FR:

Cet article explore les liens entre activité mémorielle et construction d’une identité collective au Théâtre du Peuple, théâtre reconnu comme la plus ancienne entreprise de théâtre populaire en France et faisant preuve d’une longévité remarquable. En se concentrant sur l’histoire du théâtre depuis le décès de son fondateur en 1960, il montre comment la figure de Maurice Pottecher est restée une référence permanente, en même temps que son projet a fait l’objet de diverses relectures. Celles-ci ont permis de redéfinir les éléments identitaires forts de ce lieu, remplaçant le répertoire par le public et rappelant l’importance de la dimension artistique, tout en insistant sur l’originalité de cette entreprise et son esprit si particulier. Ceux-ci sont associés à l’intuition originelle de Maurice Pottecher et l’idéal qu’il a défendu reste revendiqué : il permet le maintien de la singularité de ce théâtre dans le champ théâtral actuel et soude ceux, très divers, qui prennent part à cette aventure.

EN:

This article explores the connections between historic activity and the construction of a collective identity at the Théâtre du Peuple, a theatre enjoying a remarkable longevity since it is recognized as the oldest venture in popular theatre in France. By concentrating on the theatre’s history since the death of its founder in 1960, it demonstrates how the figure of Maurice Pottecher has remained a permanent point of reference, at the same time as its mission has been the subject of various reinterpretations. They have allowed for the redefinition of the strong identity factors specific to this theatre, putting the emphasis on the audience rather than the repertoire and recalling the importance of its artistic dimension while insisting on the originality of this undertaking and its unique character. They in turn are associated with Maurice Pottecher’s original insight and uphold the ideal that he defended : it enables the uniqueness of this theatre to be maintained in the field of current theatre and binds together the very diverse individuals who take part in this adventure.

FR:

Figure aux multiples facettes (directeur d’institution, metteur en scène, auteur, cinéaste), Roger Planchon, né en 1931 et mort en 2009, fondateur du Théâtre de la Comédie à Lyon en 1952, directeur du Théâtre de la Cité en 1957 et du Théâtre National Populaire de Villeurbanne entre 1972 et 2002, incarne les tensions propres à l’histoire du théâtre public français, entre ambition artistique et volonté de popularisation. L’artiste a revendiqué trois filiations : avec le mouvement de la décentralisation dramatique qui naît après la Seconde Guerre mondiale, avec Jean Vilar, directeur du Théâtre National Populaire de 1951 à 1963, et avec Bertolt Brecht, qui fait figure d’homme de théâtre complet. Cet article se propose d’analyser ces filiations, pour tenter d’en déterminer le caractère opératoire. Il apparaît alors que le fil conducteur qui sous-tend le parcours de Roger Planchon tient dans l’obsession de l’artiste de forger une « écriture scénique » personnelle et autonome, qui le conduit en 1968 à revendiquer « le pouvoir aux créateurs » ; Roger Planchon contribuerait, en cela, à forger une nouvelle dimension du théâtre public, centrée autour de la figure du metteur en scène-créateur.

EN:

A multi-faceted personality (director of institutions, theatre director, author, filmmaker), Roger Planchon (1931-2009), founder of the Théâtre de la Comédie in Lyon in 1952, director of the Théâtre de la Cité in 1957 and of the Théâtre National Populaire de Villeurbanne between 1972 and 2002, personifies the tension, characteristic of the history of the French public theatre, between artistic ambition and a desire for popularisation. The artist claimed three filiations, firstly with the movement for the decentralization of the theatre which emerged after the Second World War ; secondly with Jean Vilar, director of the Théâtre National Populaire from 1951 to 1963 ; and thirdly with Bertolt Brecht, considered to be a complete man of the theatre. The objective of this article is to analyse these filiations with a view to determining their influence on Planchon’s modus operandi. It emerges that the common thread underlying Roger Planchon’s career is to be found in the artist’s obsession with forging a personal and autonomous style of “ stage writing ”, an obsession which led him, in 1968, to lay claim to “ power for the creators ” ; Roger Planchon thereby contributed to forging a new dimension in the public theatre focusing on the figure of the director–creator.

FR:

À travers la comparaison du premier et du dernier directeur en date du TNP-Villeurbanne, institution exemplaire des valeurs et des missions du « théâtre public » français, l’enjeu du présent article est d’interroger l’évolution de ce modèle. Pour ce faire nous comparerons les différents aspects de la direction Planchon et celle de Schiaretti, s’agissant notamment du contexte de nomination du directeur, des modalités de la référence à la figure tutélaire de Jean Vilar, père spirituel du TNP, de la resémantisation de la notion de décentralisation, de la ligne esthétique défendue, et de la figure de l’État convoquée.

EN:

The goal of this article is to draw a comparison between the politics of Roger Planchon and Christian Schiaretti, the first and the last directors of the Théâtre National Populaire (TNP) of Villeurbanne, a theatrical institution which symbolizes the french model of “ public theatre ”. We would specially like to compare their contexts of nomination, the kind of theatre they defend, the way they refere to the legendary figure of Jean Vilar, spiritual father of the TNP and of what we call the «décentralisation», that is to say the will to irrigate the all parts of the country and of the society with theatre, an art supposed to civilize and democratise the people.

FR:

Cette étude porte sur le rapport d’Antoine Vitez avec les notions de théâtre populaire et de théâtre service public. Elle met d’abord en évidence la difficulté historique qu’il y aurait à vouloir distinguer, dans la confluence des grands mouvements qui ont influencé le metteur en scène (théâtre populaire, théâtre politique, théâtre d’art), une filiation qui relèverait spécifiquement du lignage populaire. Puis elle propose une analyse du cheminement de la pensée d’Antoine Vitez sur la politique culturelle et le rôle social de l’artiste au cours des années déterminantes qui ont précédé la naissance du Théâtre de Quartier d’Ivry. Cet examen fait apparaître que son évolution des années 1970 procède moins d’une rupture idéologique profonde que d’une adaptation, dans la durée, aux contextes traversés et aux transformations du milieu du théâtre public. Elle s’intéresse ensuite à l’expression « élitaire pour tous » et montre que tenir compte du facteur temps permet de comprendre que cette invention langagière, plutôt que d’avoir valeur d’oxymore provocateur, et bien qu’elle en joue, traduit avec justesse le désir constant d’Antoine Vitez de concilier l’expérimental et le populaire. Elle souligne pour finir l’inscription de sa démarche dans une continuité historique qui fait notamment écho aux considérations hugoliennes sur l’existence d’une popularité qui ne s’acquiert et ne se mesure qu’au fil des siècles.

EN:

This study is about Antoine Vitez’s relation with the notions of popular theater and theater as public service. It brings to light the historic difficulty in distinguishing, in the confluence of the movements which influenced the director (popular theater, political theater, art theater), a filiation to the popular lineage. Then, it proposes an analysis of his thought process about cultural policy and the social role of artists during the determining years which preceded the fondation of the Théâtre de Quartier d’Ivry, near Paris. This examination brings out that its evolution in the 1970s proceeds less from a deep ideological breaking off than from an adaptation, over time, to the criss-crossing of contexts and the transformation of the very world of public theater. Then it focuses on the expression « “elitar for all ”» (« élitaire pour tous ») and shows that taking into account the time factor helps understand that this linguistic invention, rather than having the value of a provocative oxymoron, and although it plays with it, translates aptly Antoine Vitez’s constant desire of reconciling the experimental and the popular. Finally, It underlines the inscription of its approach in a historic continuity which echoes in particular Hugo’s considerations on the existence of a popularity which is acquired and can measure up only in the course of the centuries.

FR:

Le théâtre de la Commune d’Aubervilliers a été le premier théâtre permanent de la banlieue rouge sans un soutien initial de l’État. Jack Ralite a appuyé son fondateur, Gabriel Garran, de 1960 à 1984 et demandé la nomination de Didier Bezace en 1997. Les deux metteurs en scène se reconnaissent une relation de filiation dans leurs références à un théâtre populaire émancipateur, centré sur les auteurs vivants. L’article présente et interroge les conditions de la mise en oeuvre de ce projet dans deux contextes sociétaux différents. Les dispositifs de mise en relation des artistes avec la population locale requièrent dans les deux cas le déploiement d’énergie militante pour décentraliser l’action culturelle dans la ville, ainsi qu’une diversification de la programmation. La désindustrialisation a affaibli les relais d’information dans les entreprises et aggravé la précarité économique. Le mythe de la conscience de classe des ouvriers est aujourd’hui encore plus décalé dans une ville au caractère multiethnique accentué.

EN:

The Théâtre de la Commune d’Aubervilliers was the first permanent theatre in the towns in the Paris suburbs with Communist mayors, without State subsidies firstly. Jack Ralite supported his founder, Gabriel Garran, from 1960 to 1984 and asked Didier Bezace to be appointed manager in 1997. Both directors are recognising a relationship in their references to a popular theatre as a strength of emancipation, with a programme which is focussed around alive authors. The papers presents and questions the conditions of the implementation of this project in two different social contexts. The plans of getting in touch of the artists with the local population require in both cases a great show of militant effort for decentralizing the cultural action in the city, as well as a diversification of the programme. Deindustrialization has weakened relaying information in the firms and worsened economic precariousness. Today the myth of the workers’ class consciousness is more out of phase with an increased multiethnic city.

FR:

L’hypothèse défendue par cette étude consiste à dire que l’idée d’un théâtre populaire a imprégné et imprègne toujours les discours sur le théâtre au Québec, faute d’avoir contribué à en définir de manière durable les orientations et les innovations. La perspective proposée met en lumière un ensemble d’écrits qui révèle les usages rhétoriques mais également idéologiques d’un topos qui, selon les cas et suivant les circonstances, charrie un ensemble de valeurs et recouvre différentes croyances. Dans l’esprit de l’analyse du discours, notre étude se veut attentive à repérer dans les déclarations des acteurs du milieu du théâtre québécois, depuis la création des Belles-Soeurs en 1968 jusqu’à l’« Affaire Cloutier » en 1999, les modulations du concept de « théâtre populaire » pour en saisir les significations multiples et contradictoires, mais dans le but également d’identifier, au fil de l’argumentation, les stratégies mises en place par chacun pour marquer leur position dans le champ théâtral et culturel québécois.

EN:

The hypothesis defended by this article consists of saying that the idea of a popular theatre has heavily influenced discourses on theatre in Quebec and continues to do so, even if it did not contribute to sustainably defining its orientations and innovations. The proposed perspective sheds light on a group of writings that reveals rhetorical and ideological uses of a topos that, depending on the case and on the circumstances involved, carries a group of values and covers different beliefs. Through the use of discourse analysis, our study attentively seeks out, by way of statements by actors from the Quebec theatre scene, beginning with the creation of the Belles-Soeurs in 1968 up until the “ Cloutier affair ” in 1999, the modulations of the concept of “ popular theatre ” in order to grasp its multiple and contradictory meanings, and to identify the strategies set up by each to mark their position in the theatrical and cultural fields of Quebec.

FR:

Pendant toute sa vie, François Delsarte étudie les rapports entre la sphère intérieure de l’homme et son expression. L’article d’Elena Randi soutient que le mouvement du corps qui est capable de manifester l’affectus dans sa forme idéale (archétypique) dans la pensée de Delsarte est unitaire et engage la structure anatomique dans sa totalité. L’écrit cherche à mettre en évidence, en outre, l’influence que cette conception a sur la modern dance par l’intermédiaire du delsartisme. Le désir d’atteindre un corps unitaire ne constitue pas une banale fin technique. À l’arrière il y a quelque chose en plus : le cauchemar, propre de l’homme moderne, de l’éclatement de l’égo, de la schizophrénie, de la perte d’un centre, du « manque à être ». La tentative de réédifier un corps qui soit vraiment un organisme et non pas une simple somme de parties reflète la soif de retrouver, grâce au geste artistique, un égo centripète, un noeud psychique indivisé.

EN:

Througout his whole life, François Delsarte studied the link between the interior sphere of man and its expression. Elena Randi’s article argues that, in the thought of Delsarte, the body movement that best shows affectus in its ideal (archetypical) form is a unit that engages the whole of the anatomical structure. Moreover, this conception has had, as Randi reveals, an influence on modern dance through the intermediary of delsartism. The desire to achieve a unitary body no longer constitutes a banal technical end. Behind it, there is something more : the nightmare, an inherent property of modern man, of the implosion of the ego, of schizophrenia, of the loss of a centre, of a “ lack of being ”. The attempt to reconstruct a body that is truly an organism and not the simple sum of its parts reflects a thirst to find, through an artistic movement, a centripetal ego, an undivided psychic node.

FR:

Au cours des XX^e et XXI^e siècles, théoriciens et généralistes se sont intéressés aux lois expressives delsartiennes. L’une d’elles, la séméiotique a particulièrement retenu l’attention. Notre article retrace la filiation entre cette dernière et les codes esthétiques des XVII^e et XVIII^e siècles français.

EN:

During the 20^th and 21^st century, theorists and general practitioners were interested in Delsarte’s laws of expression. One of these laws, « séméiotique », has particularly garnered attention. Our article traces the filiation between séméiotique and the aesthetic codes of the 17^th and 18^th century in France.