FR:

Exposé·e au regard et à l’écoute du·de la spectateur·trice pendant la lecture, voire à son appréciation, comment le·la poète envisage-t-il·elle de présenter son texte sur scène? À quoi s’attache-t-il·elle? Comment s’y prend-il·elle? Des entretiens ont été menés auprès des poètes Martine Audet, Jean-Paul Daoust, Denise Desautels et Annie Lafleur afin de mieux comprendre leur pratique de poésie en scène. L’analyse vise à reconnaître les vocalité et corporéité mises en jeu par les poètes lors de la prestation scénique et dégage les dynamiques singulières qui émergent des liens entre le texte, la voix, le corps et la relation avec le public.

EN:

Exposed to the spectator’s gaze and attention during the reading, even to their appreciation, how do poets envision presenting their text on stage? What do they focus on? How do they go about it? Interviews were conducted with poets Martine Audet, Jean-Paul Daoust, Denise Desautels, and Annie Lafleur to better understand their practice of poetry on stage. The analysis aims to recognize the vocality and corporality brought into play by the poets during their stage performance and highlights the unique dynamics that emerge from the connections between the text, the voice, the body, and the relationship with the audience.

FR:

Les soirées Vendencres font coïncider les moments de la création et de la publication. Ces soirées de lectures poétiques se déroulent en deux parties : un micro-libre suivi d’une séance d’écriture. Cette manière singulière de diviser le temps de l’événement a un effet fort sur la signification de la lecture de poésie, bouleversant le rapport entre la création et la publication, entre le·la poète et son auditoire, entre l’intime et le collectif, etc. C’est ce renversement du dispositif de la soirée de lecture de poésie qui sera l’objet de cet article, de même que ses implications critiques et politiques et ce qu’il partage avec la médiation culturelle.

EN:

Vendencres combine the moments of creation and of publication. These evenings of poetry readings unfold in two parts: an open mic session followed by a writing session. This unique way of dividing the time of the event has a strong effect on the significance of poetry reading, changing the relationship between creation and publication, between the poet and their audience, between the intimate and the collective, and so forth. It is the reversal of the poetry reading event that will be the subject of this article, as well as its critical and political implications, and what it shares with cultural mediation practices.

FR:

Cet article invite à appréhender la poésie non plus à travers le prisme des lettres, mais depuis le lieu et le temps de la performance, c’est-à-dire en la faisant exister en situation comme un corps faillible parmi d’autres corps. La chercheuse interroge les normes interprétatives, issues d’une valorisation de l’attention soutenue, pour penser l’un de leurs dehors. La « lecture collective », dont elle rend compte à partir de l’expérience esthétique des micros-libres, construit le sens des poèmes en tirant parti des espaces interstitiels créés par la collusion inédite et toujours renouvelée de modes d’expression distincts et de sensibilités hétérogènes, selon une attention flottante et polyphonique.

EN:

This article aims to apprehend poetry not through the lens of literature, but from the place and time of performance, by making it exist in situation as a fallible body among other bodies. The author questions interpretative norms, stemming from the valorization of sustained attention, in order to conceive one of their outsides. The “collective reading,” which she describes based on the aesthetic experience of open mic sessions, constructs the meaning of poems by taking advantage of the interstitial spaces created by the unprecedented and ever-renewed collusion of distinct modes of expression and heterogeneous sensibilities, through a floating and polyphonic attention.

FR:

Ce texte se penche sur les enjeux du poème au théâtre. Y sont abordées les questions des différentes modalités de la présence du poème dans la dramaturgie, la mise en scène et plus précisément dans l’interprétation. Cette réflexion s’inscrit dans l’étude de trois oeuvres et trois prestations : La femme la plus dangereuse du Québec (2017) de Dany Boudreault, Sophie Cadieux et Mathieu Carbonneau, Attentat (2017) de Gabrielle et Véronique Côté, ainsi qu’Éclipse (2020) de Marie Brassard. Afin de comprendre comment se bouge et se dit le poème, l’analyse des corporéités spectaculaires (Bernard, 2001) vient révéler quelques caractéristiques fonctionnelles et expressives.

EN:

This text investigates the issues surrounding poetry in theatre. It addresses questions about the different ways poetry is present in dramaturgy, staging, and more specifically in interpretation. This reflection is based on the study of three plays and three performances: La femme la plus dangereuse du Québec (2017) by Dany Boudreault, Sophie Cadieux and Mathieu Carbonneau, Attentat (2017) by Gabrielle and Véronique Côté, and Éclipse (2020) by Marie Brassard. To understand how the poem is moved and spoken, the analysis of spectacular corporalities (Bernard, 2001) reveals some functional and expressive characteristics.

FR:

Cet article pose les principes du slam-théâtre, genre hybride qui fusionne l’expression de la poésie orale à celle du théâtre. Les auteurs explorent comment cette approche augmente le potentiel d’expression corporelle et vocale de la poésie orale, tant par sa théâtralisation grâce à la biomécanique de Vsevolod Meyerhold que par l’intégration d’une démarche performative au niveau de la partition de jeu, et ce, dans l’esprit d’une mécanique dramaturgique. La réflexion, centrée sur une démarche de recherche-création, s’appuie d’abord sur le spectacle Panpan! (2016) de Thomas Langlois, créée pour la scène théâtrale, puis sur Je suis Poisson (2021), qui en constitue une version plus proche de l’art performance.

EN:

This article lays down the principles of slam-theatre, a hybrid genre that merges the expression of oral poetry with that of theatre. The authors explore how this approach enhances the potential for bodily and vocal expressions in oral poetry, both through its theatricalization using Vsevolod Meyerhold’s biomechanics, and through the integration of a performative approach in the acting partition in the spirit of a dramaturgical mechanic. This reflection, centred on a research-creation approach, first draws on the performance Panpan! (2016) by Thomas Langlois, which has been created for the theatrical stage, and then on Je suis Poisson (2021), which represents a version closer to performance art.

FR:

Est-ce qu’un geste peut compléter un vers? Est-ce qu’une métaphore peut donner à un mouvement une portée nouvelle? Est-ce que les deux arts que sont la danse et la littérature – et en particulier la poésie – ont, malgré tout ce qui les distingue, quelque chose de foncièrement apparenté? Ces questions sont au coeur de l’article qui suit, qui s’appuie sur différents essais et dossiers théoriques autant que sur plusieurs expériences concrètes de jonction des lexiques poétique et chorégraphique. En étudiant notamment les notions de rythme, de narrativité et plus généralement de conditions propices à l’apparaître, le texte arpente la zone d’expression nouvelle qui semble s’ouvrir au confluent des mots et du geste.

EN:

Can a gesture complete a verse? Can a metaphor give a movement a new scope? Do dance and literature – particularly poetry – despite everything that sets them apart, have something fundamentally related? These questions lie at the heart of the following article, which draws on various essays and theoretical research as well as several experiences of crossing poetic and choreographic lexicons. By studying the notions of rhythm, narrativity, and more generally, conditions conducive to appearing, the text explores the area of new expression that seems to open at the confluence of words and gesture.

FR:

En Côte d’Ivoire, après quelques balbutiements du slam dans les années 1990, une vague de nouveaux et de nouvelles poètes émerge depuis 2014. Il s’agit des slameur·euses. Ceux·celles-ci pratiquent un art oral initié aux États-Unis d’Amérique par Marc Kelly Smith. Cet art associe originellement la poésie et la performance. C’est une poésie populaire scénique. Fortement méconnu en Côte d’Ivoire il y a quelques années, le slam intègre aujourd’hui le champ culturel et artistique ivoirien. Partant, cet article se propose d’étudier le slam tel qu’il se présente en Côte d’Ivoire afin d’en saisir le fonctionnement.

EN:

In Côte d’Ivoire, after some tentative beginnings of slam poetry in the 1990s, a wave of new poets has emerged since 2014. These are the slammers. They practice an oral art initiated in the United States by Marc Kelly Smith. This art originally combines poetry and performance, constituting a popular scenic poetry. Largely unknown in Côte d’Ivoire a few years ago, slam poetry is now integrated into the Ivorian cultural and artistic field. Therefore, this article aims to study slam poetry as it presents itself in Côte d’Ivoire in order to understand its functioning.

FR:

Cet article examine le rôle joué par la remédiation des performances de poésie sur Internet dans la carrière littéraire des auteur·trices. L’émergence d’une scène numérique renouvelle les enjeux esthétiques et sociologiques de la performance. La réputation des artistes déjà établi·es bénéficie considérablement de la publication en ligne des vidéos. C’est le cas de Christophe Tarkos. Les poètes plus jeunes utilisent quant à eux·elles les vidéos pour accroître leur visibilité et obtenir la reconnaissance de leurs pairs. L’apparition de vidéos nativement numériques a par ailleurs conduit les poètes à investir le Web comme un espace de sociabilité à part entière. Des conflits esthétiques, idéologiques et générationnels émergent. Ils entraînent une reconfiguration de l’équilibre des positions et des valeurs dans le champ poétique.

EN:

This article examines the role played by the remediation of poetry performances on the Internet in the literary career of authors. The emergence of a digital scene renews the aesthetic and sociological stakes of performance. The reputation of established artists is fostered by the presence of their performances online, as seen in the case of Christophe Tarkos. Younger poets, on the other hand, use videos to increase their visibility and gain recognition from their peers. The emergence of native digital videos leads poets to invest the Web as a social space. Aesthetic, ideological, and generational conflicts emerge, leading to a reconfiguration of the balance of positions and values in the poetic field.

FR:

Cet article s’intéresse à la spatialisation de la performance poétique dans la sphère publique. À partir des théorisations de la sphère publique proposées par Chantal Mouffe et Zizi Papacharissi, deux cas d’étude sont analysés : le premier est la performance de rue El veroír comenzó de la poète et artiste pluridisciplinaire Cecilia Vicuña. Le second est la performance A Deconstructive Theory of Syntax, réalisée en ligne sur la plateforme Second Life par l’autrice et artiste digitale Belén Gache. L’analyse comparative de ces deux oeuvres tente de démontrer comment la performance poétique contemporaine, à partir de son ancrage dans un espace public réel ou virtuel, développe sa portée politique et agoniste. Des critères définitoires traditionnels du genre poétique sont par ailleurs pris en compte afin d’examiner comment l’exposition du littéraire retravaille la musicalité du langage poétique, sa désautomatisation ou encore son lyrisme.

EN:

This article focuses on the spatialization of poetic performance in the public sphere. Drawing on the theories of the public sphere proposed by Chantal Mouffe and Zizi Papacharissi, two case studies are analyzed: the first is the street performance El veroír comenzó by the poet and multidisciplinary artist Cecilia Vicuña. The second is the performance A Deconstructive Theory of Syntax, performed online on the Second Life platform by the author and digital artist Belén Gache. The comparative analysis of these two works seeks to demonstrate how contemporary poetic performance, grounded in either a real or virtual public space, develops its political and agonistic scope. Additionally, traditional definitional criteria of poetry are considered to examine how the exposition of the literary work affects the musicality of poetic language, its de-automatization, and its lyricism.

FR:

Afin d’approfondir l’analyse de la pièce La maculée / sTain (2012) de l’autrice fransaskoise Madeleine Blais-Dahlem, le présent article s’appuie sur les concepts de l’identité-mêmeté et de l’identité-ipséité élaborés par Paul Ricoeur dans Soi-même comme un autre (2015 [1990]) et des modèles de croyance paléo-durkheimien et néo-durkheimien que Charles Taylor décrit dans A Secular Age (2007). En plus de m’attarder sur le pouvoir exercé par les personnages masculins et sur la violence physique et psychologique qui en résulte, je m’intéresse au partage des langues dans la pièce, dont la version originale en français contient de l’anglais et diffère de manière importante de celle traduite par l’autrice, qui conserve des répliques en français avec surtitres.

EN:

To delve deeper into the analysis of the play La maculée / sTain (2012) by Fransaskois playwright Madeleine Blais-Dahlem, this article draws on concepts developed by Paul Ricoeur in Soi-même comme un autre (2015 [1990]), and the paleo-Durkheimian and neo-Durkheimian models of belief described by Charles Taylor in A Secular Age (2007). In addition to focusing on the power wielded by the male characters and the resulting physical and psychological violence, I am interested in the division of languages in the play, whose original French version contains English and differs significantly from the version translated by the author, which retains lines in French with surtitles.

FR:

Le présent article propose une lecture de M.I.L.F. (2018) de Marjolaine Beauchamp en analysant le rapport complexe au corps et à la sexualité des personnages au prisme de la philosophie du corps. En filiation avec la dramaturgie des années 1970-1980, qui a propulsé la parole féministe dans le paysage théâtral québécois, cette pièce contemporaine met en scène des personnages qui, par la parole, tentent d’accepter leur corps imparfait. Nous verrons de quelle manière leurs gestes s’agencent avec leurs mots et comment elles exercent leur agentivité sexuelle.

EN:

This article offers a study of M.I.L.F. (2018) by Marjolaine Beauchamp, analyzing the characters’ complex relationship with their body and sexuality through the lens of the philosophy of the body. In line with the dramaturgy of the 1970s and 1980s, which propelled feminist discourse into Quebec’s theatrical landscape, this contemporary play depicts female characters who, through words, attempt to accept their imperfections. We will explore how their actions match their words and how they assert their sexual agency.

FR:

À partir d’une approche subjective, j’examine mes propres lectures d’Histoire sociale du béluga (2016) et de La conquête du béluga (2020) de l’artiste pluridisciplinaire gaspésienne Maryse Goudreau. Ces deux textes dramatiques se présentent respectivement comme des transcriptions sélectives des procès-verbaux de l’Assemblée législative du Québec et de la Chambre des communes du Canada. Là où la baleine semble largement étouffée par les discours humains qui ont historiquement contrôlé sa trajectoire, le montage documentaire instaure une coprésence moins hiérarchisée entre les points de vue humain et plus-qu’humain, dans les textes comme dans ma réception.

EN:

From a subjective point of view, I examine my reception of Histoire sociale du béluga (2016) and La conquête du béluga (2020) by Maryse Goudreau. These two plays are presented respectively as selective transcriptions of the proceedings of the Legislative Assembly of Quebec and the House of Commons of Canada. While the beluga whale seems largely suffocated by the human discourses that historically controlled its trajectory, the documentary montage establishes a less hierarchical co-presence between human and more-than-human perspectives, both in the texts and in my reception.

FR:

Le présent texte porte sur l’installation immersive L’infini, présentée en 2021 à Montréal. Dans un premier temps, l’auteur analyse les enjeux esthétiques et les dispositifs de ce spectacle selon une perspective intermédiale afin de saisir sa portée dramaturgique qui se déploie avec le numérique. Dans un deuxième temps, l’auteur revient sur la conception d’« expérience esthétique » de Hans-Georg Gadamer, articulée dans son ouvrage Vérité et méthode (2018 [1960]). L’hypothèse de travail est que l’application de la théorisation de Gadamer au spectacle L’infini fraye la voie à une herméneutique technologique et permet une meilleure compréhension du régime spectaculaire dans ce spectacle qui se tourne vers le numérique.

EN:

The following article focuses on the immersive installation L’infini, presented in 2021 in Montreal. In the first part, the author analyzes the aesthetic stakes and the scenic devices of this installation from an intermedial perspective in order to grasp its dramaturgical scope that unfolds with the digital. In the second part, the author revisits Hans-Georg Gadamer’s conception of “aesthetic experience,” as articulated in his book Vérité et méthode (2018 [1960]). The working hypothesis is that the application of Gadamer’s theorization to L’infini paves the way for a technological hermeneutic and allows for a better understanding of the spectacular regime in this performance that turns to the digital.