FR :

Cet article porte sur la représentation du journal dans À la recherche du temps perdu de Marcel Proust. La première partie dresse l’inventaire des modalités d’insertion de l’objet médiatique dans le roman, pour montrer la place importante mais méconnue qu’il y occupe : le journal étant le symbole d’une civilisation et des scansions de sa temporalité, il ne pouvait pas laisser un roman explorant le temps indifférent à son égard. En deuxième lieu, on s’interroge sur les médiations du journal dans la société mondaine du roman. Le journal est en effet un intercesseur social important : au plein sens du terme il médiatise les rapports des personnages et les rapproche dans la distance. Enfin, l’article montre en quoi la poétique proustienne est inspirée par certains aspects de l’écriture médiatique. Celle-ci étant collective par définition et vouée à une diffusion imprimée parmi un lectorat anonyme, elle rend particulièrement sensible le narrateur d’Albertine disparue — heureux de la publication de son article dans Le Figaro — à la forme de sociabilité distante que permet l’écriture, une sociabilité imaginée plus que directement vécue, donc propice à l’art romanesque.

EN :

This article examines how the diary is portrayed in Marcel Proust’s À la recherche du temps perdu (Remembrance of Things Past / In Search of Lost Time). The first part is an inventory of ways in which the mediatic object is inserted into the novel, showing its important but little acknowledged place in it: the diary, as symbol of a civilization and scansions of its temporality, cannot be ignored within a novel that explores time. Secondly, we look at the diary’s mediations in the fashionable society of the novel. The diary serves as an important social intercessor. In the true meaning of the term it mediatizes the relationships of the characters, drawing them closer. Finally, the article shows how the Proustian poetic is inspired by certain aspects of media writing. Collective by definition and aimed at print dissemination to an anonymous readership, it makes the narrator of Albertine disparue (The Fugitive)—who is pleased to have his article published in Le Figaro)—particularly sensitive to the form of remote sociability that writing permits, an imagined rather than directly-lived sociability, and one that favours the art of fiction.

FR :

Comme les deux versants d’un même massif, les romans et les carnets se répondent à l’intérieur de l’oeuvre gracquienne dans une symétrie presque parfaite : l’écriture des romans occupe la première partie de la carrière de l’écrivain, celle des carnets la seconde. Pourtant, ce qui frappe dans les travaux de la critique gracquienne, c’est le fait qu’aucune image, aucun motif n’ont été proposés pour distinguer les exigences et les possibilités respectives de ces deux genres, qui ont été le plus souvent considérés indifféremment, à l’intérieur d’un continuum. Or, voilà le rôle symbolique que nous proposons de donner aux « régions indécises » tant célébrées par Gracq, à ces régions qui, au contraire par exemple des Alpes ou de la côte, ne présentent aucun trait saillant mais apparaissent comme des lieux indistincts. La valeur de cette image paraît emblématique des possibilités qu’offre l’écriture des carnets. Du point de vue de l’écrivain, le carnet représente en effet le lieu où l’indécision, c’est-à-dire l’absence de la nécessité de choisir, a libre cours, là où la contrainte et la clôture ne pèsent guère. Mais, ce qui confère aux régions indécises leur pertinence et leur force d’évocation, c’est le fait qu’elles indiquent une ligne de partage à l’intérieur de l’oeuvre. Non seulement elles permettent de mieux apprécier les exigences de l’écriture des carnets gracquiens, mais elles contribuent à renouveler la compréhension de son art du roman. Envisagées par la négative, ces régions indécises représentent en quelque sorte ce à quoi le roman est soustrait. Au contraire du carnet, le roman représente en effet le lieu de la décision. Pour Gracq, l’écriture d’un roman impose la nécessité de choisir, c’est-à-dire l’obligation de discriminer les possibilités qui ne seront pas retenues. Tandis que le carnet apparaît comme un espace d’accueil et d’évasion, le roman représente pour Gracq, et au contraire de ce qui est généralement admis, un art du renoncement.

EN :

Like two slopes of the same mountain, the novels and notebooks respond in near-perfect symmetry within the Gracqian canon: novel writing occupies the first part of the writer’s career, the notebooks the second. But what is striking in the Gracqian critique is the fact that no image, no motif has been summoned to distinguish the respective demands and possibilities of these two genres, more often left indistinguishable within a continuum. We therefore propose to give a symbolic role to the “indecisive regions” so celebrated by Gracq, regions that, unlike the Alps or the coast for instance, are non-descript, indistinct places, lacking salient features. Such an image is emblematic of the possibilities offered by the notebook writings. From the writer’s viewpoint, the notebook is a haven of indecision, where there is no need to choose, a place of freedom untrammeled by constraint or closure. But what makes the indecisive regions relevant and evocatively forceful is their concomitant line of sharing within the Gracqian oeuvre. Not only do they make it possible to better appreciate the writing demands of Gracq’s notebooks, but they help refresh the understanding of his fictional art. From a negative perspective, these indecisive regions point to the novel’s burdensome demands. Unlike the notebook, the novel represents the place of decision. For Gracq, writing a novel imposes the need to choose, the obligation to discriminate among possibilities not chosen. While the notebook appears as a welcoming divertissement, and contrary to what is generally acknowledged, for him the novel represents an art of renunciation.

FR :

Au cours de la période de douze ans durant laquelle il a publié ses nouvelles et ses romans (1937-1949), Jean-Paul Sartre a aussi fait paraître une série de critiques littéraires et de manifestes pour l’engagement de la littérature. Dans ces critiques et ces manifestes, l’auteur des Situations accorde une place centrale au genre romanesque : cette partie de son oeuvre a été un espace où, en prenant position par rapport aux autres écrivains, Sartre a implicitement défini sa conception du genre romanesque, ainsi que les ambitions littéraires, philosophiques et politiques qu’il poursuivait par l’entremise de ses propres fictions narratives. L’ensemble des oeuvres auxquelles Sartre s’intéresse dans ses essais sur la littérature se caractérise par une stricte bipartition. D’un côté, des prédécesseurs et des contemporains français tels que Jean Giraudoux, François Mauriac, Paul Nizan, Albert Camus et Maurice Blanchot sont plus ou moins durement éreintés selon les cas. En contrepartie, des oeuvres écrites par ceux que Sartre appelle indifféremment « les Américains », c’est-à-dire, pour l’essentiel, William Faulkner, John Dos Passos, Ernest Hemingway, John Steinbeck et Richard Wright, suscitent de l’enthousiasme, reçoivent des éloges et sont considérés comme des modèles dont l’écrivain français devrait idéalement parvenir à s’inspirer. Dans cet article, l’auteur dégage la signification de cette bipartition entre oeuvres américaines et françaises et circonscrit la fonction qu’elle remplit dans le système de la critique littéraire sartrienne.

EN :

During the twelve years in which he published short stories and novels (1937-1949), Jean-Paul Sartre also wrote articles of literary criticism and manifestos defending commitment in literature. In these articles and manifestos, the author of Situations focused his reflection on the poetics of fiction. In this part of his work, Sartre situated himself among other writers. He also defined implicitly, with his own conception of the novel, the literary, philosophic and political ambitions he was pursuing at this time. The works of fiction analyzed by Sartre in his articles and manifestos are characterized by a strict bipartition. On the one hand, he subjected his French predecessors and contemporaries like Jean Giraudoux, François Mauriac, Paul Nizan, Albert Camus and Maurice Blanchot to pretty harsh scrutiny, while works by novelists that Sartre lumped together [generally referred to] as the “Americans” (William Faulkner, John Dos Passos, Ernest Hemingway, John Steinbeck and Richard Wright) were enthusiastically praised and heralded as the models to inspire French writers. In this article, Sartre’s system of literary criticism is called forth in elucidating the meaning of this bipartition between American and French fiction.

FR :

Même si Milan Kundera insiste sur la tâche du roman qui consiste à détruire tous les mythes, nous croyons que cette entreprise ne peut y être menée à terme. Dans un monde où toute valeur transcendantale aurait été annulée, où tout aurait été banalisé, le personnage romanesque trouverait difficilement sa voie. C’est ainsi que des éléments sacrés (des mythes et des scènes bibliques), dont la présence n’est pas seulement ironique, donnent de l’ampleur à la vie des personnages de Kundera, les enrichissent d’une tradition mythique qui balise le récit. Deux personnages de L’insoutenable légèreté de l’être en sont de bons exemples : le personnage principal, Tomas, est tiraillé entre deux mythes (la naissance de Moïse et l’Androgyne du Banquet) qui organisent sa vie ; Iakov Staline, qui n’apparaît que brièvement dans le roman, y vit une tension analogue (entre sa vie misérable et son statut « divin ») qui se révèle mortifère.

EN :

If Milan Kundera emphasizes that the novel should destroy all myths, such a process cannot be completed. In a world where there are no transcendental values, where everything is banal, it turns out to be very difficult for a character to find his own way. In Kundera’s novels, the use of some sacred elements (myths and scenes from the Holy Bible), which go beyond irony, enhance the characters’ life with the aura of myth or tradition. In The Unbearable Lightness of Being, two characters provide a perfect example of this situation: the main character, Tomas, is torn between two myths (the birth of Moses and The Symposium’s Androgynous) which organize his life; Iakov Staline, who appears briefly in the novel, dies of a similar tension between his miserable life and his “divine” status.

FR :

Les quatre romans publiés à ce jour par Philippe Renonçay composent ensemble une oeuvre d’une grande cohérence. L’auteur pose la question du mal. Le sujet n’est sans doute pas original ; Gide l’a dit : on ne fait pas de bonne littérature avec de bons sentiments. L’entreprise de Renonçay est cependant plus radicale. Elle s’inscrit dans le contexte de certaines recherches littéraires actuelles qui placent le mal au centre de leurs préoccupations : Dantec, Jauffret, Germain, Nobécourt, et bien d’autres. Peut-être un signe des temps, l’originalité de Renonçay est à chercher, au moins en partie, dans l’intempérance avec laquelle ses personnages centraux mettent en question notre déréliction : une violence nue, sans pudeur, oscille entre le règlement de comptes avec Dieu et la volonté d’en finir une fois pour toutes avec une inexpiable humanité.

EN :

The four novels published thus far by Philippe Renonçay compose a work of great coherence. They focus mainly on the question of evil. While this is not an original topic—one does not write good literature with good sentiments, said Gide—, Renonçay’s treatment of it, however, is far more radical. It finds itself in the context of one of today’s literary concerns which centers around the depiction of evil: Dantec, Jauffret, Germain, Nobécourt, among others, come to mind. Perhaps a sign of the times, Renonçay’s originality is to be found, at least in part, in the intemperance with which the characters of his novels address our dereliction: an uncompromising, unrestrained violence oscillates between the impulse to settle the score with God and the unwavering decision to do away with a corrupt humanity once and for all.

FR :

Cet article traite de la problématique de l’absence et de sa figuration dans l’oeuvre de Philippe Jaccottet sous l’inspiration philosophique et psychanalytique, à partir du motif du souffle que le poète privilégie dans les années soixante, notamment dans quelques poèmes, notes et textes en prose. Le souffle comme principe animateur mis en valeur par la tradition mystique, religieuse et philosophique est doté d’une signification autre chez les poètes contemporains comme Jaccottet, Celan ou Du Bouchet : support inaperçu de la voix et de l’écriture, il donne forme au vide et au silence. Imperceptible et invisible, ce motif représente le cliché du sujet « je » en retrait sur la scène énonciative, voire celui de Dieu s’absentant du monde, condamnant les poètes au désoeuvrement. Il hante ces paysages avec figures absentes comme le spectre du Dieu de la religion et de la métaphysique. Dans les textes en prose, le souffle assure l’échange intime entre le corps du dedans et l’air ambiant, entre le moi et le non-moi, voire entre le passé et le présent, menant le poète à une sorte d’inconscient cosmique, de rêve de fusion avec l’extérieur — que semblent également indiquer l’Empédocle hölderlinien ou l’Ouvert rilkéen. Il s’agit d’un oubli de soi ek-statique, moment que Jaccottet a aussi appelé « l’expérience poétique », dont une des reliques serait le contact avec la puissance du chant pouvant encore insuffler l’âme et réunifier le corps, dont le pouvoir est dit transformer l’invisible en le visible, faire articuler le rythme à la figure. La proximité de la poésie avec la musique est repensée à leur origine : appel d’un absent à l’aide d’un souffle et d’un amplificateur, et dont la voix traverse l’espace et atteint l’autre. Ainsi, le chant poétique tente de convertir le deuil du divin et des mystères en l’amorce d’un concert de vocables et de cadences, comme semble en témoigner la démarche même de Jaccottet.

EN :

This article proposes to explore the important problem of absence and its representation in the works of Swiss poet Philippe Jaccottet from a viewpoint inspired by philosophical and psychoanalytic approaches, focusing first on the theme of breath, frequently used by the poet in the 1960’s, especially in some poems, notes and prose works. The life-giving role of breath emphasized by the mystic, religious and philosophical tradition has another meaning for the contemporary poets like Jaccottet (or Du Bouchet, Celan, etc.): unnoticed support of voice and writing, somehow modeling emptiness and silence. Imperceptible and invisible, this motif represents the negative of the subject I withdraw from the enunciative scene, or even that of the deity absent from the world, destining poets to idleness. The breath haunts his Landscapes with absent figures like a ghost of the God of religion or metaphysics. In the prose works of Jaccottet, breath assures an intimate exchange between the inside body and the surrounding air, I and not-I, even the past and the present, leading the poet to a sort of cosmic unconsciousness or a desired fusion with the external world—an experience analogous to that of Hölderlin’s Empedocles or Das Offne (aperture) of Rilke. That is also a moment of ek-stacy Jaccottet once called “the poetic experience’’, and one of its relics is contact with the power of the singing voice, which inspires the soul and rejoins the fragmented body, thereby changing the invisible into the visible, and giving form to rhythm. The close relationship of poetry to music is reconsidered at their very origin: the call of an absentee with breath passing through an amplifier whose sound traverses space and attains the other. Thus the poetry-song tries to convert the mourning of gods and of mysteries into the beginning of the concert of syllables and of cadence, as this poet’s process of writing attests.

FR :

Depuis quelques années, les sites Web personnels, les blogues, journaux intimes, les sites de poésie, les chroniques personnelles prolifèrent en ligne : le succès des Skyblogs, supports de publication destinés aux adolescents, n’est que l’indicateur le plus médiatisé d’un phénomène qui touche toutes les couches de la population. Le statut d’auteur semble désormais accessible à tout le monde. La possibilité de toucher plusieurs millions d’internautes, l’espoir de se faire « repérer » un jour par un éditeur papier, motivent un grand nombre d’auteurs à mettre leurs productions textuelles sur le Web. L’on peut cependant constater que beaucoup de blogues, journaux intimes et romans-feuilletons « en réseau » se présentent sous des formats assez traditionnels : le lien hypertexte, outil syntaxique révolutionnaire, n’est utilisé qu’à l’intérieur d’un sommaire facilitant le « feuilletage » du matériel textuel ; l’animation textuelle, outil sémantique renouvelant profondément l’aspect graphique de l’écrit, est quasiment absente de ces créations, ou bien elle se trouve réduite à une fonction de gadget. Les codes de programmation informatiques, présents sous la surface lisse de l’écran, ne jouent qu’un rôle de langage secondaire. À côté de cette première forme de littérature en réseau s’est développée une deuxième, encore peu connue du grand public, et qui donne lieu à des trouvailles beaucoup plus surprenantes. Depuis une dizaine d’années, loin des circuits de publication et de diffusion des littératures papier, des cercles, des communautés d’écrivains se sont formées autour de l’idée d’une littérature numérique exploitant pleinement les potentialités du médium « ordinateur ». L’animation, l’interactivité et une programmation créative caractérisent ces nouvelles créations littéraires sur support numérique. C’est ainsi dans les calligrammes et métaphores animés et dans l’animation syntaxique, dans les relations intersémiotiques entre le texte animé et l’image fixe, entre le texte fixe et l’image animée que se dessine une première particularité de la littérature numérique. Deuxièmement, c’est la dynamisation de l’écrit par le lien hypertexte (que le lecteur active par clic) qui incite un nombre grandissant d’auteurs à expérimenter avec le support numérique. Un troisième « genre » de la nouvelle littérature numérique se fonde sur la réflexion concernant le rôle du programme. Le premier but de cet article est de présenter les convergences et les différences entre les trois principaux genres de la littérature numérique. À partir d’un certain nombre d’exemples représentatifs, je propose ensuite des outils d’analyse adaptés à ces nouvelles formes de création littéraire.

EN :

The past few years have witnessed the online proliferation of personal websites, blogs, intimate diaries, poetry sites, and personal columns. The success of Skyblogs, publishing support geared to teenagers, is but the most mediatized indicator of a phenomenon that is affecting all levels of the population. Now anyone can be an author. The possibility of reaching a few million Web surfers, and the hope of discovery by a real (hard copy) publisher, motivates many authors to put their textual productions on the Web. The network is rife with blogs, intimate diaries and serial novels, presented in fairly traditional format: the hypertext link, a revolutionary syntactic tool, is used only inside a summary facilitating the serial reading/writing of textual material. Textual animation, the semantic tool that profoundly renews the graphic aspect of the written text, is virtually absent from these creations, being largely reduced to a gadget function. The programming computer codes present beneath the screen surface play only a secondary role. A second kind of network literature has also developed, as yet little known by the general public, but promising even more astonishing discoveries. For a dozen years, circles of writers distant from publication circuits and the dissemination of paper literature have gathered around the concept of a digital literature fully utilizing the potentialities of the computer medium. Animation, interactivity and creative programming characterize these new literary creations on digital support. Thus developed an initial particularity of Digital Literature, in calligrams and animated metaphors and in syntactic animation, in the inter-semiotic relations between the animated text and the fixed image, between the fixed text and the animated image, that draw on a prime feature of digital literature. As well, the dynamization of the written via the hypertext link, activated by a reader’s click, entices a growing number of authors to experiment with digital support. A third “genre” of the new digital literature involves a reflection on the role of the program. The main thrust of this article is to outline the convergences and the differences between the three principal genres of digital literature. Using a number of representative examples, I then present analytical tools adapted to these new forms of literary creation.