piano students completed questionnaires pertaining to their private lessons, teacher, and performance experiences, as well as two inventories—one pertaining to self-esteem and the other on music performance anxiety. Results indicate that self-esteem and practice are significant predictors of mpa, with self-esteem having the most notable effect. Almost half of the participants reported feeling nervous in their lessons at least some of the time. Most students noted that their teachers encourage them to perform; however, only half reported that their teachers address performance preparation issues. Less than half were reported to discuss memorization strategies or management of mpa with students, or to hold practice-performance classes. Implications for music educators and future research directions are discussed.

FR:

Le but de cette étude était d’examiner les expériences de pianistes adolescents lors de leurs cours privés et de leurs performances individuelles, en lien avec la préparation aux concerts et l’anxiété de performance musicale (apm). Un intérêt particulier a été porté à la relation élève enseignant et le rôle potentiel des enseignants dans la préparation, l’expérience et l’anxiété des élèves dans les situations de performance. 62 élèves en piano ont rempli des questionnaires concernant leurs leçons privées, leurs professeurs et leurs expériences de performance, ainsi que deux questionnaires – l’un sur l’estime de soi et l’autre sur l’anxiété de performance musicale. Les résultats indiquent que l’estime de soi et la pratique sont des prédicteurs significatifs de l’anxiété de performance musicale, l’estime de soi ayant l’effet le plus notable. Près de la moitié des participants ont déclaré se sentir nerveux pendant leurs cours de piano, au moins une partie du temps. La plupart des élèves ont noté que leurs enseignants les encouragent à jouer en concert ; cependant, seulement la moitié ont indiqué que leurs enseignants traitent des problèmes de préparation des performances. Moins de la moitié des enseignants discutent de stratégies de mémorisation ou de gestion de l’apm avec leurs élèves, ou organisent des cours de pratique-performance. Les implications pour les musiciens-éducateurs et les orientations pour des recherches futures sont discutées.

FR:

Le rondo est une forme qui, a priori, ne présente pas de grand défi analytique : constitué de refrains et de couplets, alternant entre le ton principal et divers tons secondaires, son déroulement semble plutôt prévisible. Pourtant, l’observation concrète de rondos pour piano chez Mozart met au jour toute une série de techniques de surprise, destinées à rendre le cours du mouvement plus déroutant. À travers une observation de la forme générale des oeuvres, du refrain, du couplet et de l’enchaînement de l’un à l’autre, nous faisons dans cet article le portrait d’une situation complexe, parfois déroutante, et très loin de l’a priori simpliste qu’on attache parfois à la forme rondo.

EN:

At first glance, rondo form doesn’t appear to present a major analytical challenge: comprised of refrains and couplets, alternating between home key and various secondary keys, it seems to unfold rather predictably. Yet, concrete observation of Mozart’s piano rondos brings to light a whole series of surprise techniques destined to render the movement’s path more disorienting. Through observation of the overall form of the works, the refrain, the couplet, and the transitions between them, this article paints a portrait of a complex, at times bewildering, situation that is far from the sometimes-simplistic preconception of rondo form.

FR:

Écouter le son spatialisé au moyen d’appareils électroniques constitue une des nouvelles expériences arrivées au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. En ce qui concerne l’histoire de cette nouvelle forme d’écoute audiotechnique en France, l’une des manifestations du son stéréophonique qui a eu le plus d’impact auprès du public fut sans doute les spectacles son et lumière, dont le premier de l’histoire eut lieu en 1952 au château de Chambord, avec une musique signée Maurice Jarre. La partie sonore de ce spectacle était le fruit d’un dispositif stéréophonique inédit. Les spectacles son et lumière ont initié de nombreux auditeurs à une nouvelle forme d’écoute directionnelle, une habileté exploitée ensuite par une génération de compositeurs d’avant-garde. Cet article se penche sur la dimension musicale de ces spectacles afin de mesurer leur impact sur l’entraînement de l’oreille du public général à la musique qui conquit l’espace au moyen de la stéréophonie.

EN:

Listening to spatialized sound by electronic means was one of the new experiences that awaited listeners in the years following the Second World War. As far as new forms of audiotechnical listening in France goes, one of the stereophonic listening situations that had the greatest impact on audiences was son et lumière, the first of which was presented at the Chambord château in 1952 with music composed by Maurice Jarre. The soundtrack of this show was the diffused via a novel stereophonic setup. These son et lumière shows initiated many listeners to new forms of directional listening a skill that would then be called upon by a generation of avant-garde composers. This article explores the musical dimension of these son et lumière presentations in order to evaluate their impact on the development of new generalized forms of listening that conquer space through stereophony.

FR:

Les transformations de l’industrie de la musique causées par la révolution digitale ont forcé les musiciens à maîtriser de nouvelles compétences qui vont au-delà de leurs talents artistiques. Une de ces compétences est le développement et la gestion de leur marque. Le présent article propose un canevas d’analyse de la marque du musicien. Cet outil, composé de cinq sections distinctes – le contexte social, l’univers artistique, la proposition artistique, l’univers individuel et la proposition individuelle – permet l’analyse de la légitimité artistique et de l’authenticité du musicien.

EN:

Changes in the music industry caused by the digital revolution have forced musicians to master new skills that go beyond their artistic talents. One of these skills is personal brand development and management. This article presents a framework for analyzing a musician’s brand. This tool, composed of five distinct sections—social context, artistic environment, artistic statement, personal environment, and personal statement—makes it possible to analyze a musician’s authenticity and artistic legitimacy.

FR:

Le contexte de l’enseignement instrumental présente des spécificités au niveau de la forme. Souvent dominé par un enseignement prescriptif, cette forme d’enseignement exige néanmoins une grande autonomie de l’élève et le développement de compétences autorégulatives. L’objectif de cette recherche est d’analyser et confronter les représentations du concept d’autonomie des professeurs et les stratégies qu’ils mettent en place pour développer cette compétence avec leurs élèves. Inscrite dans une perspective compréhensive et exploratoire, l’analyse des données s’appuie sur le modèle du processus de subjectivation d’Étienne Bourgeois (2018) et sur la taxonomie de Robert J. Marzano et John S. Kendall (2007). Les résultats montrent que les professeurs interrogés définissent le développement de l’autonomie comme un élément clé de l’enseignement instrumental, mais demeurent plus vagues lorsqu’il s’agit de décrire des stratégies pédagogiques permettant de les développer. Ceci nous conduira à formuler des pistes pour des recherches ultérieures et quelques éléments indicateurs pour la formation des professeurs de musique.

EN:

Music teaching is a type of education with specific features, where the teacher-musician holds a large part of the knowledge. Most often, the student practices alone. This kind of prescriptive teaching requires significant autonomy from the student and the development of self-regulatory skills. Because of this apparent contradiction between autonomy development and teaching methods, this study interviewed twenty music teachers, to analyze and compare their representations of autonomy and the strategies used to develop these skills in their students. This exploratory data analysis is supported by Étienne Bourgeois’ model of subjectivation (2018) and uses Robert J. Marzano and John S. Kendall’s taxonomy (2007). Results show that teachers define autonomy development as a key element of music teaching, but struggle to pinpoint the pedagogical strategies for developing it. This leads us to propose some directions for further research and some benchmark elements for training music teachers.

FR:

Le 22 janvier 2020 s’est tenu à Genève le premier laboratoire du projet de recherche en création « Perspectives actuelles de la musique polychorale », réunissant notamment des étudiants de la Haute école de musique (hem) de Genève et l’ensemble Contrechamps. Jean-Pascal Chaigne, compositeur, professeur à la hem et responsable du projet, présente les résultats de sa recherche tels qu’ils se concrétisent dans sa pièce Echo, composée à cette occasion. Après avoir expliqué en quoi l’écriture polyphonique de Giovanni Gabrieli et son rapport spécifique au timbre ont inspiré un tel projet, il détaille les procédés de sa partition qui trouvent leur origine dans la musique polychorale vénitienne du xvi^e siècle : en l’occurrence, les propositions de diminutions ainsi que les différentes formes de polychoralité que l’on rencontre dans Echo.

EN:

On January 22, 2020, the first workshop of the research-creation project “Perspectives actuelles de la musique polychorale” (“Current Outlooks of Polychoral Music”) was held in Geneva, bringing together students from the Haute école de musique (hem) de Genève and the Ensemble Contrechamps. Project leader Jean-Pascal Chaigne, composer and hem professor, presents the results of his research as they are applied in his piece Echo, composed for the occasion. After explaining how Giovanni Gabrieli’s polyphonic writing and its specific relationship to timbre inspired such a project, he details his musical means, which originate in 16^th century Venetian polychoral music: namely, the rhythmic diminutions as well as the different forms of polychorality that we encounter in Echo.

FR:

En 1924, année des Jeux olympiques de Paris, Le Guide du concert lance l’enquête « La musique et le sport ». Les très nombreuses réponses publiées permettent de dresser un portrait de ce que le milieu musical de l’époque pensait des rapports (im)possibles ou (in)existants entre les domaines du corps et de l’esprit.

EN:

In 1924, the year of the Olympic Games in Paris, Le Guide du concert launched the survey “Music and Sport.” The numerous published answers provide an insight into what the musical world of the time thought of the (im)possible or (non)existent relationships between the realms of the body and the spirit.