FR:

Cet article propose une analyse des importants mouvements d’ordre industriel qui sont à l’œuvre en France dans la musique live, articulés autour des plateformes de billetterie. Il s’y joue en effet un processus d’industrialisation de la filière, qui transparait assez nettement à travers les trois tendances industrialisables que sont la technologisation, la rationalisation et l’idéologisation. L’activité de billetterie se situe ainsi au cœur de stratégies développées par de grands groupes, qui contribuent à insérer la musique vivante dans des dynamiques industrielles et financières leur conférant des pouvoirs de marché particulièrement importants. Les professionnels de la musique, et en particulier les scènes de musique actuelle et les opéras, cherchent cependant à se réapproprier les services de billetterie afin de conserver la maîtrise des données et le lien étroit avec leur public.

EN:

Important industrial movements are at work within live music in France, and those are articulated around ticketing platforms. There is a process of industrializing the sector, which appeared quite clearly through the three industrializing trends of technologization, rationalization, and ideologization. In fact, the ticketing activity is at the heart of the strategies developed by large groups, which contributes inserting live music into financial and industrial dynamics, thus giving them a particularly significant market power. However, music professionals, and more specifically live music stages and operas, seek to reclaim ticketing services in order to maintain control over their data while keeping close ties with their audience.

FR:

La transition numérique dans l'industrie musicale a eu pour première conséquence d'ampleur d'amener une crise du marché des supports physiques qui n'a pas encore fini de livrer toutes ses implications. Dans ce même temps, la musique live a retrouvé une position centrale comme axe de création de valeur, pour les artistes comme pour les autres acteurs de l'écosystème. Cette spécificité tenait en partie à la difficile dématérialisation de l' « ici et le maintenant » du concert. Avec le livestream, dont le développement a connu une accélération forte lors de la pandémie de la COVID-19, le live se créé et se diffuse en ligne, via des solutions techniques ad hoc, mais surtout via les plateformes sociales de partage de contenus. Remise en perspective par une analyse des pratiques observées au cours de l'année 2020, le positionnement de la plateforme de livestream Twitch amène à s'intéresser aux modalités de création de contenus, aux interactions qui se font autour, ainsi qu'aux modèles économiques qui se dessinent.

EN:

The first consequence of the digital transition in the music industry is to bring about a crisis in the physical media market which has not yet finished delivering all its implications. At the same time, live music has regained a central position as an axis of value creation, for artists as for other players in the ecosystem. And this specificity was partly due to the difficult dematerialization of the ‘hic et nunc’ of the concert. With livestream, whose development has accelerated sharply with the Covid19 pandemic, live music is created and broadcast online, via ad hoc technical solutions, but above all via social content sharing platforms. Put into perspective by an analysis of the practices observed during the year 2020, the positioning of the Twitch livestream platform leads to an interest in the methods of content creation, the interactions that take place around it, as well as the economic models that emerge.

FR:

À partir d’une étude ethnosémiotique de deux concerts diffusés en livestream en 2019 et 2020 par le groupe Indochine, nous observons sur Twitter et Instagram comment les fans s’expriment à propos des live et de quelle manière ils les documentent. À travers l’analyse de leurs publications et commentaires, il s’agit d’étudier quelles images de ces concerts sont publiées, « redocumentarisées », et de quels sens et émotions les fans investissent ces publications. Les deux plateformes sont des lieux de partage d’opinions et d’émotions, mais permettent également à l’expérience live de se vivre par anticipation et par extension, et donnent à voir la coexistence de logiques de collection et de mise en visibilité de soi et des artistes.

EN:

Based on an ethnosemiotic study of two concerts broadcast in livestream in 2019 and 2020 by the Indochine music band, we observe how fans express themselves about live performances and how they document them on Twitter and Instagram. Through the analysis of their publications and comments, we study which images of these concerts are published, “redocumentarized”, and what meaning and emotions are carried in these publications. The two platforms are places for sharing opinions and emotions. They show that the live experience is lived by anticipation and by extension, and that logics of collection coexist with self-visibility and promotion of the beloved artists.

FR:

En 2020 au Québec, la pandémie de la COVID-19 a entrainé l’annulation de nombreux événements musicaux. Outre les concerts, ce sont aussi les soirées de jam qui ont dû s’arrêter. Celles-ci rassemblent habituellement des amateurs de musique pour des séances d’improvisation collective cadrées par des règles (dites et non-dites) qui varient selon les lieux, les participants et les genres de musique. Cet article porte plus spécifiquement sur une communauté de producteurs et d’amateurs de musiques électroniques qui ont choisi de transposer dans l’environnement numérique l’événement de jam qu’ils organisaient dans des lieux physiques auparavant. Notre recherche vise à comprendre ce que la transposition numérique fait à la création collective et par quels dispositifs techniques celle-ci se matérialise. Face aux contraintes et limites tant techniques qu’organisationnelles, la raison d’être du jam évolue, passant de la musique jouée ensemble dans un même moment à la musique produite et composée collectivement. Ainsi, notre recherche montre que la volonté de développer un projet temporaire collectif commun encourage les participants à négocier avec le format de l’événement.

EN:

In 2020 in Quebec, the COVID-19 pandemic led to the cancellation of many musical events. In addition to the concerts, it was also the jam sessions that had to stop. These events usually bring together music lovers for collective improvisation sessions framed by rules that vary depending on the location, the participants, and the genre of music. This article focuses more specifically on a community of electronic music producers and fans who have chosen to transpose into the digital environment the jam event they used to organize. Our research aims to understand what digital transposition does to collective creation and through which technical devices it materializes. In the face of both technical and organizational constraints and limitations, the meaning of the jam is evolving from music played together to music produced and composed collectively. Thus, our research shows that the will to develop a temporary collective, common project encourages participants to negotiate with the potential format of the event.

FR:

La captation retransmise en direct de concert, ou livestream, a atteint une nouvelle échelle, du fait du confinement et de l’interdiction d’événements musicaux dans le monde. Le secteur des musiques électroniques de danse s’en est emparé et composé « leur » nouveau lieu de musique. Il prend une « forme spectacle » à distance, via des interfaces et outils virtuels. Au travers de l’étude d’une soirée en festival virtuel de chez moi en passant par Détroit et Twitch, j’avance alors des éléments d’une reconfiguration du secteur par le maillage industriel entre producteur d’événement et acteurs des réseaux de diffusion : plateforme et chaîne. Davantage, elle questionne la place des publics — entre chat parlant et viewers muets — et des DJ dans cette situation, et s’enquière de comprendre ce qu’ils (y) éprouvent de connexion, de relation, de goût, de commun, de (re)connaissance dans cette musique live.

EN:

Music livestream reached a new step due to lockdown and the cancellation and prohibition of music events worldwide. EDM market grabbed and articulated it to make “their” new place for music. Through the ethnography of a home-alone party, I will describe an online music festival, using interfaces to cross Detroit and reach the world within Twitch. By giving elements about how a music event producer and broadcasting networks work together, I will map music industry layers. Especially, I will question how audience —a talkative chat and silent viewers—and DJ act and build livestream as a music place, and test how musical is human learning about connexion, community sense, (a)knowledgment and relationship in livestream model comparing to rave or club.

FR:

La circulation importante des vidéos de concerts sur les plateformes numériques interroge plus que jamais le concert comme rituel public exclusif. En France, ces vidéos sont souvent appelées captations, terme qu ’ il s ’ agira d ’ examiner dans cet article au prisme des différents paradoxes qu ’ il présente. Pour cela, nous nous appuyons sur une enqu ê te exploratoire par entretiens, que nous avons menée auprès de professionnels fran ç ais. Dans une première partie, nous mettons en évidence la tension entre secret et publicité, propre à la situation de concert. Nous étudions ensuite le paradoxe que pose la volonté de transposer à l ’écran la dimension exclusive du concert, sous forme de document et dans différents contextes médiatiques . Enfin, nous étudions la manière dont la vid é o , lorsqu ’ elle s’émancipe du r ô le de document de concert, affecte en retour le concert et devient elle-m ê me performance musicale, phé nom ène particulièrement visible à travers les nouveaux formats de captation sur les plateformes numériques. Chacun des paradigmes pr ésentent des enjeux particuliers en termes esthétiques, économiques et patrimoniaux.

EN:

The massive circulation of concert videos on digital platforms questions more than ever the concert as an exclusive ritual. In France, these videos are called “ captation” (video recording). This article aims at discussing the multiple paradoxes of this term. For this purpose, we rely on an exploratory investigation conducted with French professionals in 2019. In the first section of the article, we highlight the inherent tension between secret and publicity to the concert situation that still operates in a digital era. In the second section, we investigate the paradoxical attempt to transpose the exclusive dimension of a concert on a screen, in the shape of a document. In the last section, we argue how concert videos can go beyond the document paradigm under certain conditions, becoming performative objects that affect the concert in return, especially in the context of digital platforms. Each paradigm entails specific questions related to aesthetics, economy and heritage.

FR:

À partir d’une analyse documentaire des productions audiovisuelles mises en ligne sur Pitchfork et des contenus qui en font la promotion, cet article propose d’explorer comment l’usage du live permet au webzine de légitimer son rôle comme composante créative au sein des industries de la musique. Comment les forces de modelages des plateformes numériques, tel que YouTube, ont-elles transformé les pratiques du webzine et les possibilités de création et de diffusion de productions audiovisuelles live? Cet article propose le concept de performance de la forme en explorant comment de multiples performances peuvent être attribuées à une forme culturelle donnée.

EN:

Based on a documentary analysis of audiovisual productions posted online on Pitchfork and the content that promotes it, this article explores how the use of live music allows the webzine to legitimize its role as a creative component within the music industries. How have the molding forces of digital platforms, such as YouTube, transformed the webzine’s practices and the possibilities for creating and broadcasting live audiovisual productions? This article proposes the concept of form performance by exploring how multiple performances can be attributed to a given cultural form.

FR:

Cet article montre la valeur d’une approche centrée sur le son et la technologie pour l’étude de la musique live. En prenant pour point de départ le festival de Woodstock qui s’est tenu en 1969, jusqu’à la radiodiffusion en ligne de la totalité des archives audio du festival 50 ans après, il retrace la technologie sonore à travers le temps et l’espace ; depuis une infrastructure analogique et des supports d’enregistrement jusqu’aux médias numériques et une infrastructure issue de la distribution de masse. De cette manière, nous donnons des exemples précis pour placer les médiations sonores au cœur des pratiques musicales live en général. Enfin, nous nous basons sur la radiodiffusion susmentionnée pour décrire des éléments nouveaux qui participent de la mise en scène du live sur Internet.

EN:

This article shows the value of a sound-centered and technology-focused approach for the study of live music. Starting from the actual Woodstock festival site in 1969 to the online broadcast of the entire archival recordings of that festival 50 years later, it traces sound technology across time and space from analogue audio infrastructure and recording media to digital audio media and mass distribution infrastructure. In doing so, we provide clear examples that place sound mediation at the heart of all live music practices. Finally, we closely consider the aforementioned broadcast to describe some of the new possibilities of the staging of liveness that is afforded by the Internet.

FR:

Comment imaginer l’avenir de l’industrie de l’événementiel depuis la crise de COVID-19 ? C’est à cette tâche que s’attellent Denzil Rankine et Marco Giberti dans leur ouvrage Reinventing Live : The Always-On Future of Events (2021). La proposition de ces deux praticiens en faveur de formats événementiels hybrides est illustrée par une posture réflexive et riche en études de cas.

EN:

How do we imagine the future of events industry since the COVID‑19 crisis? This is the challenge that Denzil Rankine and Marco Giberti tackle in their book Reinventing Live: The Always-On Future of Events (2021). These two professionnals’ call for hybrid event formats is illustrated through a reflective posture and rich case studies.

FR:

Cette note de lecture porte sur l’ouvrage The Future of Live Music, paru chez Bloomsbury éditions (2020). Dirigé par trois professeur.e.s de l’Université du Lancashire central (Preston, Royaume-Uni), il fait intervenir 16 contributeur.ice.s au cours de 13 chapitres répartis en cinq parties thématiques : les approches, la technologie, les artistes, les espaces et les évaluations. Son objectif est d’esquisser ce qui pourraient être les nouveaux enjeux de la musique live.

EN:

This reading note concerns the book The Future of Live Music, published by Bloomsbury editions (2020). Directed by three professors from the University of Central Lancashire (Preston, United Kingdom), it involves 16 contributors in 13 chapters divided into five thematic parts: approaches, technology, artists, spaces and ratings. Its objective is to outline what could be the new challenges of live music.